Hva gjør ham flott? En forpliktelse til rørleggerarbeidets intellektuelle og åndelige dybder, mens man undgår visninger av teknisk bravura.

Jonathan Biss On Schnabels levende lyd

«Hvis jeg ble spurt om hvilken pianist jeg elsket mest, ville jeg aldri kunne svare – for mange muligheter! Men hvis det er et spørsmål om hvem som har inspirert meg, er det enkelt: Artur Schnabel. Min første eksponering for hans innspillinger av Beethoven-sonatene kom tidlig i tenårene, og førte raskt til en besettelse med de verkene som jeg forventer å vare resten av livet. Jeg kunne ikke forstå hvordan han kunne formidle så mye mening – åndelighet, til og med – mellom to toner, eller hvordan han klarte å produsere en lyd som var så livlig, motstandsdyktig mot tyngdekraften, i live fra dette instrumentet av taster og hamre. Disse to målene – å lage en lyd som lever, og å finne musikk ikke bare i tonene, men rundt dem – er fremdeles primære for meg, nesten to tiår senere.

Da jeg gikk for å studere med Leon Fleisher, Jeg ble rørt for å høre ham snakke om Schnabel, hans egen lærer, med samme slags ærefrykt. Fleishers egne ideer om musikk er overbevisende, og han er uten sidestykke veltalende i å uttrykke dem, men det var ofte at han bare ville fortelle oss hva Schnabel hadde fortalt ham om dette stykket eller det, i en stemmetone som antydet at det ikke var noe større autoritet. Jeg liker å tro at jeg kanskje har lært noe gjennom denne avstamningen, og hver eneste dag prøver jeg å bringe noe til musikken min av hengivenhet, forståelse og fremfor alt kjærlighet, som kommer fra hver tone mannen spilte. ”

Wilhelm Kempff (1895-1991)

Valgt av Cyprien Latsaris, Michael Endres, David Fray og Eldar Nebolsin.

Hvem var han? En tysk pianist som fokuserte på tysk musikk og spilte konserter langt inn i åttitallet.

Hva gjør ham flott? Rytmisk oppfinnsomhet og et talent for å få frem lyrikken, sjarmen og spontaniteten i musikken, spesielt i intime stykker eller passasjer.

Cyprien Latsaris On Kempff in concert

«Først hørte jeg Kempff bo i Paris da jeg var omtrent 13 år gammel, og deretter kjøpte jeg noen Beethoven og Brahms-opptak av ham. Han hadde ikke den største pianistiske teknikken, men han var veldig spesiell. Han skapte noen sublime, guddommelige musikalske øyeblikk som fraktet oss mot himmelen. Jeg er sikker på at han ville ha vært like vellykket i konsert i dag, fordi den viktigste faktoren for en musiker er å ha en helt spesiell personlighet, og han hadde den karakteristikken. / p>

Han har også påvirket det jeg gjør ved pianoet ved å få meg til å sette meg i en annen tilstand, en åndelig tilstand, før jeg spiller. Det er så mange innspillinger av ham at jeg verdsetter, som Kempff utmerker seg i Beethoven , Brahms, Schumann, Schubert og Bach, men spesielt vil jeg kalle Kl avierstücke av Brahms, Beethovens middelste sonater og konserter nr. 2 & 4, Bach-transkripsjonene og Schubert Klavierstücke. ”

Alfred Brendel (født 1931)

Valgt av Paul Lewis, Steven Osborne, Imogen Cooper og Till Fellner.

Hvem er han? En østerriksk pianist og lærer som nå er basert i London, og som har spilt inn fire komplette sett med Beethoven-sonatene.

Hva gjør ham flott? Streng overholdelse av partituret uten å høres tørt eller akademisk ut, og en evne til å finne uventede øyeblikk av humor, spesielt
i klassisk repertoar.

Paul Lewis Om å studere med Brendel

«Jeg hadde leksjoner med Alfred Brendel på 1990-tallet, og han har vært en stor inspirasjon. Han snakket om musikk og jeg ville tenkt,» Ja, det gir virkelig mening «. Og så satte han seg ned og demonstrerte ting, og det var da lyspæren virkelig gikk av. Første gang jeg møtte ham var da jeg var 20 på Guildhall School of Music. Jeg husker jeg følte meg veldig nervøs og skremt. Da jeg så silhuetten av brillene og håret som kom gjennom salen, husker jeg at jeg tenkte: ‘Herregud, det er ham!’ Jeg spilte en Haydn-sonate for ham, og det var helt klart fra begynnelsen at han bare var interessert i musikken. . Det er alt som betyr noe. Du kan føle deg bekymret for deg selv, men det er ikke det viktigste fordi han ikke er minst bekymret for noe annet enn det du spiller. Det stemte overens med inntrykket jeg hadde av ham før jeg møtte ham, fra konsertene og innspillingene hans – fra en utrolig seriøs musiker. Det var en stor inspirasjon og et privilegium å få jobbe med ham gjennom disse årene. ”

Glenn Gould (1932-1982)

Valgt av Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say og Jean-Efflam Bavouzet.

Hvem var han?En svært eksentrisk kanadisk pianist som, etter en fantastisk konsertkarriere, unngikk scenen i en alder av 31 år for å fokusere på innspillinger og eksperimentelle prosjekter.

Hva gjør ham flott? En fantastisk evne til å forme flere linjer av polyfonisk musikk, som Bach, med uovertruffen klarhet. Og en tilsynelatende inhabilitet for teknisk feil.

Pascal Rogé på Gould rekreater

«Jeg hørte Gould først spille ganske sent, siden i ungdommen min ved Paris konservatorium var han helt ukjent. Ingen av mine kolleger eller lærere nevnte noen gang navnet hans – før jeg i 1966 møtte Bruno Monsaingeon, som avslørte Gould for meg og det franske publikum gjennom hans fantastiske dokumentarer. Det er vanskelig å si hva som gjør Goulds spill så spesiell, siden alt i spillet hans er spesielt. Man kan nevne berøringen, formuleringen, artikulasjonen … Men viktigst er unnfangelsen, arkitekturen, den personlige og «kreative» tilnærmingen til hvert eneste stykke han spiller … Han er en skaper, mye mer enn en tolk: hver gang du hører et stykke spilt av Gould, oppdager du stykket for første gang. Jeg refererer alltid til linjen hans: ‘Hvis du ikke er overbevist om at du kan spille et stykke i en helt ny og unik måte, ikke spill den. ‘Det er en ekstrem bekreftelse, men så full av sannhet! Et eksempel på dette er hans to innspillinger av Goldberg-variasjonene, et eksempel på Goulds geni når han til og med kunne ‘gjenskape’ seg selv. De er begge mesterverk, og hans arv for alle musikere i verden. Jeg blir alltid blåst bort når pianister tør å spille (eller til og med berøre) dette stykket etter Gould. Er de helt bevisstløse eller helt pretensiøse?

I Bach er han helt uovertruffen. Jeg er faktisk ikke i stand til å høre, godta eller tenke meg noen annen tolkning av Bach enn hans. Jeg vil gjerne si at han har hatt innflytelse på meg, men ingen er forvirret nok til å prøve å etterligne Goulds spill! Likevel husker jeg da jeg spilte inn den første boken til Bachs godt tempererte klavier for fransk TV. Det var et prosjekt som Monsaingeon hadde tenkt ut, men Gould døde før han kunne filme det … Og jeg var den som ble valgt for å ‘erstatte’ ham. Kan du forestille deg presset?

Jeg tror at Goulds arv for enhver kunstner er ‘skaperfriheten’ overfor enhver komponist, men samtidig respekterer musikkens logikk og komponistens ånd – en veldig utfordrende ligning! ”

Hvem var han? En fransk pianist og professor ved Conservatoire de Paris. Han ble kalt en «piano of piano» for sin mestring av de lyriske verkene til Chopin, Schumann og Debussy, og produserte milepælopptak og omhyggelige utgaver av musikken deres.

Hva gjør ham flott? personlig, subjektiv stil som favoriserer intuisjon og følelse fremfor presis teknikk, noe som resulterer i fremførelser av frodig, transcendent musikalitet.

Stephen Hough On Cortots individualitet

«Cortot blir noen ganger husket som pianisten som spilte mange gale toner. Dette er urettferdig – ikke bare fordi han hadde en blendende fingerteknikk, men fordi han aldri tillot å streve etter nøyaktighet for å distrahere ham fra det større bildet. Feilene hans kan noen ganger høres selv i de første tonene av stykker, men jeg synes disse feilbare øyeblikkene er elskverdige: pianisten blir fortært av åndelig inspirasjon og er ikke klar over de fysiske risikoene som er involvert. Cortot var en stor virtuos, bevisst på kraften til å begeistre og spenningen som romantisk pianomusikk har, men du føler deg aldri manipulert i hans musikalske selskap. Du føler at selv hans mest ekstravagante tolkningsvalg kommer fra fullstendig indre ærlighet; han sitter ikke i rampelyset og tvinger deg til å se på ham, men snarere holder en fakkel og fører deg frem til opplysning.

Jeg blir aldri lei av å høre opptakene hans, spesielt de fra Chopin og Schumann fra 1920-tallet. og 30-tallet. Hans kombinasjon av fullstendig tolkningsfrihet (noen ganger med et snev av eksentrisitet) og gjennomtrengende innsikt i komponistens ønsker er etter mitt syn unik. Det er artister som gleder lyttere med sin ville og dristige individualitet, og det er andre som avdekker den skrevne partituren for oss med innsikt og ærbødighet – men det er få som kan gjøre begge deler. Cortot hadde en visjon som så utover det akademiske eller det teatralske til en større horisont av kreativitet hvorfra komponistene selv godt kunne ha hentet inspirasjon. ”

Alfred Cortot ble også valgt av Alfred Brendel, Benjamin Grosvenor og Stanislav Ioudenitch.

Emil Gilels (1916-1985)

Hvem var han? En Odessa-født pianist som flyttet til Moskva i 1935 og ble sammen med Richter den ledende sovjetiske pianisten i sin tid. Han og fiolinisten David Oistrakh var blant de første sovjetiske musikerne som fikk konsert i Vesten.

Hva gjør ham flott?Hans «gyldne» lyd – en evne til å utføre de mest skattemessige passasjene uten å gå på kompromiss med hans polerte tone eller dybde av følelsen.

Cédric Tiberghie On the great of Gilels

«Gilels har denne blandingen av fantastisk tonekvalitet og en evne til å få alt til å virke enkelt når du lytter til ham. Selv når han spiller et enkelt Bach-forspill, eller Bach-Siloti-forspillet i b-moll, tror du det er enkelt å spille, men så kjøper du musikken, og du er som, ‘Herregud, dette er umulig!’

Jeg hørte Gilels først da jeg var åtte eller ni – hans innspilling av Brahms Second Concerto med Berlin Philharmonic. Jeg var ikke klar over at det var Gilels – eller til og med en Brahms-konsert – bare en av farens enorme samling kassetter. Men det var favorittmusikken min, og fremdeles i dag synes jeg det er en av de vakreste innspillingene som noen gang er laget av en pianokonsert. Kvaliteten på tone og linje, inspirasjonen og skjønnheten i lyden – alt er så perfekt. Det er faktisk ganske skremmende når du må spille konserten selv. Han spiller den første satsen så sakte, og du tenker, OK, jeg kommer til å gjøre det samme – noe som er en stor feil fordi han er Gilels og du ikke. Du trenger den gyldne lyden Gilels hadde – mer enn noen annen i historien – samt en klar ide om strukturen og retningen; og for dette trenger du en levetid på erfaring. Hvis jeg sammenligner hånden min med hans, var han sannsynligvis dobbelt så tung som min. Det er som Oistrakh på fiolin, det er det spørsmålet om kjøtt, ren materie som skaper lyden. Hvis du har ekstremt tynne hender, vil kvaliteten på tonen sannsynligvis være tydeligere enn Gilels.

Så jeg prøver ikke å etterligne en kunstner som han, men jeg prøver å holde herligheten til meg hva han gjør. Det er noe jeg alltid prøver å finne, ikke kunstig, men kanskje bare for å føle. Så han er en modell for meg i så måte. ”

Emil Gilels ble også valgt av Alice Sara Ott, Olli Mustonen, Lars Vogt.

Arthur Rubinstein (1887-1982)

Hvem var han? En polsk pianist som forlot Europa etter første verdenskrig og bosatte seg i USA.

Hva gjør ham flott? Hans tolkninger av musikken til Chopin, som han brakte en glødende tone til og endeløs variasjon av formulering.

Roger Woodward om å dele arven til Rubinstein

«Da jeg studerte ved Chopin National Academy i Warszawa, møtte klassen vår noen ganger professor Drzewieckis berømte venner, hvorav den ene var Arthur Rubinstein. Han spilte for oss og noen studenter hadde privilegiet å spille for ham. Alle i klassen kjente hans innspillinger, ettersom de var de klassiske Chopin-tolkningene som Drzewiecki hadde lært oss. Nåde, holdbarhet og grundig forskning var kjennetegnene for hans kunst, en som viste mestring, men også enorm beskjedenhet, og i motsetning til hva noen ‘autoriteter måtte si en feilfri teknikk.

Rubinsteins kritikere, og det var mange, pleide å glemme hvor grundig han var i å forske på repertoaret han spilte. Der andre stilte og bare lot som om de hadde forsket på emnet deres, Rubinsteins forestillinger reeked av int egrity.

Den tidligste av Rubinsteins tre komplette Mazurka-innspillinger ga oss et høydepunkt i vår studie av Chopin, selv om det for meg var hans forestillinger av Nocturnes som ga nøkkelen til alle andre Chopin. Jeg er Rubinstein takknemlig for hans innspillinger og hva han hadde å si om dem.

Rubinstein ble ikke velsignet med Rachmaninovs eller Horowitzs virtuositet, men han utviklet en mestring av legato cantabile og tempo rubato second til ingen. Dette er tydelig i slike mirakuløse live-forestillinger før krigen som hans historiske innspilling av Chopin pianokonserter med Sir John Barbirolli, selv om hans forestillinger av det samme med Witold Rowicki var enda vakrere – helt uforglemmelig.

Jeg vil aldri glemme hans vennlighet og raushet overfor klassen vår, og hans sjarm, beskjedenhet og nøye forskning. Selv om jeg er student hele livet og fortsetter å lytte til hans mange fantastiske innspillinger, anser jeg meg heldig som kan dele slike rike erfaringer med mine egne studenter. ”

Arthur Rubinstein ble også valgt av Simon Trpceski, Jayson Gillham og Margaret Fingerhut.

Sviatoslav Richter (1915-1997)

Hvem var han? En russisk pianist av tysk avstamning som ble Sovjetunionens fremste musiker.

Hva gjør ham flott? Bunnsolid teknikk kombinert med et forbløffende utvalg av lyd.

Barry Douglas Om intensiteten til Richter

«Jeg hørte Richter spille mange ganger i England, Frankrike og Amerika, og det jeg elsket ved ham var at han klarte å få pianoet til å ikke høres ut som et piano – det hørtes ut som et orkester eller noen ganger som et kor.Også alt han gjorde på instrumentet virket alltid helt riktig. Det virket ikke som ideene hans; det virket som den eneste måten å gjøre det på. Hver kunstner bør, hvis de er seriøse, sikte på å fjerne seg fra ligningen og gå til hjertet eller essensen av musikken. Svært få artister kan gjøre det, men for Richter var det helt naturlig.

Han var også en veldig seriøs musiker: Etter konserter bestemte han seg ofte for at han trengte å øve, og ville reise hjem og øve for en annen to timer. Han insisterte også på at hvert oppleggsprogram inneholder minst ett nytt stykke. Så repertoaret hans var stort. Jeg tror ikke studioopptakene hans var så vellykkede: de representerte ham ikke. Det er liveopptakene som er fantastiske. Alle snakker om Sofia-oppføringen fra 1958 hvor han spiller Liszts Feux Follets og Mussorgsky’s Pictures at an Exhibition. Likevel er innspillingene hans av Beethoven-sonatene også uten sidestykke, for ikke å snakke om det russiske repertoaret – de små bitene av Tchaikovsky – og Prokofiev, som skrev sin syvende sonate for ham.

Da jeg var på Tchaikovsky-konkurransen i 1984 sendte han meldinger til meg gjennom andre om hvor fantastisk han syntes jeg var, noe som var veldig søtt. Jeg skulle ønske jeg hadde hatt en sjanse til å bli bedre kjent med ham.

Jeg vil alltid se opp til Richter. En utøvende kunstner må ikke kopiere, men du kan la deg inspirere av essensen av det noen sto for, og det er det jeg gjør med ham. Jeg vet veldig dypt inni meg selv at jeg prøver å forstå hva Richter hadde, som er en utrolig, brennende, brennende intensitet av lidenskap for musikk – det var det som kom over da han spilte. Han var absolutt besatt og besatt av musikk. ”

Sviatoslav Richter ble også valgt av Howard Shelley, Anna Goldsworthy og Piotr Anderszewski.

Vladimir Horowitz (1903-1989)

Hvem var han? En russiskfødt pianist som reiste til Vesten i en alder av 21 år, hvor han ble beskrevet som en «tornado utløst fra steppene.» Mest kjent for sine fremførelser av romantisk pianorepertoar og overraskende Scarlatti, vendte han tilbake til Russland for en triumferende avskjedskonsert i 1986.

Hva gjør ham flott? Glitrende virtuositet og ekstraordinær bruk av tonefarge kombinert med et talent for å begeistre publikum, skape furore på hans live opptredener.

Ingolf Wunder Om de gudlignende gavene til Horowitz

«Horowitz kombinerte pianisme av høy klasse med en unik smak i musikk og tolkning. Det som gjorde ham unik, var hans evne til å meisle følelsene og stemningene sine ut av partiturets strukturer og harmoniske materiale. Jeg tror jeg først hørte Horowitz da jeg var 14. Jeg ble bare forbauset over tonen hans og de forskjellige fargene han kunne produsere. Og han spilte alltid mens hånden hans ble bygget, og forrådte aldri smaken og synet på musikk. Han var alltid han selv, og alt han rørte ved ble hans eget. Hans spill er aldri middelmådig, det fungerer ikke eller ikke. Men hvis det fungerer, er det rett og slett gudaktig – uten sammenligning med noe du noen gang har hørt.

På en måte er Horowitz et produkt av en tid som produserte så mange store pianister. Jeg tror tankegangen og livet vårt har endret seg siden den gang. Nå kan musikere gå på Internett og høre nesten alle innspillinger av ethvert stykke; den gang ble de tvunget til å tenke selv. Små ting ble gitt større betydning fordi det ikke var mulig å gå hvor som helst umiddelbart. Det handlet ikke nødvendigvis om hvem som kan spille raskest eller noe annet konkurranseaspekt, det handlet mer om musikken. Det er fortsatt noen få musikere som er som Horowitz og de gamle storhetene, og det er skolen vi
burde komme tilbake til. ”

Vladimir Horowitz ble også valgt av Freddy Kempf, Gerard Willems, Konstantin Scherbakov.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Hvem var han? En pianist og komponist født i Russland, som ble uteksaminert fra Moskva konservatorium i samme klasse som komponisten Alexander Scriabin. Blant hans komposisjoner er klaverkonsert nr. 2, som ofte ble kåret til det mest populære stykket klassisk musikk gjennom tidene. Han forlot Russland i 1917 og begynte på en karriere som turpianist for å forsørge seg selv og familien. Han ble amerikansk statsborger kort tid før han døde.

Hva gjør ham flott? En nesten overmenneskelig ren fingerteknikk, som tillot ham å opprettholde klarhet selv i de knotteste passasjene. Dette var delvis på grunn av hans berømte store hender, i stand til å spenne over 12 inches, eller en 13. (C1 til A2) på pianoet. Han hadde også en vakker sangtone, sammenlignet med fiolinisten Fritz Kreisler, som tillot ham å vri uendelig søthet fra en melodi.

Leslie Howard på den største pianisten noensinne å lage en plate

«Det som er bemerkelsesverdig med Rachmaninovs spill er hvor ærlig det er.Ingenting kommer mellom spillet hans og ideen om hvorfor musikkstykket var verdt å spille inn. Hans spill er aldri rotete, det er aldri masete, og det er fullstendig fravær av billige triks – ganske uvanlig for den tiden han spilte inn. Jeg tror han er den største pianisten i sin alder, og jeg er sikker på at han er den beste pianisten som noen gang har laget en plate.

Selvfølgelig er teknikken hans ekstraordinær, men gaven med all god teknikk er at du ‘ ikke er klar over det når du lytter til det. Hvis du hører ham spille for eksempel Si oiseau j’étais av Henselt, høres det ut som det mest sjarmerende salongstykket. Men hvis du noen gang har satt deg ned for å spille det, vil du vite godt at det er en absolutt terror.

Rachmaninov har også en måte å håndtere rytme på som gjør ham umiddelbart gjenkjennelig. Noen ganger gjør han det ved å spille en rytme som ikke er akkurat det som er i partituret, men det kommer ut som det høres ut som det som burde vært i partituret. Ta for eksempel innspillingen hans med Fritz Kreisler fra Opus 30 No 3 Sonata of Beethoven. Du hører hver eneste tone og hver eneste tone er like viktig som alle andre, slik Beethoven burde spilles, men sjelden er.

Som komponist hadde Rachmaninov også et formidabelt musikalsk sinn. Han dissekerte hvert stykke før han la hendene på tastaturet. Og han kunne gjøre det fordi komposisjonsevnen hans var så raffinert.

Noen ganger tror jeg når han spiller sin egen musikk er mindre forsiktig – nesten som om han ikke helt synes det skulle være så mye oppstyr om ham. Men når du hører hvor fullstendig uslapp, i følelsesmessig forstand, hans avspilling av sin egen musikk er, fraråder det pianister å veltes i den, som så mange av dem gjør. Så, hvis du vil ha romantisk spilling, kan han gjøre det også, og igjen tenker jeg på en av innspillingene med Kreisler av Grieg Sonata nr. 3. Andre sats er utrolig fantastisk, og måten han spiller melodien på er helt annerledes enn måten Kreisler spiller det. Det får stykket til å høres mer innholdsrikt ut enn det faktisk er – det er en krakker av et opptak!

Det er en grunn til at Rachmaninov ikke spilte inn mer, og det er på grunn av de anstrengte forholdene han hadde med folket på Victor Talking Machine Company, som trodde han fikk for mye penger for opptakene sine, og som takket nei til mange av de tingene han tilbød seg å spille inn. For eksempel skulle han gi en gratis innspilling av Beethovens første pianokonsert, så lenge de ville la ham spille inn orkestrale symfoniske danser, og de nektet tilbudet.

Grunnen til at innspillingen vi gjør har av ham som spiller sin tredje konsert, er for mange ører litt utilstrekkelig, fordi han måtte tilbake og spille inn første side igjen fire måneder senere. Han satte kutt i den i siste øyeblikk fordi produsenten Charles Connell ga ham sorg og sa at han ikke kunne spille piano og ikke kunne komponere heller. Kort sagt gjorde han det hele dypt ubehagelig for Rachmaninov. Så vi har denne herr Connell å takke for at han ikke hadde Liszt Sonata, Hammerklavier Sonata, Waldstein Sonata og Chopin B minor Sonata. Av innspillingene vi har, er det veldig vanskelig å velge en favoritt, men jeg elsker absolutt innspillingen hans av Schumanns Carnaval. Jeg synes det er perfekt pianospilling fra start til slutt. ”

Sergei Rachmaninov ble også valgt av Stephen Kovacevich, Denis Matsuev og Alexey Yemtsov.

Hvorfor er det så mange store russiske pianister?

Fra det 19. århundre har det vært veldig systematisk barns musikalske utdannelse i Russland, som startet med grunnleggelsen av Moskva Imperial Conservatory. Rachmaninov kom for å studere der i en alder av 14 år. Han bodde hjemme hos Nikolai Zverev, som hadde opprettet en internatskole for unge studenter, som måtte øve seks timer per dag, bortsett fra skolestudiet. .

Den skolen forvandlet seg til den sentrale musikkskolen i sovjettiden, og systemet utvidet seg over hele landet. I dag er det seriøs musikalsk utdannelse for barn i Russland fra de er store nok til å nå nøklene. Vladimir Ashkenazy, Grigory Sokolov og Mikhail Pletnev er produkter av denne ganske strenge sovjetiske skolen.

Så barn studerer i syv eller åtte år på en spesiell musikkskole, så klokka 15 går de til musikkhøgskolen i tre år. Og det er alt før de melder seg inn på konservatoriet.

Så hvis et barn er talentfullt, kan de i en alder av 16 spille alt. Det betyr at når russiske studenter kommer til konservatoriet, er de allerede profesjonelle pianister. De har nesten ingen tekniske grenser å overvinne, og kan bare fokusere på å bli kunstner. Så det er ikke som å bare ha pianotimer hos en lærer – det er systematisk og helt gratis musikalsk utdannelse. Genier blir født overalt, men bare i Russland blir de næret på denne måten.

Elena Kuznetsova
Dean of Piano, Moscow Conservatory