Holandia (1872–1911) Edytuj

Mondrian urodził się w Amersfoort, w prowincji Utrecht w Holandii, drugie z dzieci jego rodziców. Pochodził od Christiana Dirkzoon Monderyana, który mieszkał w Hadze już w 1670 roku. Rodzina przeniosła się do Winterswijk, kiedy jego ojciec, Pieter Cornelius Mondrian, został dyrektorem miejscowej szkoły podstawowej. Mondrian poznał sztukę od najmłodszych lat. Jego ojciec był wykwalifikowanym nauczycielem rysunku, a wraz ze swoim wujem Fritzem Mondrianem (uczniem Willema Marisa ze Szkoły Artystów w Hadze) młodszy Piet często malował i rysował wzdłuż rzeki Gein.

Po surowe wychowanie protestanckie, w 1892 roku Mondrian wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Amsterdamie. Był już nauczycielem. Karierę rozpoczął jako nauczyciel w szkole podstawowej, ale zajmował się także malarstwem. Większość jego prac z tego okresu ma charakter naturalistyczny lub impresjonistyczny i składa się głównie z krajobrazów. Te duszpasterskie obrazy jego rodzinnego kraju przedstawiają wiatraki, pola i rzeki, początkowo w stylu holenderskiego impresjonizmu ze szkoły haskiej, a następnie w różnych stylach i technikach, które świadczą o jego poszukiwaniu osobistego stylu. Te obrazy są reprezentatywne i ilustrują wpływ, jaki różne ruchy artystyczne wywarły na Mondriana, w tym pointylizm i żywe kolory fowizmu.

W Gemeentemuseum Den Haag znajduje się wiele obrazów z tego okresu, w tym takie postimpresjonistyczne dzieła, jak Czerwony młyn i Drzewa na wschodzie księżyca. Inny obraz, Wieczór (Avond) (1908), przedstawiający drzewo na polu o zmierzchu, nawet zapowiada przyszły rozwój, używając palety składającej się prawie wyłącznie z czerwieni, żółci i błękitu. Chociaż Avond jest tylko w ograniczonym stopniu abstrakcyjny, jest to najwcześniejszy obraz Mondriana, który podkreślał kolory podstawowe.

Najwcześniejsze obrazy Mondriana przedstawiające stopień abstrakcja to seria płócien z lat 1905–1908, przedstawiających mgliste sceny niewyraźnych drzew i domów odbijających się w stojącej wodzie. Chociaż rezultat prowadzi widza do skupienia się na formach nad treścią, obrazy te są nadal mocno zakorzenione w naturze i dopiero znajomość późniejszych osiągnięć Mondriana prowadzi do poszukiwania w tych pracach korzeni jego przyszłej abstrakcji.

Sztuka Mondriana była ściśle związana z jego studiami duchowymi i filozoficznymi. W 1908 roku zainteresował się ruchem teozoficznym zapoczątkowanym przez Helenę Pietrownę Bławatską pod koniec XIX wieku oraz 1909 wstąpił do holenderskiego oddziału Towarzystwa Teozoficznego. Dzieło Blavatsky’ego i równoległy ruch duchowy, antropozofia Rudolfa Steinera, znacząco wpłynęły na dalszy rozwój jego estetyki. Blavatsky uważał, że możliwe jest uzyskanie głębszej wiedzy o naturze niż ta dostarczona środkami empirycznymi i znaczną częścią Mondriana Jego praca do końca życia była inspirowana jego poszukiwaniem duchowej wiedzy. W 1918 roku napisał „Wszystko wyciągnąłem z Tajnej Doktryny”, odnosząc się do książki napisanej przez Bławatskiego. W 1921 r. W liście do Steinera Mondrian przekonywał, że jego neoplastycyzm jest „sztuką dającej się przewidzieć przyszłości dla wszystkich prawdziwych antropozofów i teozofów”. W następnych latach pozostał oddanym teozofem, choć wierzył również, że jego własny nurt artystyczny, neoplastycyzm, stanie się ostatecznie częścią większej, ekumenicznej duchowości.

Moderne Kunstkring wystawa kubizmu w Amsterdamie. Jego poszukiwania uproszczeń ukazują dwie wersje Martwa natura z imbirem garnkiem (Stilleven met Gemberpot). Wersja z 1911 roku jest kubistyczna; w wersji z 1912 roku obiekty zostały zredukowane do okrągłego kształtu z trójkątami i prostokątami.

Paryż (1911–1914) Edytuj

W 1911 roku Mondrian przeniósł się do Paryża i zmienił nazwisko, odrzucając „a” od Mondrian, aby podkreślić swój wyjazd z Holandii, i jego integracja z paryską awangardą. Podczas pobytu w Paryżu wpływ kubizmu Pabla Picassa i Georges’a Braque’a pojawił się niemal natychmiast w pracach Mondriana. Obrazy takie jak Morze (1912) i jego różne badania drzew z tego roku wciąż zawierają pewną dozę reprezentacji, ale coraz częściej zdominowane są przez geometryczne kształty i zazębiające się płaszczyzny. Chociaż Mondrian był chętny do absorbowania wpływów kubizmu w swoich pracach, wydaje się jasne, że postrzegał kubizm jako „port zawinięcia” swojej artystycznej podróży, a nie jako cel .

Holandia (1914–1918) Edytuj

W przeciwieństwie do kubistów, Mondrian nadal próbował pogodzić swoje malarstwo ze swoimi duchowymi zajęciami, aw 1913 roku zaczął łączyć swoją sztukę z teozofią studiuje teorię, która zasygnalizowała jego ostatnie zerwanie z malarstwem przedstawiającym. Kiedy Mondrian odwiedzał Holandię w 1914 roku, rozpoczęła się I wojna światowa, zmuszając go do pozostania tam na czas trwania konfliktu. W tym okresie przebywał u artystów z Laren ”. dwukropek y, gdzie poznał Barta van der Lecka i Theo van Doesburga, którzy obaj przechodzili własne, osobiste podróże w kierunku abstrakcji. Wykorzystanie przez Van der Lecka tylko podstawowych kolorów w jego sztuce wywarło wielki wpływ na Mondriana. Po spotkaniu z Van der Leckiem w 1916 roku Mondrian napisał: „Moja technika, która była mniej lub bardziej kubistyczna, a zatem mniej lub bardziej obrazowa, znalazła się pod wpływ jego precyzyjnej metody. ”Wraz z Van Doesburgiem Mondrian założył De Stijl (The Style), czasopismo grupy De Stijl, w którym po raz pierwszy opublikował eseje określające jego teorię, którą nazwał neoplastycyzmem.

Mondrian opublikował „De Nieuwe Beelding in de schilderkunst” („Nowy plastik w malarstwie”) w dwunastu odcinkach w latach 1917 i 1918. Była to jego pierwsza poważna próba wyrażenia swojej teorii artystycznej na piśmie. Najlepsze i najczęściej cytowane wyrażenie tej teorii pochodzi jednak z listu, który napisał do HP Bremmer w 1914 roku:

Konstruuję linie i kombinacje kolorów na płaskiej powierzchni, w aby z jak największą świadomością wyrazić ogólne piękno. Natura (lub to, co widzę) mnie inspiruje, wprawia mnie, jak każdego malarza, w stan emocjonalny, w którym pojawia się chęć zrobienia czegoś, ale chcę zbliżyć się jak najbliżej prawdy i abstrahować wszystko od że dopóki nie dotrę do fundamentu (wciąż tylko zewnętrznego fundamentu!) rzeczy… wierzę, że możliwe jest, że poprzez poziome i pionowe linie konstruowane ze świadomością, ale nie kalkulacją, kierowane wysoką intuicją i doprowadzone do harmonii i rytmu te podstawowe formy piękna, uzupełnione w razie potrzeby innymi bezpośrednimi liniami lub krzywiznami, mogą stać się dziełem sztuki, tak silnym, jak to prawda.

Paryż (1918–1938) Edytuj

Po zakończeniu I wojny światowej w 1918 roku Mondrian wrócił do Francji, gdzie pozostał do 1938 roku. Zanurzony w powojennej paryskiej kulturze artystycznej innowacji, rozkwitł i do końca życia w pełni przyswoił sobie sztukę czystej abstrakcji. Mondrian zaczął tworzyć obrazy oparte na siatce pod koniec 1919 roku, aw 1920 roku zaczął pojawiać się styl, z którego stał się sławny.

We wczesnych obrazach tego stylu linie wyznaczające prostokątne formy są stosunkowo cienkie i są szare, a nie czarne. Linie również mają tendencję do t o zanikają, gdy zbliżają się do krawędzi obrazu, zamiast nagle się zatrzymywać. Same formy, mniejsze i liczniejsze niż w późniejszych obrazach, są wypełnione kolorami podstawowymi, czarnymi lub szarymi, a prawie wszystkie z nich są kolorowe; tylko kilka pozostaje białych.

Pod koniec 1920 i 1921 roku obrazy Mondriana docierają do tego, co dla zwykłych obserwatorów jest ostateczną i dojrzałą formą. Grube czarne linie oddzielają teraz formy, które są większe i mniej i więcej formularzy pozostaje białych.Nie była to jednak kulminacja jego artystycznej ewolucji. Chociaż udoskonalenia stały się subtelniejsze, prace Mondriana nadal ewoluowały podczas jego lat spędzonych w Paryżu.

Na obrazach z 1921 roku wiele czarnych linii, choć nie wszystkie, zatrzymuje się w pozornie arbitralnej odległości od krawędzi płótna, chociaż podziały między prostokątnymi formami pozostają nienaruszone. Tutaj również prostokątne formy pozostają w większości kolorowe. W miarę upływu lat i dalszego rozwoju pracy Mondriana zaczął rozciągać wszystkie linie do krawędzi płótno i zaczął używać coraz mniej kolorowych form, zamiast tego faworyzował biel.

Te tendencje są szczególnie widoczne w pracach „rombów”, które Mondrian zaczął regularnie tworzyć w połowie lat dwudziestych. Obrazy „romb” to kwadratowe płótna pochylone pod kątem 45 stopni, dzięki czemu mają kształt rombu. Typowym z nich jest Schilderij nr 1: Lozenge With Two Lines and Blue (1926). Jeden z najbardziej minimalnych płócien Mondriana, ten obraz składa się tylko z dwóch czarnych, prostopadłych linii i małej niebieskiej trójkątnej formy. Linie rozciągają się aż do krawędzi płótna, niemal sprawiając wrażenie, że obraz jest fragment większego dzieła.

Chociaż oglądanie obrazu jest utrudnione przez chroniące go szkło i przez żniwo, jakie wiek i obchodzenie się z nim najwyraźniej odbiły na płótnie, dokładne przyjrzenie się temu obrazowi zaczyna odsłaniać coś z metody artysty. Obraz nie składa się z idealnie płaskich płaszczyzn koloru, jak można by się spodziewać. Subtelne pociągnięcia pędzla są widoczne w całym tekście. Wydaje się, że artysta użył różnych technik dla różnych elementów. Czarny linie to najbardziej płaskie elementy, o najmniejszej głębi. Kolorowe formy mają najbardziej wyraźne pociągnięcia pędzla, wszystkie biegną w jednym kierunku. Najciekawsze są jednak białe formy, które wyraźnie zostały pomalowane warstwami za pomocą pędzla okes biegnący w różnych kierunkach. Stwarza to większe poczucie głębi w białych formach, tak że wydają się przytłaczać linie i kolory, co rzeczywiście robili, ponieważ obrazy Mondriana z tego okresu zaczęły być coraz bardziej zdominowane przez białą przestrzeń.

W 1926 roku Katherine Dreier, współzałożycielka nowojorskiego Society of Independent Artists (wraz z Marcelem Duchampem i Man Rayem), odwiedziła pracownię Pieta Mondriana w Paryżu i nabyła jedną z jego diamentowych kompozycji, Painting I Zostało to następnie pokazane na wystawie zorganizowanej przez Society of Independent Artists w Brooklyn Museum – pierwszej dużej wystawie sztuki współczesnej w Ameryce od czasu Armoury Show. W katalogu stwierdziła, że „Holland wyprodukowała trzech wielkich malarzy, którzy: choć logicznym wyrazem własnego kraju, wzrósł ponad to dzięki wigorowi ich osobowości – pierwszym był Rembrandt, drugim Van Gogh, a trzecim Mondrian. ”

W miarę upływu lat linie zaczął mieć pierwszeństwo przed formami w Mo obrazy ndriana. W latach trzydziestych zaczął częściej używać cieńszych i podwójnych linii, przerywanych kilkoma małymi kolorowymi formami, jeśli w ogóle. Podwójne linie szczególnie ekscytowały Mondriana, ponieważ wierzył, że nadają jego obrazom nowy dynamizm, który chętnie zgłębiał. Na wprowadzenie podwójnej linii w jego twórczości miała wpływ twórczość jego przyjaciela i współczesnego Marlowa Mossa.

W latach 1934-1935 trzy obrazy Mondriana były wystawiane w ramach wystawy „Abstrakcje i konkret „wystawy w Wielkiej Brytanii w Oksfordzie, Londynie i Liverpoolu.

Londyn i Nowy Jork (1938–1944) Edytuj

We wrześniu 1938 roku Mondrian opuścił Paryż w obliczu postępującego faszyzmu i przeniósł się do Londynu. Po najechaniu Holandii i upadku Paryża w 1940 roku opuścił Londyn na Manhattan w Nowy Jork, w którym miał pozostać aż do śmierci. Niektóre późniejsze prace Mondriana są trudne do umiejscowienia pod względem jego rozwoju artystycznego, ponieważ było sporo płócien, na których zaczynał Paryż lub Londyn i ukończono dopiero kilka miesięcy lub lat później na Manhattanie. Ukończone prace z tego późniejszego okresu są wizualnie zajęte, mają więcej linii niż jakiekolwiek jego prace od lat dwudziestych XX wieku, umieszczone w nakładającym się układzie, który ma wygląd niemal kartograficzny. Spędził wiele godzin na samodzielnym malowaniu, aż w jego rękach pojawiły się pęcherze. Czasami płakał lub robił się niedobry.

Mondrian wyprodukował kompozycję Lozenge With Four Yellow Lines (1933), prosty obraz, który wprowadził innowacyjny gruby, kolorowy linie zamiast czarnych. Po tym jednym obrazie praktyka ta pozostawała uśpiona w pracy Mondriana, aż do przybycia na Manhattan, kiedy to zaczął ją przyjmować z zapałem.W niektórych przykładach tego nowego kierunku, takich jak Composition (1938) / Place de la Concorde (1943), wydaje się, że wziął niedokończone czarne obrazy z Paryża i ukończył je w Nowym Jorku, dodając krótkie prostopadłe linie w różnych kolorach, biegnącą między dłuższymi czarnymi liniami lub od czarnej linii do krawędzi płótna. Nowo pokolorowane obszary są grube, prawie wypełniając lukę między liniami i formami, i zaskakujące jest widzieć kolor na obrazie Mondriana, który nie jest ograniczony czernią. Inne prace mieszają długie linie czerwieni pośród znanych czarnych linii, tworząc nowe poczucie głębi poprzez dodanie kolorowej warstwy na czarną. Jego malarstwo Kompozycja nr 10, 1939–1942, charakteryzująca się podstawową kolorystyką, białym tłem i czarnymi liniami siatki, wyraźnie definiowała radykalne, ale klasyczne podejście Mondriana do prostokąta.

23 września 1940 Mondrian opuścił Europę Nowy Jork na pokładzie statku Cunard White Star Lines RMS Samaria, wypływającego z Liverpoolu. Nowe płótna, które Mondrian rozpoczął na Manhattanie, są jeszcze bardziej zaskakujące i wskazują na początek nowego idiomu, który został przerwany przez śmierć artysty. New York City (1942) to złożona sieć czerwonych, niebieskich i żółtych linii, które czasami przeplatają się, aby stworzyć większe poczucie głębi niż jego poprzednie prace. Niedokończona wersja tej pracy z 1941 roku wykorzystuje paski pomalowanej taśmy papierowej, które artysta może dowolnie zmieniać, aby eksperymentować z różnymi projektami.

Jego obraz Broadway Boogie-Woogie (1942–43) w Muzeum Sztuki Nowoczesnej na Manhattanie był bardzo wpływowy w szkole abstrakcyjnego malarstwa geometrycznego. Utwór składa się z wielu błyszczących kwadratów o jasnym kolorze, które wyskakują z płótna, a następnie wydają się migotać, wciągając widza w te neony. W tym obrazie i niedokończonym Victory Boogie Woogie (1942–1944), Mondrian zastąpił dawne ciągłe linie liniami utworzonymi z małych sąsiednich kolorowych prostokątów, utworzonych częściowo za pomocą małych kawałków taśmy papierowej w różnych kolorach. Większe, nieograniczone prostokąty w kolorze podkreślają wzór, niektóre z mniejszymi koncentrycznymi prostokątami w środku. Chociaż prace Mondriana z lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku mają w sobie niemal naukowy surowość, są to jasne, żywe obrazy, odzwierciedlające optymistyczną muzykę, która ich zainspirowała i miasto, w którym zostały wykonane.

W tych końcowych pracach formy rzeczywiście przywłaszczyły sobie rolę linii, otwierając kolejne nowe drzwi dla rozwoju Mondriana jako abstrakcjonisty. Obrazy Boogie-Woogie były wyraźnie bardziej rewolucyjną zmianą niż ewolucyjną, reprezentując najgłębszy rozwój w twórczości Mondriana od czasu jego porzucenia sztuki reprezentacyjnej w 1913 roku.

W 2008 roku holenderski program telewizyjny Andere Tijden znalazł jedyny znany materiał filmowy z Mondrianem. Odkrycie materiału filmowego zostało ogłoszone pod koniec dwuletniego programu badawczego dotyczącego Victory Boogie Woogie. Badania wykazały, że obraz był w bardzo dobrym stanie, a Mondrian namalował Stwierdzono również, że na krótko przed śmiercią Mondrian zmienił kompozycję radykalnie za pomocą małych kawałków kolorowej taśmy.

Prace ścienneEdytuj

Kiedy 47-letni – stary Piet Mondrian po raz drugi i ostatni opuścił Holandię i udał się do nieskrępowanego Paryża w 1919 roku, od razu postanowił uczynić swoją pracownię środowiskiem pielęgnacyjnym dla obrazów, które miał na myśli, które w coraz większym stopniu wyrażałyby zasady neoplasu tycyzm, o którym pisał przez dwa lata. Aby szybko i niedrogo ukryć wady konstrukcyjne pracowni, przykleił duże prostokątne plakaty, każdy w jednym kolorze lub w neutralnym odcieniu. Mniejsze kwadraty i prostokąty z kolorowego papieru, zestawione razem, akcentowały ściany. Potem nastąpił intensywny okres malowania. Ponownie zwrócił się do ścian, zmieniając położenie kolorowych wycinanek, zwiększając ich liczbę, zmieniając dynamikę koloru i przestrzeni, tworząc nowe napięcia i równowagę. Wkrótce ustalił twórczy harmonogram, w którym okres malowania zmieniał się z okresem eksperymentalnego przegrupowania mniejszych papierów na ścianach, procesu, który bezpośrednio zasilił następny okres malowania. Był to wzór, którym podążał do końca życia, podczas wojennych ruchów z Paryża do londyńskiego Hampstead w 1938 i 1940 r. Atlantyk na Manhattan.

Jesienią 1943 roku w wieku 71 lat Mondrian przeprowadził się do swojego drugiego i ostatniego studia na Manhattanie przy 15 East 59th Street i zaczął odtwarzać środowisko Przez lata nauczył się, że jest najbardziej odpowiedni dla jego skromnego stylu życia i najbardziej stymulujący dla jego sztuki.Pomalował wysokie ściany na ten sam kolor złamanej bieli, który użył na sztalugach, siedzeniach, stołach i skrzyniach, które zaprojektował i skrupulatnie wykonał z wyrzuconych pomarańczowych i jabłkowych skrzynek. Wierzchołek białego metalowego stołka nabłyszczał tą samą jaskrawą czerwienią, którą nałożył na tekturową pochwę, którą zrobił dla radiofonografu, z którego wylewał się jego ukochany jazz z popularnych płyt. Odwiedzający tę ostatnią pracownię rzadko widzieli więcej niż jedno lub dwa nowe płótna, ale stwierdzili, często ku ich zdumieniu, że osiem dużych kompozycji kolorowych kawałków papieru, które przykleił i ponownie przymocował do ścian w ciągle zmieniających się relacjach, tworzyło razem środowisko, które paradoksalnie i jednocześnie było zarówno kinetyczne, jak i spokojne, stymulujące i relaksujące. To najlepsze miejsce, powiedział Mondrian, jakie zamieszkiwał. Był tam tylko kilka miesięcy, ponieważ zmarł w lutym 1944 roku.

Po jego śmierci przyjaciel i sponsor Mondriana na Manhattanie, artysta Harry Holtzman i inny przyjaciel malarza, Fritz Glarner, dokładnie udokumentowali studio na filmie i na zdjęciach przed otwarciem dla publiczności na sześciotygodniową wystawę. Przed demontażem studia Holtzman (który był również spadkobiercą Mondriana) precyzyjnie prześledził kompozycje ścienne, przygotował dokładne przenośne faksymile przestrzeni. zajęte i przymocowane do każdego oryginalnego ocalałego wyciętego elementu. Te przenośne kompozycje Mondriana stały się znane jako „The Wall Works”. Od śmierci Mondriana były dwukrotnie wystawiane w Muzeum Sztuki Nowoczesnej na Manhattanie (1983 i 1995–96), raz w SoHo w Carpenter + Hochman Gallery (1984), raz w Galerie Tokoro w Tokio, Japonia (1993), XXII Biennale w Sao Paulo (1994), University of Michigan (1995) oraz – po raz pierwszy w Europie – w Akademie der Künste (Academy of The Arts) w Berlinie (22 lutego – 22 Kwiecień 2007).