Duas décadas atrás, a categoria no Oscar de Melhor Filme de Animação não existia. Shrek, o ogro favorito de todos, levou para casa o prêmio inaugural em 2002. Antes disso, os filmes de animação não eram muito respeitados no Oscar. Na verdade, A Bela e a Fera foi o único filme de animação a ser nomeado para Melhor Filme, e com exceções pontuais como A nomeação de Pesadelo Antes do Natal para Melhor Efeitos Visuais de 1993, a única vez que filmes de animação foram homenageados na maior noite de Hollywood foi em as categorias de música.

O Oscar “Prêmio de Melhor Filme de Animação mudou isso, garantindo que sempre haveria um lugar para animação no Oscar. Você poderia argumentar que a adição da categoria significou uma perda líquida, no final das contas, que, ao dar à animação seu próprio prêmio, a Academia não sentiria tanta pressão para que os desenhos animados competissem em qualquer categoria “mais séria”. Essa crítica foi um pouco prejudicada pela expansão de cinco para dez indicados ao prêmio de Melhor Filme, o que significa que há mais espaço para filmes de animação entrarem furtivamente (como Up e Toy Story 3), mas na maioria dos casos, os filmes de animação ainda são considerados separados – uma distinção que poderia ser comparada a colocá-los no canto infantil.

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Tal rejeição radical é absurdamente equivocada. A animação é um meio, não um gênero, e os filmes animados não são inerentemente para crianças (ou pelo menos apenas para elas). Os 18 Vencedores de Melhor Filme de Animação são, em sua maioria, exemplos brilhantes de entretenimento para todas as idades, e entre o grupo, os espectadores adultos podem receber tanto – senão mais – do que os pequenos para os quais são direcionados , metade da produção da Pixar). Juntos, os vencedores mostram a amplitude e o potencial da animação como meio, em muitos casos fazendo coisas que seus colegas de live-action não conseguiam.

Aqui estão todos os 18 vencedores, classificados de “muito bom” a ” obra-prima do filme sem necessidade de qualificá-lo como ‘animado’. ”

Happy Feet (2006)

Um musical estilo jukebox, March of the Penguins, com covers de sapateado de um eclético grupo de canções, soa como esse deve ser um pesadelo enigmático. Mas direi o seguinte para Happy Feet: é incomensuravelmente melhor do que deveria ser. Happy Feet explora uma energia cinética real que torna divertidos até os números musicais mais desconcertantes, e há uma bela mensagem ambientalista no terceiro ato, que apresenta uma reviravolta e alguns humanos que aparentemente visitaram a Antártica de sua casa no vale misterioso. Ainda assim, em comparação com os outros vencedores, Happy Feet não consegue superar sua própria estranheza – novamente, números musicais, pinguins, etc. – e não ajuda o fato de 2006 ter sido provavelmente a safra mais fraca de indicados que a categoria teve.

Brave (2012)

Com exceção de Carros, que ganhou dinheiro suficiente com a venda de brinquedos que todos ganharam disposto a dar um passe para a Pixar, Brave foi o primeiro filme do aclamado estúdio que todos pareciam concordar que era “muito bom”, em vez de uma Toy Story ou uma obra-prima do tipo Up. Tudo bem – e Brave é, só para constar, muito melhor do que Carros. A história de Merida, uma princesa escocesa com ambições de guerreira e problemas com uma maldição ursina, é certamente emocionante e poderosa, se não particularmente profunda ou comovente além do que está acontecendo na tela. Simplesmente não pode superar ser outra fábula de princesa, mesmo com o toque e a sensibilidade moderna da Pixar.

Rango (2011)

Um dos Raros filmes não pertencentes à Disney ou Pixar a ganhar o prêmio (eles fazem ótimos filmes, mas são absolutamente um monopólio de quem quer que seja), Rango é único de uma forma que não vemos tanto atualmente. A animação, embora muito bem feita, não é exatamente acolhedora por design, nem é o cenário do deserto seco onde o camaleão titular e seus compatriotas animais bronzeados vivem. É um faroeste com vibrações deliberadas de Fear and Loathing em Las Vegas, mas voltado principalmente para crianças – então o público-alvo é tão confuso quanto o excêntrico personagem principal de Johnny Depp. Você deve se perguntar: “para quem é isso?” com Rango, e embora o filme não dê uma resposta, você tem que admirar como ele é gonzo.

Shrek (2001)

Quase 20 anos depois, Shrek é uma piada.O filme em si, que era quase universalmente amado quando foi lançado, tornou-se quase irrelevante sob o peso envenenado pela ironia do Smash Mouth de tudo isso, sem falar dos GIFs virais de Shrek beijando apaixonadamente Shadow the Hedgehog. O pântano de Shrek é a gênese do muito ridicularizado “rosto” da Dreamworks Animation e, em retrospecto, o enredo não subverte tanto os clássicos tropos da Disney, mas aplica a eles o humor de referência do estilo Family Guy. tempo que levou para Shrek crescer o suficiente para votar, tudo o que inicialmente pensávamos ser ótimo sobre o filme se tornou uma parte icônica e irônica de nosso tecido cultural. Amamos Shrek, mesmo que não o admitamos. Claro, o tipo de Shrek muito embaraçoso, mas como uma cebola, tem camadas.

Frozen (2013)

Você ganhou Não ouço palavrões sobre “Let It Go”, um clássico clássico da Disney de todos os tempos. Deixe essa música ir, entretanto, e você descobrirá que o resto do filme não tem quase o mesmo poder. Elsa e Anna são ótimas e modernas adições à lista de princesas da Disney, a visão subversiva do amor à primeira vista é apreciada e Hans é um vilão chocantemente relevante na era da masculinidade tóxica. Apesar de todas as tentativas, Frozen ainda se sente preso a uma era anterior das histórias da Disney, e a reinvenção só pode descongelar a tradição.

Wallace e Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (2005)

Em comparação com o CGI ou o brilho da Disney, a dupla mais famosa da Aardman Animations é deliciosamente, revigorantemente pitoresca. A aventura de longa-metragem de Wallace e Gromit – que coloca o amante de queijo britânico e seu cachorro heterossexual em um clássico filme de monstro de Hollywood no estilo Universal – não aspira muito, mas é inegavelmente encantador. Você pode ver o amor que envolveu fazê-lo quase literalmente, graças à animação stop-motion, que torna o toque do artista uma parte essencial da produção do filme.

Toy Story 3 (2010)

Toy Story 4 minou um pouco o final perfeito de seu predecessor para a primeira franquia da Pixar, mas revendo Woody, Buzz e o encontro da gangue com a mortalidade ainda puxa as cordas do coração. Mas, correndo o risco de ser empurrado para um incinerador de lixo, uma década depois, Toy Story 3 parece superestimado. A bela mensagem – que as coisas mudam e está tudo bem mudar com elas – fica confusa sob o peso da construção do mundo e da exploração contínua do que significa para os brinquedos estarem vivos. Outros filmes da Pixar nesta lista jogaram com a ideia de forma mais orgânica, para uma recompensa emocional maior.

Big Hero 6 (2014)

A Disney Animation alcançou uma das seções mais profundas da caixa de brinquedos da Marvel para Big Hero 6, que é vagamente baseado na equipe de super-heróis de mesmo nome. Em vez de apenas um exemplo barato de sinergia de IP conveniente, Big Hero 6 é uma ode altaneira às famílias, tanto aquelas nas quais nascemos como aquelas que criamos ao longo do caminho. San Fransokyo é uma maravilha da mistura de culturas, e a trama do super-herói encontra a humanidade em STEM, enquanto Hiro e seus amigos aprendem a ser mais do que apenas suas invenções. Baymax estava disposto a morrer por Hiro, mas eu morreria por Baymax.

Finding Nemo (2003)

Procurando Nemo podem ser os filmes mais citados da Pixar (“Continue nadando”, “Peixes são amigos, não comida”, “P. Sherman 42 Wallaby Way”), e com sua exuberante representação de um mundo submarino, é um das mais belas também. Mas a viagem de Dory e Marlin pelo profundo mar azul não é apenas cores vivas e bordões; é uma visão honesta do amor e do dever dos pais, colocando o empurra-empurra da superproteção e da rebelião dentro de uma aventura que abrange o Pacífico. Encontrar Nemo também merece crédito por explorar sinceramente aquele tropo clássico da “mãe morta” da Disney, que é refrescante porque o oceano está molhado.

Ratatouille (2007)

Ratatouille não contém uma mensagem tão dramática quanto os filmes que dominam o topo da lista.Não é uma exploração do luto, um tiro de alerta ambientalista ou uma alegoria sobre o racismo. Mas a ideia de que “qualquer um pode cozinhar” é, à sua maneira tranquila, calorosa e calorosa. Ratatouille é um filme estrelado por vermes de cozinha fofos que falam sobre acreditar em si mesmo e encontrar seus pontos fortes (talvez com um pouco de ajuda escondida sob seu gorro blanche). É um filme que o convida a experimentar, ao mesmo tempo que lhe dá as boas-vindas em um restaurante cinco estrelas confortável com comida tão deliciosa que você quase jura que consegue sentir o cheiro na tela.

Zootopia (2016)

Há um momento em que você assiste Zootopia pela primeira vez quando passa de “Oh, é uma metáfora do racismo” para “Nossa, é realmente uma metáfora do racismo!” Como os mamíferos frenéticos no centro da teoria da conspiração legitimamente envolvente que impulsiona a trama, Zootopia vai para a jugular – atacando a natureza destrutiva do preconceito em um mundo totalmente realizado que parece uma fábula de Esopo dos dias modernos. Melhor ainda, porque as parábolas gregas antigas de Esopo não apresentavam nenhum número musical de Shakira.

Os Incríveis (2004)

Honestamente, não importa que a Marvel Studios tenha obtido os direitos do Quarteto Fantástico, porque Os Incríveis já é um filme do Quarteto Fantástico perfeito. Embora a ação do super-herói e a doce estética modernista de meados do século sejam emocionantes, o filme faz sucesso porque entende as pessoas por trás das máscaras. Neste caso, eles são uma família de quatro (mais o pequeno Jack-Jack) que estão tentando fazer a coisa certa sozinhos e uns para os outros. Os Incríveis, com razão, tornam ser parte de uma família um empreendimento tão heróico quanto as façanhas superpoderosas dos Parrs. Se houver uma crítica aqui, Os Incríveis infelizmente (e espero que não intencionalmente) soe como um endosso tácito do objetivismo ao estilo de Ayn Rand, o que é irônico, considerando que o núcleo emocional do filme celebra um heroísmo mais identificável.

Coco (2017)

Coco explora a vida após a morte, o significado da família e uma rica cultura que raramente vê este tipo de representação blockbuster sem perder o ritmo, como é adequado para um filme tão musicalmente conduzido. Outros filmes da Disney e da Pixar lidaram com perdas, mas Coco, usando uma abordagem esquelética e technicolor de Día de los Muertos, atinge uma nota diferente. As pessoas que amamos nunca realmente partiram, se nos lembrarmos delas.

Up (2009)

A visão da Pixar sobre O mundo perdido de Sir Arthur Conan Doyle é uma aventura alegre e carnuda, completa com cães falantes, pássaros pré-históricos e aeronaves fantásticas pairando sobre planaltos enevoados. Mas, vamos, não é por isso que é de nível superior. A montagem de abertura da vida de Carl e Ellie em cima é um arremedo de lágrimas com nível de arma, e nesses cinco minutos quase sem palavras, nós entendemos tudo de que precisamos sobre quem foram essas pessoas; isso dá peso à subsequente jornada de alto vôo de Carl e faz com que seja importante para nós. Up é uma aula magistral em economia de narrativa, alcançando níveis emocionais que a maioria dos outros filmes só poderia sonhar >

Wall-E (2008)

Uma história de amor semi-silenciosa, pós-apocalíptica, com uma mensagem ambientalista que é, com toda a honestidade, bastante pessimista? Wall-E confia que seu público não precisa de mimos ou mãos dadas, e o resultado é uma obra-prima que consegue ser incrivelmente nobre e hiper simplista ao mesmo tempo. O colapso do ecossistema da Terra causado pelo homem e o futuro vegetativo de nossa espécie são quase grandes e terríveis para considerar (embora, honestamente … olhe ao seu redor), mas Wall-E nos convida a tentar enquanto observamos dois robôs adoráveis se apaixonarem. Junto com a rejeição de Melhor Filme de O Cavaleiro das Trevas no mesmo ano, Wall-E quase certamente é parcialmente responsável por a Academia dobrar o número de indicados. Um filme tão ousado e bonito assim merece competir pelo prêmio máximo.

Inside Out (2015)

Há muitos filmes da Pixar que vão fazer você chorar. De dentro para fora, no entanto, irá derramar lágrimas ao mesmo tempo que o deixa conscientemente feliz por estar triste.A mensagem do filme – que não só é bom ficar triste, é vital para sobreviver – é essencial e inovadora. Todos deveriam saber disso, e Inside Out funciona tão bem para crianças que têm a sorte de se agrupar com esse entendimento quanto para espectadores adultos que podem precisar do lembrete. Joy and Sadness, dublado por Amy Poehler e uma Phyllis Smith verdadeiramente incrível, são personificações relacionáveis das complexidades que todos nós temos em nossas próprias cabeças. Inside Out é fantástico, mas nunca esquece como são os sentimentos reais.

Spirited Away (2002)

Seria fácil elogiar a obra-prima de Hayao Miyazaki por seus visuais: um banquete exclusivamente japonês, singularmente Ghibli, de luxo e vistas fantásticas. (Os espíritos! A casa de banhos!) O único vencedor não ocidental do prêmio de Melhor Filme de Animação traz um pouco de imaginação e perspectiva para o grupo, certamente. Mas Spirited Away não voa quando Chihiro está voando pelo céu nas costas do dragão de Haku (embora essa cena, como muitas no filme, seja icônica). Em vez disso, são os momentos mais silenciosos: Chihiro se desmancha em lágrimas ao ver seus pais enquanto Haku a conforta com uma oferta de comida. Kamaji, o homem da caldeira, colocando um cobertor sobre seu corpo adormecido. Chihiro e No-Face sentados quietos em um trem cheio de sombras pendentes.

São essas vinhetas que mostram todo o espírito de Spirited Away, fundamentando a fantasia e maravilha com momentos humanos de bondade e fraqueza – e a força eventual de Chihiro não significaria nada sem essas vulnerabilidades. Spirited Away é diferente da maioria dos outros filmes desta lista. Não há realmente nem mesmo um cara mau. É bonito e meditativo, subvertendo as expectativas de como um filme deve ser e parece e transportando os espectadores para uma terra de maravilhas de todos os tamanhos.

Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018)

Into the Spider-Verse tem algo para todos. Os fãs de super-heróis podem desfrutar de uma história de Aranha que parece ter saído de uma história em quadrinhos. (Sério, o estilo de animação do filme parece totalmente diferente de qualquer outra coisa que já esteve na tela grande, e os visuais deslumbrantes de ben-day são uma conquista de cair o queixo. Um filme de ação ao vivo não poderia fazer o que o Verso-Aranha faz. )

A animação merece elogios universais, mas Into the Spider-Verse também tem algo específico para cada espectador. Miles Morales é um triunfo da representação e também é parente de qualquer pessoa que tente definir quem ele é em uma idade crítica. A dúvida e a crise de vida de Peter B. Parker tocam aqueles no próximo estágio da vida – talvez precisando do mesmo incentivo para dar aquele “salto de fé”. O pai de Miles defende as provações e a beleza da paternidade, oferecendo simpatia por qualquer pessoa que também luta para se conectar com as crianças que ama mais do que tudo. Caramba, os menores telespectadores podem ter gostado muito quando o Presunto-Aranha bateu naquele cara na cabeça com um grande martelo.

Não há resposta errada, e esse é o verdadeiro triunfo de Into the Spider -Verse. Em parte porque se conecta ao multiverso, Into the Spider-Verse alcança a universalidade da história do super-herói, garantindo que há algo nesta aventura que falará com você. Qualquer um pode usar a máscara.