For to årtier siden eksisterede kategorien ved Academy Awards for bedste animerede funktion ikke. Shrek, alles yndlingsfilm, tog den oprindelige pris hjem i 2002. Før det fik animerede film ikke meget respekt ved Oscar-uddelingen. Faktisk var Beauty and the Beast den eneste animerede film nogensinde, der nogensinde blev nomineret til bedste film, og med engangsundtagelser som The Nightmare Before Christmas’s nominering til bedste visuelle effekter i 1993, var den eneste gang animerede film blev hædret ved Hollywoods største aften i musikkategorierne.

Oscar-prisen “Best Animated Feature Award” ændrede det og sikrede, at der altid ville være et sted for animation ved Oscar-uddelingen. Man kan argumentere for, at kategoriets tilføjelse betød et nettotab, i sidste ende at ved at give animation en egen pris, ville akademiet ikke føle så stort pres for at få tegneserier til at konkurrere i nogen “mere seriøs” kategori. Denne kritik er blevet noget underskrevet af udvidelsen af nominerede til bedste film fra fem til ti, hvilket betyder, at der er mere plads til animerede film at snige sig ind (som Up og Toy Story 3 gjorde), men for det meste betragtes animerede film stadig som separate —En forskel, der uden sammenligning kan sammenlignes med at placere dem i det kiddy hjørne.

Se mere

En sådan fejlagtig afskedigelse er tegneserievis vildledt. Animation er et medium, ikke en genre, og animerede film er ikke iboende for børn (eller i det mindste bare for dem). De 18 bedste vindere af animerede funktioner er for det meste skinnende eksempler på underholdning i alle aldre, og blandt flokken kan voksne seere få lige så meget – om ikke mere – end de små, de er målrettet mod (se som , halvdelen af Pixars output). Sammen viser vinderne bredden og potentialet i animation som medium og i mange tilfælde gør ting, som deres live-action-kolleger ikke kunne.

Her er alle 18 vindere, rangeret fra “temmelig god” til ” filmmesterværk uden behov for at kvalificere det som ‘animeret’. ”

Happy Feet (2006)

En musikalsk March of the Penguins-march med tapdansende covers til en eklektisk gruppe af sange lyder som det burde være et gimmicky mareridt. Men jeg vil sige dette til Happy Feet: Det er ufatteligt bedre, end det burde være. Happy Feet udnytter en ægte kinetisk energi, der gør selv de mest forbløffende musikalske numre underholdende, og der er en dejlig miljøbevidst besked i tredje akt, som indeholder et twist og nogle mennesker, der tilsyneladende besøgte Antarktis fra deres hjem i den uhyggelige dal. Stadig sammenlignet med de andre vindere kan Happy Feet ikke helt overgå sit eget underlige – igen musikalske numre, pingviner osv. – og det hjælper ikke, at 2006 sandsynligvis var den svageste afgrøde af nominerede, som kategorien havde.

Brave (2012)

Med undtagelse af Cars, der tjente penge nok i legetøjssalg, som alle var villig til at give Pixar et pass, Brave var den første film, det anerkendte studie lavede, som alle syntes at være enige om, var “temmelig god” snarere end en Toy Story eller et Up-lignende mesterværk. Det er okay – og Brave er, for ordens skyld, ligaer bedre Historien om Merida, en skotsk prinsesse med krigerambitioner og problemer med en ursin forbandelse, er bestemt spændende og bemyndigende, hvis ikke særlig dyb eller gribende ud over hvad der sker på skærmen. Det kan bare ikke overgå at være en anden prinsessefabel, selv med Pixars berøring og moderne følelser.

Rango (2011)

En af de sjældne ikke-Disney- eller Pixar-film for at vinde prisen (de laver fantastiske film, men er absolut et supermonopol), Rango er unik på en måde, som vi ikke ser så meget i disse dage. Selvom animationen er smukt udført, er den ikke ligefrem indbydende af design, og det er heller ikke den tørre ørkenindstilling, hvor den titulære kamæleon og hans solbagte, hardscrabble dyre landsmænd bor. Det er en western med bevidst frygt og afsky i Las Vegas-vibes, men markedsføres hovedsageligt mod børn – så det tilsigtede publikum er lige så forvirret som Johnny Depps excentriske hovedperson. Du er nødt til at spekulere på, “for hvem er det dette?” med Rango, og mens filmen ikke helt kommer med et svar, er du nødt til at beundre, hvor gonzo det er.

Shrek (2001)

Næsten 20 år senere er Shrek en punchline.Selve filmen, som næsten var universelt elsket, da den kom ud, er blevet næsten irrelevant under den ironisk-forgiftede vægt af Smash Mouth of it all, nevermind de virale GIF’er fra Shrek, der lidenskabeligt kysser Shadow the Hedgehog. Shreks sump er oprindelsen til det meget hånede Dreamworks Animation “ansigt”, og set i bakspejlet undergraver plottet ikke så meget klassiske Disney-troper, da det anvender en lavhængende Family Guy-stil referencehumor til dem. Men over den tid det tog for Shrek at blive gammel nok til at stemme, er alt, hvad vi oprindeligt syntes var fantastisk ved filmen, blevet en ikonisk, ironisk del af vores kulturelle struktur. Vi elsker Shrek, selvom vi ikke vil indrømme det. Visst, Shreks venlige af pinligt, men som et løg har det lag.

Frozen (2013)

Du vandt Jeg kan ikke høre et dårligt ord om “Let It Go”, en virkelig forbløffende klassisk Disney-sang hele tiden. Lad den sang gå, men du vil opdage, at resten af filmen ikke har næsten samme magt. Elsa og Anna er gode, moderne tilføjelser til Disneys prinsesseliste, den subversive kærlighed ved første øjekast værdsættes, og Hans er en chokerende relevant skurk i æraen med giftig maskulinitet. På trods af hvor hårdt det prøver, føles Frozen stadig fast i en tidligere æra af Disney-historier, og genopfindelse kan kun tø tradition så meget.

Wallace og Gromit: The Curse of the Were-Rabbit (2005)

Sammenlignet med glat CGI eller Disney panache er Aardman Animations mest berømte duo dejligt, forfriskende malerisk. Wallace og Gromits langvarige eventyr – der smider den ostelskende britiske fyr og hans straight-man-hund ned i en klassisk Hollywood-monsterfilm i universel stil – stræber ikke efter meget, men den er unægtelig charmerende. Du kan se den kærlighed, der blev brugt til at gøre det næsten bogstaveligt, takket være stop-motion-animationen, som gør kunstnerens berøring til en væsentlig del af filmfremstillingen.

Toy Story 3 (2010)

Toy Story 4 underminerede noget sin forgængers perfekte afslutning på Pixars første franchise, men gensyn på Woody, Buzz og bandenes møde med dødelighed er stadig trækker i hjertestrengene. Men i fare for at blive skubbet ind i en affaldsforbrændingsovn, et årti senere, føles Toy Story 3 overvurderet. Den smukke besked – at ting ændrer sig, og at det er okay at ændre sig med dem – bliver forvirret under verdensbygningens vægt og fortsatte udforskningen af, hvad det betyder for legetøj at være i live. Andre Pixar-film på denne liste spillede med ideen mere organisk til større følelsesmæssig udbytte.

Big Hero 6 (2014)

Disney Animation nået ind i en af de dybeste sektioner i Marvels legetøjskasse til Big Hero 6, som løst er baseret på superhelteamet med samme navn. I stedet for bare et billigt eksempel på praktisk IP-synergi er Big Hero 6 en højt flyvende ode til familier, både dem vi er født ind i og dem, vi laver undervejs. San Fransokyo er et under af kulturblanding, og superheltplottet finder menneskeheden i STEM, da Hiro og hans venner lærer at være mere end bare deres opfindelser. Baymax var villig til at dø for Hiro, men jeg ville dø for Baymax.

Finding Nemo (2003)

At finde Nemo kan være de mest citerede Pixar-film (“Bliv ved med at svømme,” “Fisk er venner, ikke mad,” “P. Sherman 42 Wallaby Way”), og med sin frodige gengivelse af en undersøisk verden er det en af det smukkeste også. Men Dory og Marlins tur gennem det dybe blå hav er ikke kun lyse farver og slagord; det er en ærlig overtagelse af forældrenes kærlighed og pligt, der sætter push-pull af overbeskyttelse og oprør inde i et eventyr, der spænder over Stillehavet. Finding Nemo fortjener også æren for oprigtigt at udforske den klassiske “døde mor” Disney-trope, som er forfriskende, da havet er vådt.

Ratatouille (2007)

Ratatouille indeholder ikke en så dramatisk besked som de film, der dominerer toppen af denne liste.Det er ikke en udforskning af sorg, et miljøbeskyttelsesadvarselskud eller en allegori om racisme. Men ideen om, at “enhver kan lave mad” er på sin rolige måde hjertelig og varm. Ratatouille er en film med søde køkkendyr i hovedrollen, der handler om at tro på dig selv og finde dine styrker (med måske en lille smule hjælp skjult under dit toque. Det er en film, der opfordrer dig til at prøve, samtidig med at du byder dig velkommen i en behagelig, femstjernet restaurant med mad, der ser så lækker ud, at du næsten sværger på, at du kan lugte det gennem skærmen.

Zootopia (2016)

Der er et øjeblik, hvor du ser Zootopia for første gang, når du går fra “Åh, det er en metafor for racisme” til “Åh wow, det er virkelig en metafor for racisme!” Ligesom de vanvittige pattedyr i centrum af den legitimt fængslende sammensværgelsesteori, der driver plot, går Zootopia til jugularen – angriber den destruktive karakter af fordomme i en fuldt realiseret verden, der føles som en moderne esop-fabel. Bedre, endda fordi Aesops gamle græske lignelser ikke indeholdt nogen Shakira musikalske numre.

The Incredibles (2004)

Det betyder ærligt talt ikke, at Marvel Studios har opnået filmrettighederne til Fantastic Four, fordi The Incredibles allerede er en perfekt Fantastic Four-film. Selvom superheltaksionen og den søde modernistiske æstetik fra midten af århundredet er spændende, lykkes filmen, fordi den forstår folket under maskerne. I dette tilfælde er de en familie på fire (plus lille Jack-Jack), der prøver at gøre det rigtige alene og over for hinanden. Incredibles gør med rette at være en del af en familie lige så heroisk en virksomhed som Parrs ‘supermagtige bedrifter. Hvis der er noget at vælge her, kommer The Incredibles desværre (og forhåbentlig utilsigtet) ud som en stiltiende tilslutning til Ayn Rand-stil-objektivitet, hvilket er ironisk i betragtning af den følelsesmæssige kerne i filmen fejrer en mere relatabel heroisme.

Coco (2017)

Coco udforsker efterlivet, betydningen af familien og en rig kultur, der sjældent ser denne type blockbuster repræsentation uden at gå glip af et beat, som det passer til sådan en musikalsk drevet film. Andre Disney- og Pixar-film har beskæftiget sig med tab, men Coco, ved hjælp af en skelet, technicolor tage på Día de los Muertos, rammer en anden tone. De mennesker, vi elsker, er aldrig rigtig væk, hvis vi husker dem.

Up (2009)

Pixars forestilling om Sir Arthur Conan Doyle’s The Lost World er et glædeligt, pulpy eventyr, komplet med talende hunde, forhistoriske fugle og fantasifulde luftskibe, der svæver over tåget mesas. Men kom igen – det er ikke derfor, det er det øverste niveau. Ups åbningsmontage af Carl og Ellies liv sammen er en våbenjagt, og i de for det meste ordløse fem minutter forstår vi alt hvad vi har brug for om, hvem disse mennesker var; det giver Carls efterfølgende højtflyvende vægt og gør det vigtigt for os. Op er en mesterklasse i historiefortællingsøkonomi og når følelsesmæssige højder, som de fleste andre film kun kunne drømme om.

Wall-E (2008)

En semi-tavs, post-apokalyptisk, kærlighedshistorie med et miljøbevidst budskab, der ærligt talt er ret pessimistisk? Wall-E stoler på, at dets publikum ikke har brug for kodling eller håndhold, og resultatet er et mesterværk, der formår at være både betagende højtliggende og hyperforenklet på én gang. Det menneskeskabte sammenbrud af Jordens økosystem og vores arts vegetative fremtid er næsten for stort og skræmmende til at overveje (skønt ærligt … se dig omkring), men Wall-E opfordrer os til at prøve, mens vi ser to yndige robotter blive forelsket. Sammen med The Dark Knight’s Best Picture snub samme år er Wall-E næsten helt sikkert delvis ansvarlig for, at akademiet fordobler antallet af nominerede. En film, som denne dristige og smukke fortjener at konkurrere om den største ære.

Inside Out (2015)

Der er mange Pixar-film, der får dig til at græde. Inside Out vil dog tårer ud, mens du bevidst glæder dig over, at du er trist.Filmens budskab – at det ikke kun er okay at være trist, det er afgørende for at overleve – er vigtig og banebrydende. Alle burde vide dette, og Inside Out spiller lige så godt for børn, der er heldige nok til at gruppere sig med denne forståelse, som det gør for voksne seere, der muligvis har brug for påmindelsen. Glæde og tristhed, udtrykt af Amy Poehler og en virkelig utrolig Phyllis Smith, er sammenhængende personifikationer af de kompleksiteter, som vi alle har i vores egne hoveder. Inside Out er fantastisk, men det glemmer aldrig, hvordan rigtige følelser er.

Spirited Away (2002)

Det ville være let at rose Hayao Miyazakis mesterværk for dets visuelle karakter: en unik japansk, entydig Ghibli-fest med overdådig og fantastiske seværdigheder. (Åndene! Badehuset!) Den eneste ikke-vestlige vinder af prisen Best Animated Feature bringer bestemt en forfriskende smule fantasi og perspektiv til gruppen. Men Spirited Away svæver ikke, når Chihiro flyver gennem himlen på Hakus drage tilbage (selvom den scene, som så mange i filmen, er ikonisk). I stedet er det de mere støjsvage øjeblikke: Chihiro bryder ned i store, våde tårer, da han ser sine forældre, mens Haku trøster hende med et tilbud på mad. Kamaji kedelmanden lægger et lille tæppe over sin sovende krop. Chihiro og No-Face sidder stille i et tog fuldt af pendlingsskygger.

Det er disse små vignetter der viser den fulde ånd fra Spirited Away, der baserer fantasien og undren med menneskelige øjeblikke af venlighed og svaghed – og Chihiros eventuelle styrke ville ikke betyde noget uden disse sårbarheder. Spirited Away er i modsætning til de fleste andre film på denne liste. Der er ikke engang en dårlig fyr. Det er smukt og meditativt, der undergraver forventningerne til, hvordan en film skal se ud og føles, og transporterer seerne til et land med vidundere i alle størrelser.

Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018)

Into the Spider-Vers har noget for enhver smag. Superheltfans kan nyde en spindelende historie, der ser ud som om den er lige ud af en tegneserie. (Seriøst ser filmens animationsstil helt anderledes ud end noget andet, der nogensinde har været på den store skærm, og de blændende, dages prikkede billeder er en kæbende præstation. En live-actionfilm kunne ikke gøre, hvad Spider-Vers gør. )

Animationen fortjener universel ros, men Into the Spider-Vers har også noget specifikt for enhver seer. Miles Morales er en triumf for repræsentation, og han er også relateret til enhver, der forsøger at definere, hvem de er i en kritisk alder. Peter B. Parkers tvivl og livskrise rammer en akkord med dem, der befinder sig i den næste fase af livet – måske brug for den samme opmuntring til at tage det “troens spring”. Miles far står for forsøg og skønhed ved forældreskab og tilbyder sympati for alle, der også kæmper for at få forbindelse med de børn, de elsker mere end noget andet. Heck, de mindste seere kunne måske bare lide det, da Spider-Ham ramte den fyr i hovedet med en stor hammer.

Der er ikke noget forkert svar, og det er den sande triumf af Into the Spider Dels fordi det tapper ind i multiverset, kommer Into the Spider-Vers ind i superhelthistoriens universalitet, hvilket sikrer, at der er noget i dette eventyr, der vil tale til dig. Enhver kan bære masken.