Il y a vingt ans, la catégorie des Oscars du meilleur long métrage d’animation n’existait pas. Shrek, l’ogre préféré de tous, a remporté le prix inaugural en 2002. Avant cela, les films d’animation n’avaient pas beaucoup de respect aux Oscars. En fait, La Belle et la Bête était le seul film d’animation à être nominé pour le meilleur film, et à quelques exceptions près comme la nomination des meilleurs effets visuels de 1993 dans Le cauchemar avant Noël, la seule fois où les films d’animation ont été honorés lors de la plus grande soirée d’Hollywood était en les catégories de musique.

Le prix du meilleur film d’animation des Oscars a changé la donne, garantissant qu’il y aurait toujours une place pour l’animation aux Oscars. On pourrait dire que l’ajout de la catégorie signifiait une perte nette, en fin de compte, qu’en attribuant son propre prix à l’animation, l’Académie ne ressentirait pas autant de pression pour faire concourir les dessins animés dans une catégorie «plus sérieuse». Cette critique a été quelque peu contrecarrée par l’expansion des nominés du meilleur film de cinq à dix, ce qui signifie qu’il y a plus de place pour les films d’animation (comme Up et Toy Story 3), mais pour la plupart, les films d’animation sont toujours considérés comme séparés. —Une distinction qui pourrait être assimilée de manière inacceptable à les mettre dans le coin des enfants.

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Un rejet aussi radical est malavisé. L’animation est un médium, pas un genre, et les films d’animation ne sont pas intrinsèquement pour les enfants (ou du moins juste pour eux). Les 18 gagnants des meilleurs films d’animation sont, pour la plupart, de brillants exemples de divertissement pour tous les âges, et parmi le groupe, les téléspectateurs adultes peuvent en obtenir autant, sinon plus, que les petits qu’ils ciblent (voir , la moitié de la production de Pixar). Ensemble, les gagnants montrent l’étendue et le potentiel de l’animation en tant que support, faisant dans de nombreux cas des choses que leurs homologues de l’action réelle ne pouvaient pas faire.

Voici les 18 gagnants, classés de « plutôt bien » à  » chef-d’œuvre du film sans qu’il soit nécessaire de le qualifier d’animation. »

Happy Feet (2006)

Une marche des pingouins musicale de style juke-box avec des reprises de claquettes d’un groupe éclectique de chansons sonne comme ça devrait être un cauchemar gimmicky. Mais je dirai ceci pour Happy Feet: c’est incroyablement mieux qu’il ne devrait l’être. Happy Feet puise dans une véritable énergie cinétique qui rend divertissants même les numéros musicaux les plus déroutants, et il y a un joli message environnementaliste dans le troisième acte, qui présente une torsion et des humains qui ont apparemment visité l’Antarctique depuis leur maison dans la vallée étrange. Pourtant, comparé aux autres gagnants, Happy Feet ne peut pas tout à fait surpasser sa propre bizarrerie – encore une fois, des numéros musicaux, des pingouins, etc. – et cela n’aide pas que 2006 ait probablement été la plus faible récolte de nominés de la catégorie.

Brave (2012)

À l’exception de Cars, qui gagnait suffisamment d’argent en ventes de jouets que tout le monde était prêt à donner un laissez-passer à Pixar, Brave a été le premier film que le studio acclamé a réalisé et que tout le monde semblait convenir qu’il était « plutôt bon » plutôt qu’un chef-d’œuvre de Toy Story ou Up-like. Ce n’est pas grave – et Brave est, pour mémoire, mieux dans les ligues que les voitures. L’histoire de Merida, une princesse écossaise avec des ambitions guerrières et des problèmes avec une malédiction ursine, est certainement passionnante et stimulante, si ce n’est particulièrement profonde ou poignante au-delà de ce qui se passe à l’écran. Elle ne peut tout simplement pas surpasser d’être une autre princesse fable, même avec la touche de Pixar et les sensibilités modernes.

Rango (2011)

L’un des rares films non Disney ou Pixar à remporter le prix (ils font de grands films mais sont absolument un monopole énorme), Rango est unique d’une manière que nous ne voyons pas autant ces jours-ci. L’animation, bien que magnifiquement réalisée, n’est pas vraiment accueillante de par sa conception, pas plus que le désert sec où vivent le caméléon titulaire et ses compatriotes d’animaux cuits au soleil et durs. C’est un western avec une ambiance délibérée de peur et de dégoût à Las Vegas, mais principalement destiné aux enfants – le public visé est donc aussi confus que le personnage principal excentrique de Johnny Depp. Vous devez vous demander « à qui est-ce destiné? » avec Rango, et même si le film ne propose pas tout à fait de réponse, vous devez admirer à quel point c’est gonzo.

Shrek (2001)

Près de 20 ans plus tard, Shrek est une punchline.Le film lui-même, qui était presque universellement aimé à sa sortie, est devenu presque hors de propos sous le poids empoisonné par l’ironie de Smash Mouth, sans parler des GIF viraux de Shrek embrassant passionnément Shadow the Hedgehog. Le marais de Shrek est la genèse du « visage » de Dreamworks Animation, et rétrospectivement, l’intrigue ne subvertit pas tellement les tropes classiques de Disney qu’elle leur applique un humour de référence à la manière de Family Guy. Il a fallu du temps à Shrek pour devenir assez vieux pour voter, tout ce que nous pensions au départ être génial dans le film est devenu une partie emblématique et ironique de notre tissu culturel. Nous aimons Shrek, même si nous ne l’admettons pas. Bien sûr, le genre de Shrek d’embarrassant, mais comme un oignon, il a des couches.

Frozen (2013)

Vous avez gagné N’entends pas un mauvais mot à propos de « Let It Go », une chanson classique de Disney vraiment incroyable et de tous les temps. Laissez cette chanson aller, cependant, et vous constaterez que le reste du film n’a pas à peu près le même pouvoir. Elsa et Anna sont d’excellents ajouts modernes à la liste des princesses de Disney, la vision subversive du coup de foudre est appréciée et Hans est un méchant d’une pertinence choquante à l’ère de la masculinité toxique. Malgré tous ses efforts, Frozen se sent toujours coincé dans une ère antérieure des histoires de Disney, et la réinvention ne peut que faire fondre la tradition.

Wallace et Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (2005)

Comparé au panache élégant de CGI ou de Disney, le duo le plus célèbre d’Aardman Animations est délicieusement et rafraîchissant. Le long-métrage de Wallace et Gromit – qui plonge le Britannique amateur de fromage et son chien hétéro dans un film de monstres classique de style universel à Hollywood – n’aspire pas à grand-chose, mais c’est indéniablement charmant. Vous pouvez voir l’amour qui a amené à le faire presque littéralement, grâce à l’animation image par image, qui fait de la touche de l’artiste une partie essentielle de la réalisation de films.

Toy Story 3 (2010)

Toy Story 4 a quelque peu sapé la fin parfaite de son prédécesseur à la première franchise de Pixar, mais en revoyant Woody, Buzz et la rencontre du gang avec la mortalité tire sur les cordes sensibles. Mais au risque d’être poussé dans un incinérateur d’ordures, une décennie plus tard, Toy Story 3 se sent surfait. Le beau message – que les choses changent et qu’il est normal de changer avec elles – se confond sous le poids de la construction du monde et de l’exploration continue de ce que signifie la vie des jouets. D’autres films Pixar de cette liste ont joué avec l’idée de manière plus organique, pour un gain émotionnel plus important.

Big Hero 6 (2014)

Disney Animation a pénétré dans l’une des sections les plus profondes de la boîte à jouets de Marvel pour Big Hero 6, qui est vaguement basé sur l’équipe de super-héros du même nom. Plutôt qu’un simple exemple bon marché de synergie IP pratique, Big Hero 6 est une ode de haut vol aux familles, à la fois celles dans lesquelles nous sommes nés et celles que nous construisons en cours de route. San Fransokyo est une merveille de mélange de cultures, et l’intrigue de super-héros trouve l’humanité dans STEM, alors que Hiro et ses amis apprennent à être plus que de simples inventions. Baymax était prêt à mourir pour Hiro, mais je mourrais pour Baymax.

Finding Nemo (2003)

Finding Nemo pourrait être l’un des films Pixar les plus cités («Continuez à nager», «Les poissons sont des amis, pas de la nourriture», «P. Sherman 42 Wallaby Way»), et avec son rendu luxuriant d’un monde sous-marin, c’est un Mais le voyage de Dory et Marlin à travers la mer d’un bleu profond n’est pas seulement des couleurs vives et des slogans; c’est une interprétation honnête de l’amour et du devoir des parents, mettant le push-pull de la surprotection et de la rébellion dans une aventure qui s’étend le Pacifique. Trouver Nemo mérite également d’être félicité pour avoir exploré sincèrement ce trope classique de Disney «maman morte», qui est rafraîchissant car l’océan est mouillé.

Ratatouille (2007)

Ratatouille ne contient pas un message aussi dramatique que les films qui dominent le haut de cette liste.Ce n’est pas une exploration du chagrin, un coup de semonce environnementaliste ou une allégorie sur le racisme. Mais l’idée que «tout le monde peut cuisiner» est, à sa manière tranquille, copieuse et chaleureuse. Ratatouille est un film mettant en vedette une jolie vermine de cuisine qui consiste à croire en soi et à trouver ses forces (avec peut-être un peu d’aide caché sous votre tuque blanche). C’est un film qui vous invite à essayer, tout en vous accueillant dans un restaurant cinq étoiles confortable avec une cuisine si délicieuse que vous jurez presque que vous pouvez la sentir à travers l’écran.

Zootopia (2016)

Il y a un moment où vous regardez Zootopia pour la première fois où vous passez de « Oh, c’est une métaphore du racisme » à « Oh wow, c’est vraiment une métaphore du racisme! » Comme les mammifères frénétiques au centre de la théorie du complot légitimement captivante qui anime l’intrigue, Zootopia opte pour la jugulaire – attaquant la nature destructrice des préjugés dans un monde pleinement réalisé qui ressemble à la fable d’Esope des temps modernes. Mieux encore, car les anciennes paraboles grecques d’Esope ne comportaient aucun numéro musical de Shakira.

The Incredibles (2004)

Honnêtement, peu importe que Marvel Studios ait obtenu les droits du film sur les Fantastic Four, car Les Indestructibles est déjà un parfait film Fantastic Four. Bien que l’action des super-héros et la douce esthétique moderniste du milieu du siècle soient passionnantes, le film réussit parce qu’il comprend les gens sous les masques. Dans ce cas, ils forment une famille de quatre personnes (plus le petit Jack-Jack) qui essaient de faire ce qu’il faut par eux-mêmes et les uns envers les autres. Les Indestructibles font, à juste titre, de faire partie d’une famille aussi héroïque que les exploits surpuissants des Parrs. S’il y a un problème ici, Les Indestructibles se présentent malheureusement (et espérons-le involontairement) comme une approbation tacite de l’objectivisme de style Ayn Rand, ce qui est ironique étant donné que le noyau émotionnel du film célèbre un héroïsme plus relatable.

Coco (2017)

Coco explore l’au-delà, le sens de la famille et une culture riche que l’on voit rarement ce type de représentation à succès sans manquer un battement, comme il convient pour un tel film musical. D’autres films de Disney et Pixar ont traité de la perte, mais Coco, utilisant une version squelettique et technicolor de Día de los Muertos, frappe une note différente. Les personnes que nous aimons ne sont jamais vraiment parties, si nous nous en souvenons.

Up (2009)

Le point de vue de Pixar sur Le monde perdu de Sir Arthur Conan Doyle est une aventure joyeuse et pulpeuse, avec des chiens qui parlent, des oiseaux préhistoriques et des dirigeables fantaisistes planant au-dessus de mesas brumeuses. Mais – allez, ce n’est pas la raison pour laquelle il est de premier plan. Le montage d’ouverture de la vie commune de Carl et Ellie par Up est un tearjerker de qualité militaire, et dans ces cinq minutes presque sans paroles, nous comprenons tout ce dont nous avons besoin pour savoir qui étaient ces personnes; cela donne du poids au voyage de haut vol de Carl et le rend important pour nous. >

Wall-E (2008)

Une histoire d’amour semi-silencieuse, post-apocalyptique, avec un message environnementaliste qui est, en toute honnêteté, assez pessimiste? Wall-E est convaincu que son public n’a pas besoin de dorloter ou de tenir la main, et le résultat est un chef-d’œuvre qui parvient à être à la fois incroyablement haut d’esprit et hyper simpliste à la fois. L’effondrement artificiel de l’écosystème terrestre et l’avenir végétatif de notre espèce sont presque trop grands et terrifiants à considérer (bien que, honnêtement… regardez autour de vous), mais Wall-E nous invite à essayer pendant que nous regardons deux adorables robots tomber amoureux. Avec le snob du meilleur film de The Dark Knight la même année, Wall-E est presque certainement en partie responsable du doublement du nombre de nominés par l’Académie. Un film aussi audacieux et beau mérite de concourir pour la plus haute distinction.

Inside Out (2015)

Il y a beaucoup de films Pixar qui vous feront pleurer. Inside Out, cependant, fera couler des larmes tout en vous rendant consciemment heureux que vous soyez triste.Le message du film – que non seulement il est normal d’être triste, il est vital pour survivre – est essentiel et révolutionnaire. Tout le monde devrait le savoir, et Inside Out joue aussi bien aux enfants qui ont la chance de se regrouper avec cette compréhension qu’aux téléspectateurs adultes qui pourraient avoir besoin du rappel. La joie et la tristesse, exprimées par Amy Poehler et une incroyable Phyllis Smith, sont des personnifications relatables de la complexité que nous avons tous dans notre tête. Inside Out est fantastique, mais il n’oublie jamais à quel point les sentiments sont réels.

Spirited Away (2002)

Il serait facile de louer le chef-d’œuvre de Hayao Miyazaki pour ses visuels: un festin somptueux uniquement japonais, singulièrement Ghibli et des vues fantastiques. (Les esprits! Les bains publics!) Le seul gagnant non occidental du prix du meilleur film d’animation apporte certainement un peu d’imagination et de perspective au groupe. Mais Spirited Away ne s’envole pas quand Chihiro vole dans le ciel sur le dos du dragon de Haku (bien que cette scène, comme tant d’autres dans le film, soit emblématique). Au lieu de cela, ce sont les moments les plus calmes: Chihiro se décompose en grosses larmes humides en voyant ses parents alors que Haku la réconforte avec une offre de nourriture. Kamaji le chauffeur mettant une petite couverture sur son corps endormi. Chihiro et No-Face assis tranquillement dans un train plein d’ombres pour la navette.

Ce sont ces petites vignettes qui montrent tout l’esprit de Spirited Away, ancrant la fantaisie et l’émerveillement avec des moments humains de gentillesse et de faiblesse – et la force éventuelle de Chihiro ne signifierait rien sans ces vulnérabilités. Spirited Away ne ressemble à la plupart des autres films de cette liste. Il n’y a même pas vraiment de méchant. C’est beau et méditatif, il subvertit les attentes quant à l’aspect et à la sensation d’un film et transporte les spectateurs dans un pays de merveilles de toutes tailles.

Spider-Man: dans le Spider-Verse (2018)

Dans le Spider-Verse a quelque chose pour tout le monde. Les fans de super-héros peuvent profiter d’une histoire de Spidey sur le Web qui semble tout droit sortie d’une bande dessinée. (Sérieusement, le style d’animation du film ne ressemble à rien d’autre sur grand écran, et les visuels éblouissants en pointillés de ben-day sont une réalisation à couper le souffle. Un film d’action réelle ne pourrait pas faire ce que Spider-Verse fait. )

L’animation mérite des éloges universels, mais Into the Spider-Verse a aussi quelque chose de spécifique pour chaque spectateur. Miles Morales est un triomphe de la représentation, et il est également lié à quiconque tente de définir qui il est à un âge critique. Le doute et la crise de la vie de Peter B. Parker touchent une corde sensible chez ceux qui sont à l’étape suivante de la vie – qui ont peut-être besoin du même encouragement pour faire cet «acte de foi». Le père de Miles représente les épreuves et la beauté de la parentalité, offrant de la sympathie à tous ceux qui ont également du mal à se connecter avec les enfants qu’ils aiment plus que tout. Heck, les plus petits téléspectateurs ont peut-être vraiment aimé quand Spider-Ham a frappé ce gars à la tête. avec un gros marteau.

Il n’y a pas de mauvaise réponse, et c’est le vrai triomphe d’Into the Spider -Verse. En partie parce qu’il puise dans le multivers, Into the Spider-Verse aborde l’universalité de l’histoire des super-héros, garantissant qu’il y a quelque chose dans cette aventure qui vous parlera. Tout le monde peut porter le masque.