För två decennier sedan existerade inte kategorin vid Oscar-utmärkelsen för bästa animerade funktion. Shrek, allas favoritstrand, tog hem invigningspriset 2002. Innan dess fick animerade filmer inte mycket respekt vid Oscar-utmärkelsen. I själva verket var Beauty and the Beast den enda animerade filmen som någonsin nominerades till bästa film, och med enstaka undantag som The Nightmare Before Christmas 1993 nominering för bästa visuella effekter, var den enda gången animerade filmer hedrades vid Hollywoods största natt var i musikkategorierna.

Oscar-priset ”Best Animated Feature Award” ändrade det, vilket säkerställde att det alltid skulle finnas en plats för animering vid Oscars. Du kan argumentera för att kategorins tillägg innebar en nettoförlust, i slutändan, att genom att ge animering ett eget pris skulle Akademin inte känna så mycket press att tecknat tävlar i någon ”mer allvarlig” kategori. Den kritiken har varit något underskred av utvidgningen av de bästa filmkandidaterna från fem till tio, vilket innebär att det finns mer utrymme för animerade filmer att smyga in (som Up och Toy Story 3 gjorde), men för det mesta anses animerade filmer fortfarande vara separata —En skillnad som oavlåtligt kan liknas med att sätta dem i det luriga hörnet.

Visa mer

En sådan svepande uppsägning är tecknadigt missvisad. Animering är ett medium, inte en genre, och animerade filmer är inte i sig för barn (eller åtminstone bara för dem). De 18 bästa vinnarna av animerade funktioner är för det mesta lysande exempel på underhållning i alla åldrar och bland gänget kan vuxna tittare få lika mycket – om inte mer – än de små de är riktade till (se som , hälften av Pixars produktion). Tillsammans visar vinnarna bredden och potentialen i animation som medium, i många fall gör de saker som deras live-action-motsvarigheter inte kunde.

Här är alla 18 vinnare, rankade från ”ganska bra” till ” filmmästerverk utan att behöva kvalificera det som ’animerad’. ”

Happy Feet (2006)

En musikalisk jukebox-stil March of the Penguins med tappdansande omslag till en eklektisk sånggrupp låter som det borde vara en gimmicky mardröm. Men jag kommer att säga detta för Happy Feet: Det är ofattbart bättre än det borde vara. Happy Feet utnyttjar en verklig kinetisk energi som gör även de mest förvirrande musiknumren underhållande, och det finns ett trevligt miljömässigt budskap i tredje akten, som innehåller en twist och några människor som tydligen besökte Antarktis från sitt hem i den otroliga dalen. Ändå kan Happy Feet, jämfört med de andra vinnarna, inte helt överträffa sin egen konstighet – igen musikaliska nummer, pingviner etc. – och det hjälper inte att 2006 förmodligen var den svagaste grödan av nominerade som kategorin hade. p>

Brave (2012)

Med undantag för Cars, som tjänade tillräckligt med pengar i leksaksförsäljning som alla var villig att ge Pixar ett pass, var Brave den första filmen som den hyllade studion gjorde som alla tycktes vara överens om var ”ganska bra” snarare än en Toy Story eller Up-liknande mästerverk. Det är okej – och Brave är, för ordens skull, ligor bättre Historien om Merida, en skotsk prinsessa med krigareambitioner och problem med en ursinnig förbannelse, är verkligen spännande och bemyndigande, om inte särskilt djup eller gripande utöver vad som händer på skärmen. Det kan helt enkelt inte överträffa att vara en annan prinsessefabel, även med Pixars touch och moderna känslor.

Rango (2011)

En av de sällsynta icke-Disney- eller Pixar-filmer för att vinna priset (de skapar fantastiska filmer men är absolut ett jättekul monopol), Rango är unik på ett sätt som vi inte ser så mycket idag. Animationen, även om den är vackert gjord, är inte precis välkomnande av designen, och inte heller är den torra ökeninställningen där den titulära kameleonten och hans solbakade, hårda krabba djurmänniskor bor. Det är en västerländsk med avsiktlig rädsla och avsky i Las Vegas-vibbar, men marknadsförs främst mot barn – så den avsedda publiken är lika förvirrad som Johnny Depps excentriska huvudperson. Du måste undra, ”för vem är det här?” med Rango, och även om filmen inte riktigt kommer med ett svar, måste du beundra hur gonzo det är.

Shrek (2001)

Nästan 20 år senare är Shrek en händelse.Själva filmen, som var nästan allmänt älskad när den kom ut, har blivit nästan irrelevant under den ironiförgiftade vikten av Smash Mouth of all, nevermind de virala GIF-filerna från Shrek som passionerat kysser Shadow the Hedgehog. Shreks träsk är uppkomsten av det mycket hånade Dreamworks Animation-”ansiktet”, och i efterhand undergräver handlingen inte så mycket klassiska Disney-troper, eftersom det tillämpar låghängande referenshumor i Family Guy-stil på dem. Men över det tog tid för Shrek att bli tillräckligt gammal för att rösta, allt vi ursprungligen tyckte var bra med filmen har blivit en ikonisk, ironisk del av vårt kulturella tyg. Vi älskar Shrek, även om vi inte kommer att erkänna det. Visst, Shreks snälla av pinsamt, men som en lök har den lager.

Frozen (2013)

Du vann hör inte ett dåligt ord om ”Let It Go”, en riktigt fantastisk, klassisk Disney-låt hela tiden. Låt den låten gå, men du kommer att upptäcka att resten av filmen inte har nästan samma kraft. Elsa och Anna är fantastiska, moderna tillägg till Disneys prinsesslista, den subversiva kärlek vid första anblicken uppskattas, och Hans är en chockerande relevant skurk i den giftiga maskulinitetens era. Trots hur hårt det försöker känns Frozen fortfarande fast i en tidigare era av Disney-berättelser, och återuppfinning kan bara tina traditionen så mycket.

Wallace och Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (2005)

Jämfört med smidig CGI eller Disney panache är Aardman Animations mest kända duo härligt, uppfriskande pittoreska. Wallace och Gromits långa äventyr – som släpper den ostälskande brittiska killen och hans rakhåriga hund till en klassisk Hollywoodfilm i universell stil – strävar inte efter mycket men den är onekligen charmig. Du kan se kärleken som gjorde det nästan bokstavligen tack vare stop-motion-animationen, som gör konstnärens beröring till en väsentlig del av filmskapandet.

Toy Story 3 (2010)

Toy Story 4 undergrävde något av sin föregångares perfekta avslutning på Pixars första franchise, men Woody, Buzz och gängets möte med dödlighet återupptas fortfarande drar i hjärtsträngarna. Men med risk för att skjutas in i en skräpförbränningsanläggning, ett decennium senare, känns Toy Story 3 överskattad. Det vackra budskapet – att saker och ting förändras och att det är okej att förändras med dem – blir förvirrade under tyngden av världsbyggnaden och fortsätter att utforska vad det innebär för leksaker att leva. Andra Pixar-filmer på den här listan spelades med tanken mer organiskt, till större känslomässig avkastning.

Big Hero 6 (2014)

Disney Animation nådde en av de djupaste sektionerna i Marvels leksakslåda för Big Hero 6, som löst baseras på superhjältteamet med samma namn. I stället för bara ett billigt exempel på praktisk IP-synergi är Big Hero 6 en högflygande ode till familjer, både de vi är födda i och de vi gör längs vägen. San Fransokyo är ett under av kulturblandning, och superhjälteplottet finner mänskligheten i STEM, eftersom Hiro och hans vänner lär sig att vara mer än bara deras uppfinningar. Baymax var villig att dö för Hiro, men jag skulle dö för Baymax.

Finding Nemo (2003)

Att hitta Nemo kan vara de mest citerbara Pixar-filmerna (”Fortsätt simma,” ”Fisk är vänner, inte mat,” ”P. Sherman 42 Wallaby Way”), och med sin frodiga återgivning av en undervattensvärld är det en av de vackraste också. Men Dory och Marlins resa genom det djupblå havet är inte bara ljusa färger och fångstfraser. Stillahavsområdet. Att hitta Nemo förtjänar också kredit för att uppriktigt utforska den klassiska ”döda mamman” Disney trope, som är uppfriskande när havet är vått.

Ratatouille (2007)

Ratatouille innehåller inte lika dramatiskt ett meddelande som filmerna som dominerar högst upp i listan.Det är inte en utforskning av sorg, ett miljövarningsskott eller en allegori om rasism. Men idén att ”vem som helst kan laga mat” är på sitt eget tysta sätt hjärtligt och varmt. Ratatouille är en film med söta köksdjur som handlar om att tro på dig själv och hitta dina styrkor (med kanske lite hjälp gömd under ditt toque Det är en film som inbjuder dig att prova, samtidigt som du välkomnar dig till en bekväm, femstjärnig restaurang med mat som ser så läcker ut att du nästan svär att du kan känna lukten genom skärmen.

Zootopia (2016)

Det finns ett ögonblick när du tittar på Zootopia för första gången när du går från ”Åh, det är en metafor för rasism” till ”Åh wow, det är verkligen en metafor för rasism!” Liksom de frenetiska däggdjuren i centrum för den legitimt uppslukande konspirationsteorin som driver handlingen går Zootopia till jugularen – attackerar den destruktiva karaktären av fördomar i en fullt förverkligad värld som känns som en modern aesopfabel. Bättre, till och med eftersom Aesops antika grekiska liknelser inte innehöll några Shakira-musikaliska nummer.

The Incredibles (2004)

Det spelar verkligen ingen roll att Marvel Studios har fått filmrättigheterna till Fantastic Four, för The Incredibles är redan en perfekt Fantastic Four-film. Även om superhjältehandlingen och den söta modernistiska estetiken från mitten av århundradet är spännande, lyckas filmen eftersom den förstår folket under maskerna. I det här fallet är de en familj på fyra (plus lilla Jack-Jack) som försöker göra rätt av sig själva och mot varandra. Incredibles gör med rätta att vara en del av en familj lika heroiskt ett företag som Parrs ’supermaktiga bedrifter. Om det finns något att välja på här, kommer The Incredibles tyvärr (och förhoppningsvis oavsiktligt) av som en tyst godkännande av Ayn Rand-stil-objektivism, vilket är ironiskt med tanke på den känslomässiga kärnan i filmen firar en mer relatabel hjältemod. >

Coco (2017)

Coco utforskar efterlivet, betydelsen av familjen och en rik kultur som sällan ser denna typ av blockbusterrepresentation utan att missa ett slag, vilket är lämpligt för en sådan musikaliskt driven film. Andra Disney- och Pixar-filmer har hanterat förlust, men Coco, med en skelett, technicolor-anseende på Día de los Muertos, slår en annan ton. De människor vi älskar är aldrig riktigt borta, om vi kommer ihåg dem.

Up (2009)

Pixars uppfattning om Sir Arthur Conan Doyle’s The Lost World är ett glatt, pulpy äventyr, komplett med talande hundar, förhistoriska fåglar och fantastiska luftskepp som svävar över dimmiga mesas. Men kom igen – det är inte därför det är toppklass. Ups öppningsmontage av Carl och Ellies liv tillsammans är en tårjare av vapenkvalitet, och i de mest ordlösa fem minuterna förstår vi allt vi behöver om vem dessa människor var; det ger Carls efterföljande högflygande vikt och får det att betyda för oss. Upp är en mästarklass i berättande ekonomi och når emotionella höjder som de flesta andra filmer bara kunde drömma om.

Wall-E (2008)

En halv-tyst, post-apokalyptisk kärlekshistoria med ett miljömässigt budskap som i all ärlighet är ganska pessimistiskt? Wall-E litar på att publiken inte behöver klumpa ihop sig eller hålla i handen, och resultatet är ett mästerverk som lyckas vara både hisnande högt och hyperförenklat på en gång. Den konstgjorda kollapsen av jordens ekosystem och vår arts vegetativa framtid är nästan för stor och skrämmande att överväga (även om du ärligt talat … se dig omkring), men Wall-E uppmanar oss att försöka när vi ser två bedårande robotar bli kär. Tillsammans med The Dark Knight’s Best Picture snub samma år är Wall-E nästan säkert delvis ansvarig för att akademin fördubblar antalet nominerade. En film som denna djärva och vackra förtjänar att tävla om högsta ära.

Inside Out (2015)

Det finns många Pixar-filmer som får dig att gråta. Inside Out kommer dock att täcka tårar medan du gör dig medvetet glad att du är ledsen.Filmens budskap – att det inte bara är okej att vara ledsen, det är också viktigt att överleva – är viktigt och banbrytande. Alla borde veta detta, och Inside Out spelar lika bra för barn som har turen att samlas i denna förståelse som för vuxna tittare som kan behöva påminnelsen. Glädje och sorg, uttryckt av Amy Poehler och en verkligt otrolig Phyllis Smith, är relaterbara personifieringar av komplexiteten som vi alla har i våra egna huvuden. Inside Out är fantastiskt, men det glömmer aldrig hur verkliga känslor är.

Spirited Away (2002)

Det skulle vara lätt att berömma Hayao Miyazakis mästerverk för sina bilder: en unik japansk, enstaka Ghibli-fest med påkostad och fantastiska sevärdheter. (Andarna! Badhuset!) Den enda icke-västerländska vinnaren av utmärkelsen Best Animated Feature ger verkligen en uppfriskande fantasi och perspektiv till gruppen. Men Spirited Away svävar inte när Chihiro flyger genom himlen på Hakus drake tillbaka (även om den scenen, som så många i filmen, är ikonisk). Istället är det de tystare stunderna: Chihiro bryter ner i stora, våta tårar när han ser sina föräldrar när Haku tröstar henne med ett erbjudande om mat. Pannmannen Kamaji lägger en liten filt över hennes sovande kropp. Chihiro och No-Face sitter tyst på ett tåg fullt av pendlingsskuggor.

Det är dessa små vinjetter som visar den fulla andan av Spirited Away, grundar fantasin och undringen med mänskliga ögonblick av vänlighet och svaghet – och Chihiros slutliga styrka skulle inte betyda någonting utan dessa sårbarheter. Spirited Away skiljer sig från de flesta andra filmer på den här listan. Det finns inte ens en dålig kille. Det är vackert och meditativt, undergräver förväntningarna på hur en film ska se ut och känns och transporterar tittarna till ett land av underverk i alla storlekar.

Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018)

In the Spider-Verse har något för alla. Superhjälte-fans kan njuta av en spindelvävshistoria som ser ut som om den är direkt ur en serietidning. (Seriöst ser filmens animeringsstil helt annorlunda ut än någonting som någonsin har funnits på den stora skärmen, och den bländande, vardagliga prickade bilderna är en käftande prestation. En live-actionfilm kunde inte göra vad Spider-Verse gör. )

Animationen förtjänar universellt beröm, men Into the Spider-Verse har också något specifikt för alla tittare. Miles Morales är en triumf för representation, och han är också släkt med alla som försöker definiera vem de är i en kritisk ålder. Peter B. Parkers tvivel och livskris slår ett ackord med dem i nästa skede av livet – kanske behöver samma uppmuntran att ta det ”trossprånget”. Miles far står för försöken och skönheten i föräldraskapet, och erbjuder sympati för alla som också kämpar för att få kontakt med barnen de älskar mer än någonting. Heck, de minsta tittarna kanske har verkligen gillat det när Spider-Ham slog den där killen i huvudet med en stor hammare.

Det finns inget fel svar, och det är den sanna triumfen för Into the Spider Delvis för att den tappar in i multiverset, kommer Into the Spider-Vers till universalhjältehistoriens universalitet, vilket säkerställer att det finns något i detta äventyr som kommer att tala till dig. Vem som helst kan bära masken.