Nederländerna (1872–1911) Redigera

Mondrian föddes i Amersfoort, provinsen Utrecht i Nederländerna, den andra av hans föräldrars ”barn. Han härstammade från Christian Dirkzoon Monderyan som bodde i Haag redan 1670. Familjen flyttade till Winterswijk när hans far, Pieter Cornelius Mondrian, utsågs till rektor vid en lokal grundskola. Mondrian introducerades till konst från en tidig ålder. Hans far var en kvalificerad ritlärare och tillsammans med sin farbror Fritz Mondrian (en elev av Willem Maris från Haagskolan för konstnärer) målade och ritade den yngre Piet ofta längs floden Gein.

Efter en strikt protestantisk uppfostran 1892 gick Mondrian in i Akademin för konst i Amsterdam. Han var redan kvalificerad som lärare. Han började sin karriär som lärare i grundutbildningen, men han tränade också målning. Det mesta av hans arbete från denna period är naturalistiskt eller impressionistiskt och består till stor del av landskap. Dessa pastorala bilder av hans hemland visar väderkvarnar, åkrar och floder, ursprungligen på det holländska impressionistiska sättet i Haagskolan och sedan i en mängd olika stilar och tekniker som intygar hans sökande efter en personlig stil. Dessa målningar är representativa och illustrerar det inflytande som olika konstnärliga rörelser hade på Mondrian, inklusive pointillism och Fauvismens levande färger.

Utställningsvis i Gemeentemuseum Den Haag finns ett antal målningar från denna period, inklusive sådana postimpressionistiska verk som The Red Mill and Trees in Moonrise. En annan målning, Evening (Avond) (1908), som visar ett träd i ett fält i skymningen, ökar till och med framtida utveckling genom att använda en palett som nästan helt består av rött, gult och blått. Även om Avond bara är begränsat abstrakt, är det den tidigaste Mondrian-målningen som betonar primärfärger.

Mondrians tidigaste målningar som visar en viss grad av abstraktion är en serie dukar från 1905 till 1908 som visar svaga scener av otydliga träd och hus som återspeglas i stillastående vatten. Även om resultatet får betraktaren att börja fokusera på formerna över innehållet, är dessa målningar fortfarande stadigt rotade i naturen, och det är bara kunskapen om Mondrians senare framgångar som leder till att man i dessa verk söker efter rötterna för hans framtida abstraktion.

Mondrians konst var nära relaterad till hans andliga och filosofiska studier. 1908 , blev han intresserad av den teosofiska rörelsen som lanserades av Helena Petrovna Blavatsky i slutet av 1800-talet och i 1909 gick han med i den nederländska grenen av Theosophical Society. Arbetet med Blavatsky och en parallell andlig rörelse, Rudolf Steiners antroposofi, påverkade avsevärt den fortsatta utvecklingen av hans estetik. Blavatsky trodde att det var möjligt att uppnå en djupare kunskap om naturen än den som tillhandahålls med empiriska medel och mycket av Mondrian ”Arbetet för resten av sitt liv inspirerades av hans sökande efter den andliga kunskapen. 1918 skrev han ”Jag fick allt från den hemliga doktrinen”, med hänvisning till en bok skriven av Blavatsky. År 1921, i ett brev till Steiner, hävdade Mondrian att hans neoplasticism var ”konsten att den överskådliga framtiden för alla sanna antroposofer och teosofer”. Han förblev en engagerad teosof under de efterföljande åren, även om han också trodde att hans egen konstnärliga ström, neoplasticism, så småningom skulle bli en del av en större, ekumenisk andlighet.

Mondrian och hans senare arbete påverkades djupt av 1911 Moderne Kunstkring utställning om kubism i Amsterdam. Hans sökande efter förenkling visas i två versioner av Still Life with Ginger Pot (Stilleven met Gemberpot). 1911-versionen är kubistisk; i 1912-versionen reduceras objekten till en rund form med trianglar och rektanglar.

Paris (1911–1914) Redigera

1911 flyttade Mondrian till Paris och bytte namn och släppte ett ”a” från Mondrian för att betona hans avgång från Nederländerna, och hans integration inom den parisiska avantgarden. Medan han var i Paris uppträdde inflytandet av den kubistiska stilen av Pablo Picasso och Georges Braque nästan omedelbart i Mondrians verk. Målningar som The Sea (1912) och hans olika studier av träd från det året innehåller fortfarande ett mått på representation, men , i allt högre grad domineras de av geometriska former och sammankopplade plan. Medan Mondrian var angelägen om att absorbera det kubistiska inflytandet i sitt arbete, verkar det tydligt att han såg kubismen som en ”anlöpshamn” på sin konstnärliga resa snarare än som en destination .

Nederländerna (1914–1918) Redigera

Till skillnad från kubisterna försökte Mondrian fortfarande att förena sin målning med sina andliga syften, och 1913 började han smälta samman sin konst och sin teosofiska studier om en teori som signalerade hans sista paus från representationsmålning. Medan Mondrian besökte Nederländerna 1914 började första världskriget och tvingade honom att stanna kvar under konflikten. Under denna period stannade han på Laren-konstnärerna ” kolon y, där han träffade Bart van der Leck och Theo van Doesburg, som båda genomgick sina egna personliga resor mot abstraktion. Van der Lecks användning av endast primära färger i hans konst påverkade starkt Mondrian. Efter ett möte med Van der Leck 1916 skrev Mondrian, ”Min teknik som var mer eller mindre kubistisk, och därför mer eller mindre bildlig, kom under påverkan av hans exakta metod. ”Med Van Doesburg grundade Mondrian De Stijl (The Style), en tidskrift för De Stijl Group, där han först publicerade uppsatser som definierade sin teori, som han kallade neoplasticism.

Mondrian publicerade ”De Nieuwe Beelding in de schilderkunst” (”Den nya plasten i måleri”) i tolv delar under 1917 och 1918. Detta var hans första stora försök att uttrycka sin konstnärliga teori skriftligen. Mondrians bästa och oftast citerade uttrycket för denna teori kommer dock från ett brev som han skrev till HP Bremmer 1914:

Jag konstruerar linjer och färgkombinationer på en plan yta, i för att uttrycka allmän skönhet med största medvetenhet. Naturen (eller det som jag ser) inspirerar mig, sätter mig, som med alla målare, i ett känslomässigt tillstånd så att en lust kommer till att skapa något, men jag vill komma så nära sanningen som möjligt och abstrakt allt från att tills jag når grunden (fortfarande bara en extern grund!) av saker … Jag tror att det är möjligt att, genom horisontella och vertikala linjer konstruerade med medvetenhet, men inte med beräkning, ledd av hög intuition och bringas till harmoni och rytm kan dessa grundläggande former av skönhet, kompletteras vid behov av andra direkta linjer eller kurvor, bli ett konstverk, så starkt som det är sant.

Paris (1918–1938) Redigera

När första världskriget slutade 1918 återvände Mondrian till Frankrike, där han skulle stanna fram till 1938. Fördjupad i Paris-efterkrigstidens kultur av konstnärlig innovation, blomstrade han och omfamnade helt konsten att ren abstraktion under resten av sitt liv. Mondrian började producera nätbaserade målningar i slutet av 1919, och 1920 började den stil som han blev känd för.

I de tidiga målningarna av denna stil är linjerna som avgränsar de rektangulära formerna relativt tunna och de är gråa, inte svarta. Linjerna tenderar också t o bleknar när de närmar sig kanten av målningen, snarare än att stoppa plötsligt. Själva formerna, mindre och fler än i senare målningar, är fyllda med primära färger, svart eller grå, och nästan alla är färgade; bara ett fåtal är kvar vita.

Under slutet av 1920 och 1921 anländer Mondrians målningar till vad som är tillfällig observatör deras definitiva och mogna form. Tjocka svarta linjer skiljer nu formerna, som är större och färre i antal och fler av blanketterna lämnas vita.Detta var dock inte kulmen på hans konstnärliga utveckling. Även om förfiningarna blev subtilare fortsatte Mondrians arbete att utvecklas under hans år i Paris.

I målningarna från 1921 stannar många, men inte alla, de svarta linjerna kort på ett till synes godtyckligt avstånd från kanten på duken, även om skillnaderna mellan de rektangulära formerna förblir intakta. Även här förblir de rektangulära formerna mestadels färgade. När åren gick och Mondrians arbete utvecklades ytterligare började han utvidga alla linjer till kanterna på duk, och han började använda färre och färre färgade former och gynnade vit istället.

Dessa tendenser är särskilt uppenbara i ”pastiller” som Mondrian började producera med regelbundenhet i mitten av 1920-talet. ”Tabletterna” är fyrkantiga dukar lutade 45 grader, så att de har en diamantform. Typiskt för dessa är Schilderij nr 1: sugtablett med två linjer och blått (1926). En av de mest minimala av Mondrians dukar, den här målningen består endast av två svarta, vinkelräta linjer och en liten blå triangulär form. Linjerna sträcker sig hela vägen till kanfas kanter och ger nästan intrycket att målningen är en fragment av ett större verk.

Även om en syn på målningen hindras av glaset som skyddar det, och av den vägtull som ålder och hantering uppenbarligen har tagit på duken, en noggrann undersökning av denna målning börjar avslöja något av konstnärens metod. Målningen består inte av helt plana färgplan, som man kan förvänta sig. Subtila penseldrag är tydliga genomgående. Konstnären verkar ha använt olika tekniker för de olika elementen. Den svarta linjer är de plattaste elementen, med minst djup. De färgade formerna har de mest uppenbara penseldrag, alla går i en riktning. Mest intressanta är dock de vita formerna, som tydligt har målats i lager med penselstr. okes som kör i olika riktningar. Detta skapar en större känsla av djup i de vita formerna så att de verkar överväldiga linjerna och färgerna, vilket de faktiskt gjorde, eftersom Mondrians målningar under denna period blev allt mer dominerade av det vita rummet.

År 1926 besökte Katherine Dreier, medgrundare av New York Citys Society of Independent Artists (tillsammans med Marcel Duchamp och Man Ray) Piet Mondrians studio i Paris och förvärvade en av hans diamantkompositioner, Painting I Detta visades sedan under en utställning organiserad av Society of Independent Artists i Brooklyn Museum – den första stora utställningen av modern konst i Amerika sedan Armory Show. Hon uppgav i katalogen att ”Holland har producerat tre stora målare som, även om det var ett logiskt uttryck för sitt eget land, steg det över det genom sin personlighetskraft – den första var Rembrandt, den andra var Van Gogh och den tredje är Mondrian. ”

När åren gick fram, raderade började ha företräde framför former i Mo ndrians målningar. På 1930-talet började han använda tunnare linjer och dubbla linjer oftare, punkterade med några små färgade former, om någon alls. Dubbla linjer upphetsade särskilt Mondrian, för han trodde att de erbjöd sina målningar en ny dynamik som han var ivrig att utforska. Introduktionen av dubbellinjen i hans verk påverkades av hans vän och samtida Marlow Moss.

Från 1934 till 1935 ställdes tre av Mondrians målningar ut som en del av ”Abstrakt och konkret” ”utställningar i Storbritannien i Oxford, London och Liverpool.

London och New York (1938–1944) Redigera

I september 1938 lämnade Mondrian Paris inför den fascinerande utvecklingen och flyttade till London. Efter att Nederländerna invaderades och Paris föll 1940 lämnade han London till Manhattan i New York City, där han skulle stanna till sin död. Några av Mondrians senare verk är svåra att placera när det gäller hans konstnärliga utveckling eftersom det fanns en hel del dukar som han började i Paris eller London och slutfördes bara månader eller år senare på Manhattan. De färdiga verken från denna senare period är visuellt upptagen, med fler linjer än något av hans verk sedan 1920-talet, placerade i ett överlappande arrangemang som nästan är kartografiskt i utseende. Han tillbringade många långa timmar på att måla på egen hand tills händerna blåste och ibland grät eller gjorde sig sjuk.

Mondrian producerade sugtablettkomposition med fyra gula linjer (1933), en enkel målning som förnyade tjocka, färgade linjer istället för svarta. Efter den här målningen förblev denna praxis vilande i Mondrians verk tills han anlände till Manhattan, då han började omfamna den med övergivande.I några exempel på denna nya riktning, till exempel Composition (1938) / Place de la Concorde (1943), verkar han ha tagit oavslutade svartlinjemålningar från Paris och fullbordat dem i New York genom att lägga till korta vinkelräta linjer i olika färger, springer mellan de längre svarta linjerna, eller från en svart linje till kanfas kant. De nyfärgade områdena är tjocka och nästan överbryggar klyftan mellan linjer och former, och det är häpnadsväckande att se färg i en Mondrian-målning som är obegränsad av svart. Andra verk blandar långa röda linjer bland de välbekanta svarta linjerna, vilket skapar en ny djupkänsla genom att lägga till ett färgat lager ovanpå det svarta. Hans målning Komposition nr 10, 1939–1942, kännetecknad av primära färger, vit mark och svarta rutnät definierade tydligt Mondrians radikala men klassiska inställning till rektangeln.

Den 23 september 1940 lämnade Mondrian Europa för att New York ombord på Cunard White Star Lines-fartyget RMS Samaria, avgår från Liverpool. De nya dukarna som Mondrian började på Manhattan är ännu mer häpnadsväckande och indikerar början på ett nytt idiom som förkortades av konstnärens död. New York City (1942) är ett komplext galler med röda, blå och gula linjer som ibland flätas samman för att skapa en större djupkänsla än hans tidigare verk. En oavslutad version från 1941 av detta verk använder remsor av målat pappersband, som konstnären kan ordna efter eget gottfinnande för att experimentera med olika mönster.

Hans målning Broadway Boogie-Woogie (1942–43) på The Museum of Modern Art på Manhattan var mycket inflytelserik i skolan för abstrakt geometrisk målning. Stycket består av ett antal skimrande rutor med ljus färg som hoppar från duken och sedan verkar skimra och drar tittaren in i neonljusen. I den här målningen och den oavslutade Victory Boogie Woogie (1942–1944) ersatte Mondrian tidigare solida linjer med linjer skapade av små angränsande färgrektanglar, delvis skapade genom att använda små pappersremsor i olika färger. Större obegränsade rektanglar av färg punkterar designen, några med mindre koncentriska rektanglar inuti. Medan Mondrians verk från 1920- och 1930-talet tenderar att ha en nästan vetenskaplig åtstramning om dem, är det ljusa, livliga målningar som återspeglar den optimistiska musiken som inspirerade dem och staden där de skapades.

I dessa slutarbeten har formerna verkligen tagit sig över linjernas roll och öppnat ytterligare en ny dörr för Mondrians utveckling som abstraktionist. Boogie-Woogie-målningarna var uppenbarligen mer av en revolutionär förändring än en evolutionär, vilket representerade den mest djupgående utvecklingen i Mondrians verk sedan han övergav sin representationskonst 1913.

2008 tog det nederländska TV-programmet Andere Tijden hittade det enda kända filmfilmet med Mondrian. Upptäckten av filmfilmerna tillkännagavs i slutet av ett tvåårigt forskningsprogram om Victory Boogie Woogie. Forskningen visade att målningen var i mycket gott skick och att Mondrian målade komposition i en session. Det konstaterades också att kompositionen ändrades radikalt av Mondrian strax före hans död genom att använda små bitar färgat tejp.

Wall worksEdit

When the 47-year -gammal Piet Mondrian lämnade Nederländerna för obegränsat Paris för andra och sista gången 1919, han började genast göra sin ateljé till en vårdande miljö för målningar som han hade i åtanke som i allt högre grad skulle uttrycka neoplas principer ticism som han hade skrivit om i två år. För att dölja studioens strukturella brister snabbt och billigt, tackade han upp stora rektangulära plakat, var och en i en färg eller neutral färg. Mindre färgade pappersfyrkanter och rektanglar, sammansatta tillsammans, betonade väggarna. Sedan kom en intensiv period av målning. Återigen vände han sig mot väggarna, placerade de färgade utskärningarna och adderade deras antal, förändrade dynamiken i färg och rymd, skapade nya spänningar och jämvikt. Snart hade han skapat ett kreativt schema där en period av målning växlade med en period att experimentellt omgruppera de mindre papperen på väggarna, en process som direkt matade nästa målningsperiod. Det var ett mönster han följde under resten av sitt liv genom krigstid från Paris till Londons Hampstead 1938 och 1940, över Atlanten till Manhattan.

Vid 71 års ålder hösten 1943 flyttade Mondrian in i sin andra och sista Manhattan-studio på East 59th Street 15 och gick på att återskapa miljön h Jag hade lärt sig genom åren var mest tillfredsställande för hans blygsamma sätt att leva och mest stimulerande för hans konst.Han målade de höga väggarna samma benvita som han använde på sitt staffli och på de sittplatser, bord och förvaringsfodral som han designade och formade noggrant från kasserade apelsin- och äppelkasser. Han glansade toppen av en vit metallpall i samma lysande primärröd som han applicerade på pappmanteln som han gjorde för radiofonografen som spillte fram sin älskade jazz från välbesökta skivor. Besökare i den här sista studion såg sällan mer än en eller två nya dukar, men upptäckte, ofta till sin förvåning, att åtta stora kompositioner av färgade pappersbitar han hade klistrat och omklistrat på väggarna i ständigt föränderliga relationer utgjorde tillsammans en miljö som paradoxalt och samtidigt var både kinetisk och lugn, stimulerande och vilsam. Det var det bästa utrymmet, sade Mondrian, att han hade bott. Han var där bara några månader, eftersom han dog i februari 1944.

Efter sin död dokumenterade Mondrians vän och sponsor på Manhattan, konstnären Harry Holtzman och en annan målarvän, Fritz Glarner, noggrant studion på film och på stillbilder innan han öppnade den för allmänheten för en sex veckors utställning. Innan demonteringen av studion spårade Holtzman (som också var Mondrians arving) väggkompositionerna exakt, förberedde exakt bärbara faksimiler av utrymmet vardera hade ockuperat och fäst på var och en de ursprungliga överlevande utskurna komponenterna. Dessa bärbara Mondrian-kompositioner har blivit kända som ”The Wall Works”. Sedan Mondrians död har de ställts ut två gånger på Manhattans Museum of Modern Art (1983 och 1995–96), en gång i SoHo på Carpenter + Hochman Gallery (1984), en gång i Galerie Tokoro i Tokyo, Japan (1993), XXII-biennalen i Sao Paulo (1994), University of Michigan (1995), och – för första gången visad i Europa – vid Akademie der Künste (Academy of the Arts), i Berlin (22 februari – 22 April 2007).