Holanda (1872-1911) Editar

Mondrian nació en Amersfoort, provincia de Utrecht en los Países Bajos, el segundo de los «hijos de sus padres». Descendía de Christian Dirkzoon Monderyan, que vivía en La Haya ya en 1670. La familia se mudó a Winterswijk cuando su padre, Pieter Cornelius Mondrian, fue nombrado director de una escuela primaria local. Mondrian se introdujo en el arte desde una edad temprana. Su padre era un profesor de dibujo titulado y, con su tío, Fritz Mondrian (alumno de Willem Maris de la Escuela de artistas de La Haya), el joven Piet pintaba y dibujaba a menudo a lo largo del río Gein.

Después Con una estricta educación protestante, en 1892 Mondrian ingresó en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam. Ya estaba calificado como maestro. Inició su carrera como docente en educación primaria, pero también practicó la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período es naturalista o impresionista, y se compone principalmente de paisajes. Estas imágenes pastorales de su país natal representan molinos de viento, campos y ríos, inicialmente al estilo impresionista holandés de la escuela de La Haya y luego en una variedad de estilos y técnicas que dan fe de su búsqueda de un estilo personal. Estas pinturas son representativas e ilustran la influencia que varios movimientos artísticos tuvieron en Mondrian, incluido el puntillismo y los colores vivos del fauvismo.

En el Gemeentemuseum Den Haag se exhiben varias pinturas de este período, incluyendo obras postimpresionistas como The Red Mill y Trees in Moonrise. Otra pintura, Evening (Avond) (1908), que representa un árbol en un campo al anochecer, incluso augura desarrollos futuros al usar una paleta que consiste casi en su totalidad en rojo, amarillo y azul. Aunque Avond es solo de forma limitada, es la pintura más antigua de Mondrian que enfatiza los colores primarios.

Las primeras pinturas de Mondrian que muestran un grado de abstracción son una serie de lienzos de 1905 a 1908 que representan escenas oscuras de árboles y casas indistintas reflejadas en aguas tranquilas. Aunque el resultado lleva al espectador a comenzar a centrarse en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía están firmemente arraigadas en la naturaleza, y es sólo el conocimiento de los logros posteriores de Mondrian lo que lleva a uno a buscar en estas obras las raíces de su futura abstracción.

El arte de Mondrian estaba íntimamente relacionado con sus estudios espirituales y filosóficos. En 1908 , se interesó en el movimiento teosófico lanzado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX, y en En 1909 se unió a la rama holandesa de la Sociedad Teosófica. El trabajo de Blavatsky y un movimiento espiritual paralelo, la Antroposofía de Rudolf Steiner, afectaron significativamente el desarrollo posterior de su estética. Blavatsky creía que era posible alcanzar un conocimiento más profundo de la naturaleza que el proporcionado por medios empíricos, y gran parte de Mondrian Su trabajo por el resto de su vida fue inspirado por su búsqueda de ese conocimiento espiritual. En 1918, escribió «Saqué todo de la Doctrina Secreta», refiriéndose a un libro escrito por Blavatsky. En 1921, en una carta a Steiner, Mondrian argumentó que su neoplasticismo era «el arte del futuro previsible para todos los verdaderos antroposofistas y teósofos». Siguió siendo un teósofo comprometido en los años siguientes, aunque también creía que su propia corriente artística, el neoplasticismo, eventualmente se convertiría en parte de una espiritualidad ecuménica más amplia.

Mondrian y su trabajo posterior fueron profundamente influenciados por el 1911 Exposición Moderne Kunstkring del cubismo en Amsterdam. Su búsqueda de la simplificación se muestra en dos versiones de Still Life with Ginger Pot (Stilleven conoció a Gemberpot). La versión de 1911 es cubista; en la versión de 1912 los objetos se reducen a una forma redonda con triángulos y rectángulos.

París (1911-1914) Editar

En 1911, Mondrian se mudó a París y cambió su nombre, eliminando una «a» de Mondrian, para enfatizar su salida de los Países Bajos. y su integración dentro de la vanguardia parisina. Mientras estaba en París, la influencia del estilo cubista de Pablo Picasso y Georges Braque apareció casi de inmediato en la obra de Mondrian. Pinturas como El mar (1912) y sus diversos estudios de árboles de ese año todavía contienen una medida de representación, pero Cada vez más, están dominados por formas geométricas y planos entrelazados. Si bien Mondrian estaba ansioso por absorber la influencia cubista en su trabajo, parece claro que vio al cubismo como un «puerto de escala» en su viaje artístico, más que como un destino. .

Holanda (1914-1918) Editar

A diferencia de los cubistas, Mondrian todavía intentaba reconciliar su pintura con sus búsquedas espirituales, y en 1913 comenzó a fusionar su arte y su teosófica estudia una teoría que marcó su ruptura final con la pintura representativa. Mientras Mondrian visitaba los Países Bajos en 1914, comenzó la Primera Guerra Mundial, lo que lo obligó a permanecer allí durante el conflicto. Durante este período, permaneció en los artistas de Laren » colon y, donde conoció a Bart van der Leck y Theo van Doesburg, quienes estaban experimentando sus propios viajes personales hacia la abstracción. El uso de Van der Leck de colores primarios en su arte influyó mucho en Mondrian. Después de un encuentro con Van der Leck en 1916, Mondrian escribió: «Mi técnica, que era más o menos cubista, y por lo tanto más o menos pictórica, quedó bajo la influencia de su método preciso «. Con Van Doesburg, Mondrian fundó De Stijl (El estilo), una revista del Grupo De Stijl, en la que publicó por primera vez ensayos que definían su teoría, a la que llamó neoplasticismo.

Mondrian publicó «De Nieuwe Beelding in de schilderkunst» («El nuevo plástico en la pintura») en doce entregas durante 1917 y 1918. Este fue su primer gran intento de expresar su teoría artística por escrito. Lo mejor y más citado de Mondrian Sin embargo, la expresión de esta teoría proviene de una carta que escribió a HP Bremmer en 1914:

Construyo líneas y combinaciones de colores en una superficie plana, en para expresar la belleza general con la mayor conciencia. La naturaleza (o, lo que veo) me inspira, me pone, como a cualquier pintor, en un estado emocional de tal manera que surge el impulso de hacer algo, pero quiero acercarme lo más posible a la verdad y abstraer todo de eso, hasta llegar a la base (¡todavía una base externa!) de las cosas … creo que es posible que, a través de líneas horizontales y verticales construidas con conciencia, pero no con cálculo, guiadas por una alta intuición, y llevadas a la armonía y el ritmo. , estas formas básicas de belleza, complementadas si es necesario por otras líneas o curvas directas, pueden convertirse en una obra de arte, tan fuerte como verdadera.

París (1918-1938) Editar

Cuando terminó la Primera Guerra Mundial en 1918, Mondrian regresó a Francia, donde permanecería hasta 1938. Inmerso en la cultura parisina de innovación artística de la posguerra, floreció y abrazó por completo el arte de la abstracción pura durante el resto de su vida. Mondrian comenzó a producir pinturas basadas en cuadrículas a fines de 1919, y en 1920, comenzó a aparecer el estilo por el que llegó a ser famoso.

En las primeras pinturas de este estilo, las líneas que delimitan las formas rectangulares son relativamente delgadas, y son grises, no negras. Las líneas también tienden a o se desvanecen cuando se acercan al borde de la pintura, en lugar de detenerse abruptamente. Las formas mismas, más pequeñas y numerosas que en pinturas posteriores, están llenas de colores primarios, negros o grises, y casi todas están coloreadas; solo unos pocos quedan en blanco.

A finales de 1920 y 1921, las pinturas de Mondrian llegan a lo que es para el observador casual su forma definitiva y madura. Gruesas líneas negras separan ahora las formas, que son más grandes y menos en número y más formularios se dejan en blanco.Sin embargo, esta no fue la culminación de su evolución artística. Aunque los refinamientos se volvieron más sutiles, la obra de Mondrian continuó evolucionando durante sus años en París.

En las pinturas de 1921, muchas, aunque no todas, las líneas negras se detienen a una distancia aparentemente arbitraria del borde del lienzo, aunque las divisiones entre las formas rectangulares permanecen intactas. Aquí, también, las formas rectangulares permanecen en su mayoría coloreadas. A medida que pasaron los años y la obra de Mondrian evolucionó aún más, comenzó a extender todas las líneas hasta los bordes de la lienzo, y comenzó a usar cada vez menos formas de color, prefiriendo el blanco.

Estas tendencias son particularmente obvias en las obras en «rombo» que Mondrian comenzó a producir con regularidad a mediados de la década de 1920. Las pinturas «romboidales» son lienzos cuadrados inclinados 45 grados, de modo que tienen forma de diamante. Un ejemplo típico de ellos es Schilderij No. 1: Pastilla con dos líneas y azul (1926). Uno de los lienzos más minimalistas de Mondrian, este cuadro consta solo de dos líneas perpendiculares negras y una pequeña forma triangular azul. Las líneas se extienden hasta los bordes del lienzo, casi dando la impresión de que el cuadro es un fragmento de una obra más grande.

Aunque la vista de la pintura se ve obstaculizada por el vidrio que la protege, y por el precio que la edad y el manejo obviamente han tenido en el lienzo, un examen detenido de esta pintura comienza a revelar algo del método del artista. La pintura no está compuesta por planos de color perfectamente planos, como cabría esperar. Las pinceladas sutiles son evidentes en todas partes. El artista parece haber utilizado diferentes técnicas para los diversos elementos. Las líneas son los elementos más planos, con la menor cantidad de profundidad. Las formas coloreadas tienen las pinceladas más evidentes, todas en una dirección. Lo más interesante, sin embargo, son las formas blancas, que claramente se han pintado en capas, con pinceladas okes corriendo en diferentes direcciones. Esto genera una mayor sensación de profundidad en las formas blancas para que parezcan abrumar las líneas y los colores, lo que de hecho estaban haciendo, ya que las pinturas de Mondrian de este período llegaron a estar cada vez más dominadas por el espacio en blanco.

En 1926, Katherine Dreier, cofundadora de la Sociedad de Artistas Independientes de la ciudad de Nueva York (junto con Marcel Duchamp y Man Ray), visitó el estudio de Piet Mondrian en París y adquirió una de sus composiciones de diamantes, Painting I . Esto se mostró luego durante una exposición organizada por la Sociedad de Artistas Independientes en el Museo de Brooklyn, la primera gran exposición de arte moderno en Estados Unidos desde el Armory Show. Ella declaró en el catálogo que «Holanda ha producido tres grandes pintores que, aunque una expresión lógica de su propio país, se elevó por encima de él a través del vigor de su personalidad: el primero fue Rembrandt, el segundo fue Van Gogh y el tercero es Mondrian «.

A medida que avanzaban los años, las líneas comenzó a tener prioridad sobre las formas en Mo pinturas de ndrian. En la década de 1930, comenzó a usar líneas más delgadas y dobles con mayor frecuencia, puntuadas con algunas formas pequeñas de colores, si es que alguna. Las dobles líneas excitaron particularmente a Mondrian, porque creía que ofrecían a sus pinturas un nuevo dinamismo que estaba ansioso por explorar. La introducción de la doble línea en su obra fue influenciada por la obra de su amigo y contemporáneo Marlow Moss.

De 1934 a 1935, tres de las pinturas de Mondrian se exhibieron como parte de la obra «Abstract and Concrete «exposiciones en el Reino Unido en Oxford, Londres y Liverpool.

Londres y Nueva York (1938-1944) Editar

En septiembre de 1938, Mondrian abandonó París ante el avance del fascismo y se mudó a Londres. Después de la invasión de los Países Bajos y la caída de París en 1940, se fue de Londres a Manhattan en Ciudad de Nueva York, donde permanecería hasta su muerte. Algunas de las obras posteriores de Mondrian son difíciles de ubicar en términos de su desarrollo artístico porque hubo bastantes lienzos en los que comenzó. París o Londres y solo se completó meses o años después en Manhattan. Las obras terminadas de este período posterior están visualmente ocupadas, con más líneas que cualquiera de sus obras desde la década de 1920, colocadas en una disposición superpuesta que es casi cartográfica en apariencia. Pasó muchas horas pintando solo hasta que le salieron ampollas en las manos y, a veces, lloraba o se enfermaba.

Mondrian produjo Composición en forma de rombo con cuatro líneas amarillas (1933), una pintura simple que innovaba con colores gruesos y coloridos. líneas en lugar de negras. Después de esa pintura, esta práctica permaneció latente en la obra de Mondrian hasta que llegó a Manhattan, momento en el que comenzó a abrazarla con abandono.En algunos ejemplos de esta nueva dirección, como Composición (1938) / Place de la Concorde (1943), parece haber tomado pinturas inacabadas de líneas negras de París y las completó en Nueva York agregando líneas cortas perpendiculares de diferentes colores, corriendo entre las líneas negras más largas, o desde una línea negra hasta el borde del lienzo. Las áreas recién coloreadas son gruesas, casi uniendo la brecha entre líneas y formas, y es sorprendente ver el color en una pintura de Mondrian que no está delimitada por el negro. Otras obras mezclan largas líneas de rojo en medio de las familiares líneas negras, creando una nueva sensación de profundidad mediante la adición de una capa de color encima de la negra. Su pintura Composición No. 10, 1939-1942, caracterizada por colores primarios, fondo blanco y líneas de cuadrícula negras definió claramente el enfoque radical pero clásico de Mondrian del rectángulo.

El 23 de septiembre de 1940, Mondrian dejó Europa para Nueva York a bordo del barco RMS Samaria de Cunard White Star Lines, con salida desde Liverpool. Los nuevos lienzos que Mondrian inició en Manhattan son aún más sorprendentes, e indican el inicio de un nuevo idioma que fue truncado por la muerte del artista. La ciudad de Nueva York (1942) es un complejo entramado de líneas rojas, azules y amarillas, que ocasionalmente se entrelazan para crear una mayor sensación de profundidad que sus obras anteriores. Una versión inacabada de 1941 de esta obra utiliza tiras de cinta de papel pintada, que el artista podría reorganizar a voluntad para experimentar con diferentes diseños.

Su pintura Broadway Boogie-Woogie (1942-1943) en el Museo de Arte Moderno en Manhattan fue muy influyente en la escuela de pintura geométrica abstracta. La pieza está formada por una serie de cuadrados relucientes de colores brillantes que saltan del lienzo y luego parecen brillar, atrayendo al espectador hacia esas luces de neón. En esta pintura y en Victory Boogie Woogie (1942-1944) inconclusa, Mondrian reemplazó las antiguas líneas sólidas con líneas creadas a partir de pequeños rectángulos de color contiguos, creados en parte mediante el uso de pequeños trozos de cinta de papel de varios colores. Rectángulos de color ilimitados más grandes marcan el diseño, algunos con rectángulos concéntricos más pequeños dentro de ellos. Si bien las obras de Mondrian de las décadas de 1920 y 1930 tienden a tener una austeridad casi científica, se trata de pinturas brillantes y animadas que reflejan la música alegre que las inspiró y la ciudad en la que se hicieron.

En estos trabajos finales, las formas han usurpado el papel de las líneas, abriendo otra nueva puerta para el desarrollo de Mondrian como abstraccionista. Las pinturas de Boogie-Woogie fueron claramente más un cambio revolucionario que evolutivo, representando el desarrollo más profundo en el trabajo de Mondrian desde su abandono del arte representativo en 1913.

En 2008, el programa de televisión holandés Andere Tijden encontró el único metraje de película conocido con Mondrian. El descubrimiento del metraje de la película se anunció al final de un programa de investigación de dos años sobre Victory Boogie Woogie. La investigación encontró que el cuadro estaba en muy buenas condiciones y que Mondrian pintó el composición en una sola sesión. También se descubrió que Mondrian cambió radicalmente la composición poco antes de su muerte mediante el uso de pequeños trozos de cinta de colores.

Wall worksEdit

When the 47-year -el viejo Piet Mondrian se fue de los Países Bajos a París sin restricciones por segunda y última vez en 1919, se propuso de inmediato hacer de su estudio un entorno propicio para pinturas que tenía en mente que expresarían cada vez más los principios de las neoplasias ticismo sobre el que había estado escribiendo durante dos años. Para ocultar los defectos estructurales del estudio de forma rápida y económica, colocó grandes carteles rectangulares, cada uno de un solo color o tono neutro. Cuadrados y rectángulos de papel de colores más pequeños, compuestos juntos, acentuaron las paredes. Luego vino un período intenso de pintura. Nuevamente se dirigió a las paredes, reposicionando los recortes de colores, agregando a su número, alterando la dinámica del color y el espacio, produciendo nuevas tensiones y equilibrios. En poco tiempo, había establecido un horario creativo en el que un período de pintura se alternaba con un período. de reagrupar experimentalmente los papeles más pequeños en las paredes, un proceso que alimentó directamente el siguiente período de la pintura. Fue un patrón que siguió durante el resto de su vida, a través de mudanzas en tiempos de guerra desde París a Hampstead en Londres en 1938 y 1940, a través de desde el Atlántico hasta Manhattan.

A la edad de 71 años en el otoño de 1943, Mondrian se mudó a su segundo y último estudio de Manhattan en 15 East 59th Street, y se dispuso a recrear el entorno. Lo que había aprendido a lo largo de los años era muy compatible con su modesta forma de vida y más estimulante con su arte.Pintó las altas paredes del mismo blanco roto que usó en su caballete y en los asientos, mesas y estuches de almacenamiento que diseñó y fabricó meticulosamente con naranjas y manzanas desechadas. Glosó la parte superior de un taburete de metal blanco con el mismo rojo primario brillante que aplicó a la funda de cartón que hizo para el radiofonógrafo que derramaba su amado jazz de discos muy viajados. Los visitantes de este último estudio rara vez vieron más de uno o dos lienzos nuevos, pero encontraron, a menudo para su asombro, que ocho grandes composiciones de trozos de papel de colores que él había pegado y vuelto a pegar en las paredes en relaciones cambiantes constituían juntos un ambiente que, paradójica y simultáneamente, era cinético y sereno, estimulante y reparador. Mondrian dijo que era el mejor espacio que había habitado. Estuvo allí solo unos meses, ya que murió en febrero de 1944.

Después de su muerte, el amigo y patrocinador de Mondrian en Manhattan, el artista Harry Holtzman y otro amigo pintor, Fritz Glarner, documentaron cuidadosamente el estudio en película y en fotografías antes de abrirlo al público para una exposición de seis semanas. Antes de desmantelar el estudio, Holtzman (que también era el heredero de Mondrian) trazó las composiciones de la pared con precisión, preparó facsímiles portátiles exactos del espacio cada uno había ocupado y colocado en cada uno de los componentes originales supervivientes. Estas composiciones portátiles de Mondrian se conocen como «The Wall Works». Desde la muerte de Mondrian, se han exhibido dos veces en el Museo de Arte Moderno de Manhattan (1983 y 1995–96), una vez en SoHo en la Carpenter + Hochman Gallery (1984), una vez en la Galerie Tokoro en Tokio, Japón. (1993), la XXII Bienal de Sao Paulo (1994), la Universidad de Michigan (1995) y, por primera vez en Europa, en la Akademie der Künste (Academia de las Artes), en Berlín (22 de febrero – 22 Abril de 2007).