Dwie dekady temu kategoria rozdania Oscarów za najlepszy film animowany nie istniała. Shrek, ulubieniec wszystkich ogrów, odebrał nagrodę inauguracyjną w 2002 roku. Wcześniej filmy animowane nie cieszyły się dużym uznaniem na rozdaniu Oscarów. W rzeczywistości Beauty and the Beast był jedynym filmem animowanym, który kiedykolwiek został nominowany do nagrody dla najlepszego filmu, a poza jednorazowymi wyjątkami, takimi jak nominacja do nagrody The Nightmare Before Christmas w 1993 r. Za najlepsze efekty wizualne, jedyny raz, gdy filmy animowane zostały uhonorowane podczas największej nocy Hollywood kategorie muzyczne.

Nagroda Oscara za najlepszy film animowany zmieniła ten stan rzeczy, zapewniając, że na rozdaniu Oskarów zawsze znajdzie się miejsce dla animacji. Można argumentować, że dodanie kategorii oznaczało ostatecznie stratę netto, że przyznając animacji własną nagrodę, Akademia nie odczuwa tak dużej presji, by kreskówki konkurowały w żadnej „poważniejszej” kategorii. Ta krytyka została nieco podcięta przez ekspansję nominowanych do Best Picture z pięciu do dziesięciu, co oznacza, że jest więcej miejsca na filmy animowane (jak zrobiły to Up i Toy Story 3), ale w większości filmy animowane są nadal uważane za osobne —Rozróżnienie, które niemiłosiernie można porównać do umieszczenia ich w kąciku dziecięcym.

Zobacz więcej

Takie szeroko zakrojone zwolnienie jest karykaturalnie błędne. Animacja to medium, a nie gatunek, a filmy animowane nie są z natury dla dzieci (a przynajmniej tylko dla nich). 18 zwycięzców najlepszych filmów animowanych to w większości znakomite przykłady rozrywki dla wszystkich grup wiekowych, a wśród nich dorośli widzowie mogą otrzymać równie dużo – jeśli nie więcej – niż maluchy, do których są skierowani (patrz np. , połowa produkcji Pixara). Zwycięzcy wspólnie pokazują szeroki wachlarz i potencjał animacji jako medium, w wielu przypadkach robiąc rzeczy, których ich odpowiedniki na żywo nie byłyby w stanie.

Oto wszystkich 18 zwycięzców w rankingu od „całkiem dobry” do „ arcydzieło filmowe bez potrzeby kwalifikowania go jako „animowanego” ”.

Happy Feet (2006)

Musical March of the Penguins w stylu szafy grającej z stepowaniem covery eklektycznej grupy piosenek. powinien być sztucznym koszmarem. Ale powiem to dla Happy Feet: jest niezmiernie lepiej niż powinno. Happy Feet wykorzystuje prawdziwą energię kinetyczną, która sprawia, że nawet najbardziej zaskakujące utwory muzyczne są zabawne, a w trzecim akcie jest przyjemne przesłanie ekologiczne, w którym występuje zwrot akcji i ludzie, którzy najwyraźniej odwiedzili Antarktydę ze swojego domu w niesamowitej dolinie. Mimo to, w porównaniu z innymi zwycięzcami, Happy Feet nie może do końca przewyższyć swojej osobliwości – znowu numery muzyczne, pingwiny itp. – i nie pomaga to, że 2006 był prawdopodobnie najsłabszym plonem nominowanych do tej kategorii.

Brave (2012)

Z wyjątkiem samochodów, które zarobiły tyle pieniędzy na sprzedaży zabawek, że wszyscy chcąc dać Pixarowi przepustkę, „Brave” był pierwszym filmem, który uznano studio, który wydawał się być „całkiem niezły”, a nie arcydziełem w stylu Toy Story lub Up-like. W porządku – a Brave jest, tak naprawdę, ligi lepsze niż samochody. Historia Meridy, szkockiej księżniczki z ambicjami wojownika i kłopotami z klątwą niedźwiedzia, jest z pewnością ekscytująca i wzmacniająca, jeśli nie szczególnie głęboka lub przejmująca, niż to, co dzieje się na ekranie. Po prostu nie może przewyższyć bycia kimś innym bajka o księżniczce, nawet z dotykiem Pixara i nowoczesną wrażliwością.

Rango (2011)

Jeden z rzadkie filmy spoza Disneya lub Pixara, które zdobyły nagrodę (robią świetne filmy, ale są absolutnym monopolem na kogo), Rango jest wyjątkowe w sposób, którego nie widzimy obecnie tak często. Animacja, choć pięknie wykonana, nie jest zbyt zachęcająca z założenia, podobnie jak sucha pustynia, w której żyją tytułowy kameleon i jego spieczeni na słońcu, twardogłowi, zwierzęcowi rodacy. Jest to western z celową atmosferą strachu i nienawiści w Las Vegas, ale skierowany głównie do dzieci – więc docelowa publiczność jest równie zdezorientowana, jak ekscentryczny główny bohater Johnny’ego Deppa. Musisz się zastanawiać, „dla kogo to jest?” z Rango i chociaż film nie do końca zawiera odpowiedź, musisz podziwiać, jakie to jest gonzo.

Shrek (2001)

Prawie 20 lat później Shrek jest puentą.Sam film, który był prawie powszechnie uwielbiany, kiedy się pojawił, stał się prawie nieistotny pod zatrutym ironią ciężarem Smash Mouth tego wszystkiego, nieważne, że wirusowe GIF-y Shreka namiętnie całują Shadow the Hedgehog. Bagno Shreka jest genezą często wyśmiewanej „twarzy” Dreamworks Animation, a z perspektywy czasu fabuła nie tyle podważa klasyczne tropy Disneya, ile stosuje do nich powściągliwy humor nawiązujący do stylu Family Guy. czas, w jakim Shrek dorósł na tyle, by głosować, wszystko, co początkowo uważaliśmy za wspaniałe w filmie, stało się ikoniczną, ironiczną częścią naszej kulturowej tkanki. Uwielbiamy Shreka, nawet jeśli się do tego nie przyznamy. Jasne, rodzaj Shreka zawstydzający, ale jak cebula ma warstwy.

Frozen (2013)

Wygrałeś Nie słyszę złego słowa o „Let It Go”, naprawdę niesamowitej, wszechczasowej klasycznej piosence Disneya. Puść tę piosenkę, a przekonasz się, że reszta filmu nie ma prawie takiej samej mocy. Elsa i Anna są wspaniałymi, nowoczesnymi dodatkami do listy księżniczek Disneya, wywrotowe podejście do miłości od pierwszego wejrzenia jest doceniane, a Hans jest szokująco odpowiednim złoczyńcą w erze toksycznej męskości. Pomimo tego, jak bardzo się stara, Frozen nadal czuje się uwięziony we wcześniejszej erze opowieści Disneya, a ponowne odkrycie może tylko tak bardzo rozmrozić tradycję.

Wallace i Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (2005)

W porównaniu do zgrabnego CGI lub Disneya, najsłynniejszy duet Aardman Animations jest zachwycająco, odświeżająco osobliwy. Pełnometrażowa przygoda Wallace’a i Gromita – w której uwielbiający sera Brytyjczyk i jego prosty pies trafia do klasycznego hollywoodzkiego filmu o potworach w uniwersalnym stylu – nie ma wielkich aspiracji, ale jest niezaprzeczalnie czarujący. Dzięki animacji poklatkowej, która sprawia, że dotyk artysty jest istotną częścią tworzenia filmu, możesz zobaczyć miłość, która włączyła się w jego wykonanie.

Toy Story 3 (2010)

Toy Story 4 nieco podważył idealne zakończenie swojej poprzedniczki pierwszej serii Pixara, ale ponowne oglądanie Woody’ego, Buzza i spotkania gangu ze śmiertelnością wciąż ciągnie za serce. Jednak grozi to, że dziesięć lat później Toy Story 3 zostanie wepchnięty do spalarni śmieci. Piękne przesłanie – że rzeczy się zmieniają i można zmieniać wraz z nimi – zostaje zagmatwane pod ciężarem budowania świata i ciągłego odkrywania, co to znaczy, że zabawki są żywe. Inne filmy Pixara z tej listy grały tym pomysłem w bardziej naturalny sposób, aby uzyskać większą satysfakcję emocjonalną.

Big Hero 6 (2014)

Disney Animation dotarł do jednej z najgłębszych sekcji pudełka zabawek Marvela dla Big Hero 6, który jest luźno oparty na zespole superbohaterów o tej samej nazwie. Zamiast taniego przykładu wygodnej synergii własności intelektualnej, Big Hero 6 to oda do latania dla rodzin, zarówno tych, w których się urodziliśmy, jak i tych, które tworzymy po drodze. San Fransokyo to cud mieszania kultur, a fabuła superbohatera odnajduje ludzkość w STEM, gdy Hiro i jego przyjaciele uczą się być czymś więcej niż tylko swoimi wynalazkami. Baymax był gotów umrzeć za Hiro, ale umarłbym za Baymaxa.

Finding Nemo (2003)

Znalezienie Nemo może być najbardziej cytowanym filmem Pixara („Po prostu płyń”, „Ryby są przyjaciółmi, a nie jedzeniem”, „P. Sherman 42 Wallaby Way”), a dzięki bujnemu odwzorowaniu podwodnego świata jest jednym najpiękniejszych. Ale podróż Dory i Marlin przez ciemnoniebieskie morze to nie tylko jaskrawe kolory i slogany; to uczciwe podejście do rodzicielskiej miłości i obowiązku, umieszczając nadopiekuńczość i bunt w przygodzie, która obejmuje Pacyfiku. Finding Nemo również zasługuje na uznanie za szczere zgłębienie tej klasycznej opowieści Disneya o „martwej mamie”, która orzeźwia, gdy ocean jest mokry.

Ratatouille (2007)

Ratatouille nie zawiera tak dramatyczny przekaz, jak filmy, które dominują na szczycie tej listy.To nie jest eksploracja smutku, strzał ostrzegawczy ekologa czy alegoria rasizmu. Ale pomysł, że „każdy może gotować” jest na swój cichy, serdeczny i ciepły. Ratatuj to film z udziałem uroczego robactwa kuchennego, w którym chodzi o wiarę w siebie i znajdowanie swoich mocnych stron (może z odrobiną pomocy ukrytej pod toczkiem blanche) .To film, który zaprasza do spróbowania, a jednocześnie wita w wygodnej, pięciogwiazdkowej restauracji z jedzeniem, które wygląda tak pysznie, że prawie przysiągłbyś, że czujesz go przez ekran.

Zootopia (2016)

Jest taki moment, w którym po raz pierwszy oglądasz Zootopię, kiedy przechodzisz od „Och, to metafora rasizmu” do „O wow, to naprawdę metafora rasizmu!” Podobnie jak oszalałe ssaki w centrum legalnie wciągającej teorii spiskowej, która napędza fabułę, Zootopia idzie po szyję – atakując destrukcyjną naturę uprzedzeń w w pełni urzeczywistnionym świecie, który wydaje się być współczesną bajką Ezopa. Nawet lepiej, ponieważ starożytne greckie przypowieści Ezopa nie zawierały żadnych muzycznych numerów Shakiry.

Iniemamocni (2004)

Szczerze mówiąc, nie ma znaczenia, że Marvel Studios uzyskało prawa filmowe do Fantastycznej Czwórki, ponieważ Iniemamocni to już doskonały film Fantastycznej Czwórki. Chociaż akcja superbohatera i słodka modernistyczna estetyka z połowy stulecia są ekscytujące, film odnosi sukces, ponieważ rozumie ludzi pod maskami. W tym przypadku są to czteroosobowa rodzina (plus mały Jack-Jack), która stara się zrobić to, co właściwe, samodzielnie i dla siebie nawzajem. Iniemamocni słusznie sprawiają, że bycie częścią rodziny jest tak heroicznym przedsięwzięciem, jak potężne wyczyny Parrów. Jeśli jest coś do wyboru, Iniemamocni niestety (i miejmy nadzieję, że nieumyślnie) wypadają jako milczące poparcie obiektywizmu w stylu Ayn Rand, co jest ironiczne, biorąc pod uwagę, że emocjonalny rdzeń filmu celebruje bohaterstwo, do którego można się zetknąć.

Coco (2017)

Coco bada życie pozagrobowe, znaczenie rodziny i bogatą kulturę, którą rzadko widzi ten rodzaj przebojowej reprezentacji bez utraty rytmu, jak przystaje na taki muzycznie napędzany film. Inne filmy Disneya i Pixara radziły sobie ze stratą, ale Coco, używając szkieletowego, technicznego koloru na Día de los Muertos, uderza w inną nutę. Ludzie, których kochamy, nigdy tak naprawdę nie odeszli, jeśli o nich pamiętamy.

Do góry (2009)

Podejście Pixara do Zaginionego świata Sir Arthura Conan Doyle’a to radosna, papkowata przygoda z gadającymi psami, prehistoryczne ptaki i fantazyjne sterowce unoszące się nad mglistymi płaskowyżami. Ale – daj spokój – nie dlatego jest na najwyższym poziomie. Początkowy montaż Carla i Ellie w górę to wyciskacz łez klasy broni. Rozumiemy, że w tych pięciu minutach bez słów wszystko, czego potrzebujemy, o tym, kim byli ci ludzie; to nadaje wagi kolejnej, szybkiej podróży Carla i sprawia, że ma to dla nas znaczenie. Up to mistrzowska klasa ekonomii opowiadania historii, osiągająca emocjonalne wzloty, o których większość innych filmów może tylko pomarzyć.

Wall-E (2008)

Na wpół milcząca, postapokaliptyczna historia miłosna z przesłaniem ekologicznym, która jest, szczerze mówiąc, dość pesymistyczna? Wall-E wierzy, że publiczność nie potrzebuje rozpieszczania ani trzymania za rękę, a rezultatem jest arcydzieło, które jednocześnie jest zapierające dech w piersiach i hiper uproszczone. Upadek ekosystemu Ziemi spowodowany przez człowieka i wegetatywna przyszłość naszego gatunku są prawie zbyt duże i przerażające, aby je rozważać (chociaż szczerze… rozejrzyj się wokół), ale Wall-E zaprasza nas do spróbowania, gdy patrzymy, jak dwa urocze roboty zakochują się w sobie. Wraz z wydaniem The Dark Knight’s Best Picture w tym samym roku, Wall-E prawie na pewno jest częściowo odpowiedzialny za podwojenie liczby nominowanych przez Akademię. Tak odważny i piękny film zasługuje na walkę o najwyższy zaszczyt.

Inside Out (2015)

Istnieje wiele filmów Pixar, które doprowadzą Cię do płaczu. Jednak Inside Out wyrówna łzy, jednocześnie świadomie ciesząc się, że jesteś smutny.Przesłanie filmu – że nie tylko można być smutnym, ale także przetrwać – jest istotne i przełomowe. Każdy powinien to wiedzieć, a Inside Out gra tak samo dobrze dla dzieci, które mają szczęście, że zgrupują się z tym zrozumieniem, jak dla dorosłych widzów, którzy mogą potrzebować przypomnienia. Radość i smutek, wyrażone przez Amy Poehler i naprawdę niesamowitą Phyllis Smith, to pokrewne personifikacje złożoności, które każdy z nas ma w swoich głowach. Inside Out jest fantastyczne, ale nigdy nie zapomina, jakie są prawdziwe uczucia.

Spirited Away (2002)

Łatwo byłoby pochwalić arcydzieło Hayao Miyazakiego za jego oprawę wizualną: wyjątkową japońską ucztę z przepychem Ghibli i fantastyczne widoki. (Duchy! Łaźnia!) Jedyny niezachodni zdobywca nagrody Best Animated Feature z pewnością wnosi do grupy odświeżającą odrobinę wyobraźni i perspektywy. Ale Spirited Away nie wznosi się, gdy Chihiro leci po niebie na grzbiecie smoka Haku (chociaż ta scena, podobnie jak wiele innych w filmie, jest kultowa). Zamiast tego są to spokojniejsze chwile: Chihiro rozpada się w wielkie, mokre łzy, widząc swoich rodziców, gdy Haku pociesza ją ofertą jedzenia. Kamaji, kotlarz, okrywający jej śpiące ciało kocem. Chihiro i No-Face siedzą cicho w pociągu pełnym cieni dojeżdżających do pracy.

To te małe winiety które pokazują pełnego ducha Spirited Away, opierając fantazję i zachwyt na ludzkich chwilach dobroci i słabości – a ostateczna siła Chihiro nie miałaby żadnego znaczenia bez tych słabości. Spirited Away różni się od większości innych filmów z tej listy. Nie ma nawet złego faceta. Jest piękny i medytacyjny, podważa oczekiwania co do tego, jak powinien wyglądać film i jak powinien wyglądać, i przenosi widzów do krainy cudów każdej wielkości.

Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018)

Into the Spider-Verse ma coś dla każdego. Fani superbohaterów mogą cieszyć się opowieścią o pająku, która wygląda jak prosto z komiksu. (Poważnie, styl animacji filmu wygląda zupełnie inaczej niż wszystko inne, co kiedykolwiek było na dużym ekranie, a olśniewająca, kropkowana grafika Ben-Day to oszałamiające osiągnięcie. Film akcji na żywo nie może zrobić tego, co robi Spider-Verse. )

Animacja zasługuje na powszechną pochwałę, ale Into the Spider-Verse ma też coś konkretnego dla każdego widza. Miles Morales to triumf reprezentacji, a także jest spokrewniony z każdym, kto próbuje zdefiniować, kim jest w krytycznym wieku. Wątpliwości i kryzys życiowy Petera B. Parkera trafiają w strunę wśród osób na następnym etapie życia – być może potrzebujących tej samej zachęty do podjęcia tego „skoku wiary”. Ojciec Milesa opowiada się za próbami i pięknem rodzicielstwa, okazując współczucie każdemu, kto ma również problem z kontaktem z dziećmi, które kochają bardziej niż cokolwiek innego. Do licha, najmłodszym widzom mogło się po prostu spodobać, gdy Spider-Ham uderzył tego faceta w głowę z wielkim młotkiem.

Nie ma złej odpowiedzi i to jest prawdziwy triumf Into the Spider -Wersja. Po części dlatego, że wkracza w multiwers, Into the Spider-Verse dociera do uniwersalności opowieści o superbohaterach, zapewniając, że w tej przygodzie jest coś, co do ciebie przemówi. Każdy może nosić maskę.