Niederlande (1872–1911) Bearbeiten

Mondrian wurde in Amersfoort, Provinz Utrecht in den Niederlanden, geboren. das zweite der Kinder seiner Eltern. Er stammte von Christian Dirkzoon Monderyan ab, der bereits 1670 in Den Haag lebte. Die Familie zog nach Winterswijk, als sein Vater, Pieter Cornelius Mondrian, zum Schulleiter einer örtlichen Grundschule ernannt wurde. Mondrian wurde schon früh in die Kunst eingeführt. Sein Vater war ausgebildeter Zeichenlehrer, und mit seinem Onkel Fritz Mondrian (einem Schüler von Willem Maris von der Haager Künstlerschule) malte und zeichnete der jüngere Piet oft entlang des Flusses Gein.

Danach Als streng protestantische Erziehung trat Mondrian 1892 in die Akademie der bildenden Künste in Amsterdam ein. Er war bereits als Lehrer qualifiziert. Er begann seine Karriere als Grundschullehrer, übte aber auch Malerei. Die meisten seiner Arbeiten aus dieser Zeit sind naturalistisch oder impressionistisch und bestehen größtenteils aus Landschaften. Diese pastoralen Bilder seines Heimatlandes zeigen Windmühlen, Felder und Flüsse, zunächst in der niederländischen impressionistischen Art der Haager Schule und dann in einer Vielzahl von Stilen und Techniken, die seine Suche nach einem persönlichen Stil bestätigen. Diese Bilder sind gegenständlich und veranschaulichen den Einfluss, den verschiedene künstlerische Bewegungen auf Mondrian hatten, einschließlich des Pointillismus und der lebendigen Farben des Fauvismus.

Im Gemeentemuseum Den Haag sind einige Gemälde aus dieser Zeit ausgestellt. darunter postimpressionistische Werke wie The Red Mill und Trees in Moonrise. Ein anderes Gemälde, Evening (Avond) (1908), das einen Baum auf einem Feld in der Abenddämmerung darstellt, deutet sogar auf zukünftige Entwicklungen hin, indem es eine Palette verwendet, die fast ausschließlich aus Rot, Gelb und Blau besteht. Obwohl Avond nur begrenzt abstrakt ist, ist es das früheste Mondrian-Gemälde, das Primärfarben hervorhebt.

Mondrians früheste Gemälde zeigen einen gewissen Grad an Abstraktion ist eine Reihe von Leinwänden von 1905 bis 1908, die dunkle Szenen von undeutlichen Bäumen und Häusern zeigen, die sich in stillem Wasser spiegeln. Obwohl das Ergebnis den Betrachter dazu veranlasst, sich auf die Formen über den Inhalt zu konzentrieren, sind diese Gemälde immer noch fest in der Natur verwurzelt Nur das Wissen über Mondrians spätere Errungenschaften führt dazu, dass man in diesen Werken nach den Wurzeln seiner zukünftigen Abstraktion sucht.

Mondrians Kunst war eng mit seinen spirituellen und philosophischen Studien verbunden. 1908 interessierte er sich für die theosophische Bewegung, die Helena Petrovna Blavatsky Ende des 19. Jahrhunderts ins Leben gerufen hatte 1909 trat er dem niederländischen Zweig der Theosophischen Gesellschaft bei. Die Arbeit von Blavatsky und eine parallele spirituelle Bewegung, Rudolf Steiners Anthroposophie, beeinflussten die Weiterentwicklung seiner Ästhetik erheblich. Blavatsky glaubte, dass es möglich sei, ein tieferes Wissen über die Natur zu erlangen, als es durch empirische Mittel und einen Großteil von Mondrian möglich war „s Arbeit für den Rest seines Lebens wurde von seiner Suche nach diesem spirituellen Wissen inspiriert. 1918 schrieb er „Ich habe alles aus der Geheimlehre“ und bezog sich dabei auf ein Buch von Blavatsky. In einem Brief an Steiner argumentierte Mondrian 1921, seine Neoplastizität sei „die Kunst der absehbaren Zukunft für alle wahren Anthroposophen und Theosophen“. In den folgenden Jahren blieb er ein engagierter Theosoph, obwohl er auch glaubte, dass seine eigene künstlerische Strömung, die Neoplastik, schließlich Teil einer größeren ökumenischen Spiritualität werden würde.

Mondrian und sein späteres Werk wurden stark von 1911 beeinflusst Moderne Kunstkring Ausstellung des Kubismus in Amsterdam. Seine Suche nach Vereinfachung wird in zwei Versionen von Stillleben mit Ingwer-Topf (Stilleven traf Gemberpot) gezeigt. Die Version von 1911 ist kubistisch; In der Version von 1912 werden die Objekte auf eine runde Form mit Dreiecken und Rechtecken reduziert.

Paris (1911–1914) Bearbeiten

1911 zog Mondrian nach Paris und änderte seinen Namen, indem er ein „a“ von Mondrian fallen ließ, um seine Abreise aus den Niederlanden hervorzuheben. und seine Integration in die Pariser Avantgarde. Während seines Aufenthalts in Paris tauchte der Einfluss des kubistischen Stils von Pablo Picasso und Georges Braque fast sofort in Mondrians Werken auf. Gemälde wie The Sea (1912) und seine verschiedenen Baumstudien aus diesem Jahr enthalten jedoch immer noch ein gewisses Maß an Repräsentation Zunehmend werden sie von geometrischen Formen und ineinandergreifenden Ebenen dominiert. Während Mondrian bestrebt war, den kubistischen Einfluss in seine Arbeit aufzunehmen, scheint es klar, dass er den Kubismus auf seiner künstlerischen Reise eher als „Anlaufstelle“ als als Ziel sah .

Niederlande (1914–1918) Bearbeiten

Im Gegensatz zu den Kubisten versuchte Mondrian immer noch, seine Malerei mit seinen spirituellen Aktivitäten in Einklang zu bringen, und 1913 begann er, seine Kunst und seine theosophische zu verschmelzen Studien zu einer Theorie, die seinen endgültigen Bruch mit der gegenständlichen Malerei signalisierte. Während Mondrian 1914 die Niederlande besuchte, begann der Erste Weltkrieg und zwang ihn, dort für die Dauer des Konflikts zu bleiben. Während dieser Zeit blieb er bei den Laren-Künstlern. “ Doppelpunkt y, wo er Bart van der Leck und Theo van Doesburg traf, die beide ihre eigenen persönlichen Reisen in Richtung Abstraktion unternahmen. Van der Lecks Verwendung von nur Primärfarben in seiner Kunst hatte großen Einfluss auf Mondrian. Nach einem Treffen mit Van der Leck im Jahr 1916 schrieb Mondrian: „Meine Technik, die mehr oder weniger kubistisch und daher mehr oder weniger bildhaft war, fiel unter die Einfluss seiner präzisen Methode. „Mit Van Doesburg gründete Mondrian De Stijl (The Style), eine Zeitschrift der De Stijl Group, in der er erstmals Aufsätze veröffentlichte, in denen er seine Theorie definierte, die er Neoplastik nannte.

Mondrian veröffentlichte 1917 und 1918 in zwölf Abschnitten „De Nieuwe Beelding in de schilderkunst“ („Der neue Kunststoff in der Malerei“). Dies war sein erster großer Versuch, seine künstlerische Theorie schriftlich auszudrücken. Mondrians beste und am häufigsten zitierte Der Ausdruck dieser Theorie stammt jedoch aus einem Brief, den er 1914 an HP Bremmer schrieb:

Ich konstruiere Linien und Farbkombinationen auf einer ebenen Fläche in um allgemeine Schönheit mit größtem Bewusstsein auszudrücken. Die Natur (oder das, was ich sehe) inspiriert mich und versetzt mich wie jeden Maler in einen emotionalen Zustand, so dass der Drang entsteht, etwas zu machen, aber ich möchte der Wahrheit so nahe wie möglich kommen und alles abstrahieren das, bis ich das Fundament (immer noch nur ein externes Fundament!) der Dinge erreiche … Ich glaube, es ist möglich, dass durch horizontale und vertikale Linien, die mit Bewusstsein, aber nicht mit Berechnung konstruiert, von hoher Intuition geführt und zu Harmonie und Rhythmus gebracht werden Diese Grundformen der Schönheit, die bei Bedarf durch andere direkte Linien oder Kurven ergänzt werden, können zu einem Kunstwerk werden, so stark es auch ist.

Paris (1918–1938) Bearbeiten

ls der Erste Weltkrieg 1918 endete, kehrte Mondrian nach Frankreich zurück, wo er bis 1938 bleiben würde. Eingebettet in die Pariser Kultur der künstlerischen Innovation nach dem Krieg blühte er auf und nahm die Kunst der reinen Abstraktion für den Rest seines Lebens voll an. Mondrian begann Ende 1919 mit der Produktion von gitterbasierten Gemälden, und 1920 tauchte der Stil auf, für den er bekannt wurde.

In den frühen Gemälden dieses Stils sind die Linien, die die rechteckigen Formen abgrenzen relativ dünn, und sie sind grau, nicht schwarz. Die Linien tendieren auch t o verblassen, wenn sie sich dem Rand des Gemäldes nähern, anstatt abrupt anzuhalten. Die Formen selbst, kleiner und zahlreicher als in späteren Gemälden, sind mit Primärfarben, Schwarz oder Grau, gefüllt, und fast alle von ihnen sind farbig; nur wenige sind noch weiß.

In den späten 1920er und 1921er Jahren erreichen Mondrians Gemälde für zufällige Beobachter ihre endgültige und reife Form. Dicke schwarze Linien trennen nun die Formen, die größer und größer sind weniger in der Anzahl, und mehr der Formen bleiben weiß.Dies war jedoch nicht der Höhepunkt seiner künstlerischen Entwicklung. Obwohl die Verfeinerungen subtiler wurden, entwickelte sich Mondrians Arbeit während seiner Jahre in Paris weiter.

In den Gemälden von 1921 bleiben viele, wenn auch nicht alle schwarzen Linien in einem scheinbar willkürlichen Abstand von der Rand der Leinwand, obwohl die Trennlinien zwischen den rechteckigen Formen intakt bleiben. Auch hier bleiben die rechteckigen Formen meist farbig. Im Laufe der Jahre und als sich Mondrians Arbeit weiterentwickelte, begann er, alle Linien bis zu den Rändern der Leinwand auszudehnen Leinwand, und er begann, immer weniger farbige Formen zu verwenden und stattdessen Weiß zu bevorzugen.

Diese Tendenzen sind besonders deutlich in den „Rauten“ -Werken, die Mondrian Mitte der 1920er Jahre regelmäßig zu produzieren begann. Die „Raute“ -Gemälde sind quadratische Leinwände, die um 45 Grad geneigt sind, so dass sie eine Diamantform haben. Typisch dafür ist Schilderij Nr. 1: Raute mit zwei Linien und Blau (1926). Dieses Gemälde ist eines der kleinsten von Mondrians Leinwänden und besteht nur aus zwei schwarzen, senkrechten Linien und einer kleinen blauen dreieckigen Form. Die Linien erstrecken sich bis zu den Rändern der Leinwand und erwecken fast den Eindruck, dass es sich bei dem Gemälde um ein Gemälde handelt Fragment eines größeren Werks.

Obwohl die Sicht auf das Gemälde durch das Glas, das es schützt, und durch den Tribut, den Alter und Handhabung offensichtlich auf die Leinwand gebracht haben, behindert wird, ist eine genaue Untersuchung dieses Gemäldes erforderlich beginnt etwas von der Methode des Künstlers zu enthüllen. Das Gemälde besteht nicht wie erwartet aus perfekt flachen Farbebenen. Durchgehend sind subtile Pinselstriche erkennbar. Der Künstler scheint für die verschiedenen Elemente unterschiedliche Techniken verwendet zu haben. Das Schwarz Linien sind die flachsten Elemente mit der geringsten Tiefe. Die farbigen Formen haben die offensichtlichsten Pinselstriche, die alle in eine Richtung verlaufen. Am interessantesten sind jedoch die weißen Formen, die eindeutig in Schichten mit Pinselstrich gemalt wurden okes laufen in verschiedene Richtungen. Dies erzeugt ein größeres Gefühl von Tiefe in den weißen Formen, so dass sie die Linien und Farben zu überwältigen scheinen, was sie tatsächlich taten, als Mondrians Gemälde dieser Zeit zunehmend vom weißen Raum dominiert wurden.

1926 besuchte Katherine Dreier, Mitbegründerin der New Yorker Society of Independent Artists (zusammen mit Marcel Duchamp und Man Ray), Piet Mondrians Atelier in Paris und erwarb eine seiner Diamantkompositionen, Painting I. Dies wurde dann während einer Ausstellung gezeigt, die von der Society of Independent Artists im Brooklyn Museum organisiert wurde – der ersten großen Ausstellung moderner Kunst in Amerika seit der Armory Show. Sie erklärte im Katalog: „Holland hat drei große Maler hervorgebracht, die, Obwohl dies ein logischer Ausdruck ihres eigenen Landes war, stieg es durch die Kraft ihrer Persönlichkeit darüber auf – der erste war Rembrandt, der zweite war Van Gogh und der dritte war Mondrian. „

Im Laufe der Jahre Linien begann in Mo Vorrang vor Formen zu haben ndrians Gemälde. In den 1930er Jahren begann er häufiger, dünnere und doppelte Linien zu verwenden, unterbrochen von einigen kleinen farbigen Formen, wenn überhaupt. Doppelte Linien erregten Mondrian besonders, denn er glaubte, dass sie seinen Gemälden eine neue Dynamik boten, die er unbedingt erforschen wollte. Die Einführung der Doppellinie in seine Arbeit wurde von der Arbeit seines Freundes und Zeitgenossen Marlow Moss beeinflusst.

Von 1934 bis 1935 wurden drei von Mondrians Gemälden im Rahmen von „Abstract and Concrete“ ausgestellt „Ausstellungen in Großbritannien in Oxford, London und Liverpool.

London und New York (1938–1944) Bearbeiten

Im September 1938 verließ Mondrian Paris angesichts des fortschreitenden Faschismus und zog nach London. Nachdem die Niederlande eingedrungen waren und Paris 1940 fiel, verließ er London in Richtung Manhattan New York City, wo er bis zu seinem Tod bleiben würde. Einige von Mondrians späteren Arbeiten sind im Hinblick auf seine künstlerische Entwicklung schwer zu platzieren, da es einige Leinwände gab, in denen er begann Paris oder London und erst Monate oder Jahre später in Manhattan abgeschlossen. Die fertigen Werke aus dieser späteren Zeit sind visuell beschäftigt, mit mehr Linien als jedes seiner Werke seit den 1920er Jahren, in einer überlappenden Anordnung angeordnet, die fast kartografisch aussieht. Er verbrachte viele lange Stunden damit, alleine zu malen, bis seine Hände Blasen bildeten, und er weinte manchmal oder machte sich krank.

Mondrian produzierte die Rautenkomposition mit vier gelben Linien (1933), ein einfaches Gemälde, das dicke, farbige Innovationen hervorbrachte Linien statt schwarzer. Nach diesem einen Gemälde blieb diese Praxis in Mondrians Werk ruhen, bis er in Manhattan ankam. Zu diesem Zeitpunkt begann er, sie mit Hingabe anzunehmen.In einigen Beispielen dieser neuen Richtung, wie Komposition (1938) / Place de la Concorde (1943), scheint er unvollendete Schwarzlinienbilder aus Paris genommen und in New York durch Hinzufügen von kurzen senkrechten Linien in verschiedenen Farben fertiggestellt zu haben. Laufen zwischen den längeren schwarzen Linien oder von einer schwarzen Linie bis zum Rand der Leinwand. Die neu gefärbten Bereiche sind dick und überbrücken fast die Lücke zwischen Linien und Formen. Es ist erstaunlich, Farbe in einem Mondrian-Gemälde zu sehen, das nicht von Schwarz begrenzt ist. Andere Arbeiten mischen lange rote Linien inmitten der bekannten schwarzen Linien und erzeugen durch Hinzufügen einer farbigen Schicht über der schwarzen ein neues Gefühl von Tiefe. Sein Gemälde Komposition Nr. 10, 1939–1942, gekennzeichnet durch Primärfarben, weißen Grund und schwarze Gitterlinien, definierte Mondrians radikale, aber klassische Herangehensweise an das Rechteck klar.

Am 23. September 1940 verließ Mondrian Europa in Richtung New York an Bord des Cunard White Star Lines-Schiffes RMS Samaria, das von Liverpool abfährt. Die neuen Leinwände, die Mondrian in Manhattan begann, sind noch verblüffender und weisen auf den Beginn einer neuen Redewendung hin, die durch den Tod des Künstlers unterbrochen wurde. New York City (1942) ist ein komplexes Gitter aus roten, blauen und gelben Linien, die gelegentlich miteinander verflochten sind, um ein größeres Gefühl für Tiefe zu erzeugen als seine früheren Arbeiten. Eine unvollendete Version dieser Arbeit aus dem Jahr 1941 verwendet Streifen aus bemaltem Papierband, die der Künstler nach Belieben neu anordnen kann, um mit verschiedenen Designs zu experimentieren.

Sein Gemälde Broadway Boogie-Woogie (1942–43) im Museum of Modern Art in Manhattan war sehr einflussreich in der Schule der abstrakten geometrischen Malerei. Das Stück besteht aus einer Reihe von schimmernden Quadraten von heller Farbe, die von der Leinwand springen, dann zu schimmern scheinen und den Betrachter in diese Neonlichter ziehen. In diesem Gemälde und dem unvollendeten Victory Boogie Woogie (1942–1944) ersetzte Mondrian frühere durchgezogene Linien durch Linien aus kleinen angrenzenden Farbrechtecken, die teilweise aus kleinen Papierbändern in verschiedenen Farben hergestellt wurden. Größere, unbegrenzte Farbrechtecke unterstreichen das Design, einige mit kleineren konzentrischen Rechtecken. Während Mondrians Werke der 1920er und 1930er Jahre eine fast wissenschaftliche Strenge aufweisen, handelt es sich um helle, lebendige Gemälde, die die optimistische Musik widerspiegeln, die sie und die Stadt, in der sie entstanden sind, inspiriert hat.

In diesen letzten Arbeiten haben die Formen tatsächlich die Rolle der Linien übernommen und eine weitere neue Tür für Mondrians Entwicklung als Abstraktionist geöffnet. Die Boogie-Woogie-Gemälde waren eindeutig eher eine revolutionäre als eine evolutionäre Veränderung und stellten die tiefgreifendste Entwicklung in Mondrians Werk seit seiner Aufgabe der gegenständlichen Kunst im Jahr 1913 dar.

2008 die niederländische Fernsehsendung Andere Tijden fand das einzige bekannte Filmmaterial bei Mondrian. Die Entdeckung des Filmmaterials wurde am Ende eines zweijährigen Forschungsprogramms zum Victory Boogie Woogie bekannt gegeben. Die Untersuchung ergab, dass sich das Gemälde in einem sehr guten Zustand befand und dass Mondrian das Bild gemalt hatte Komposition in einer Sitzung. Es wurde auch festgestellt, dass die Komposition von Mondrian kurz vor seinem Tod durch die Verwendung kleiner farbiger Klebebandstücke radikal verändert wurde.

WandarbeitenEdit

Als 47-Jähriger Der alte Piet Mondrian verließ die Niederlande zum zweiten und letzten Mal im Jahr 1919 in Richtung uneingeschränktem Paris und machte sich sofort daran, sein Atelier zu einer Umgebung für Gemälde zu machen, die er im Sinn hatte und die zunehmend die Prinzipien des Neoplas zum Ausdruck bringen würden Tizismus, über den er zwei Jahre lang geschrieben hatte. Um die strukturellen Mängel des Studios schnell und kostengünstig zu verbergen, klebte er große rechteckige Plakate in einfarbigem oder neutralem Farbton an. Kleinere farbige Papierquadrate und Rechtecke, die zusammengesetzt waren, betonten die Wände. Dann folgte eine intensive Zeit des Malens. Wieder wandte er sich an die Wände, positionierte die farbigen Ausschnitte neu, erhöhte ihre Anzahl, veränderte die Dynamik von Farbe und Raum, erzeugte neue Spannungen und ein neues Gleichgewicht. Bald hatte er einen kreativen Zeitplan aufgestellt, in dem sich eine Malperiode mit einer Periode abwechselte Es war ein Muster, dem er für den Rest seines Lebens folgte, als er 1938 und 1940 während des Krieges von Paris nach Hampstead in London zog, um die kleineren Papiere an den Wänden experimentell neu zu gruppieren Der Atlantik nach Manhattan.

Im Herbst 1943 zog Mondrian im Alter von 71 Jahren in sein zweites und letztes Studio in Manhattan in der 15 East 59th Street und machte sich daran, die Umgebung neu zu erschaffen. h Er hatte im Laufe der Jahre gelernt, dass dies seiner bescheidenen Lebensweise am besten entsprach und seiner Kunst am meisten anregte.Er malte die hohen Wände genauso cremefarben wie auf seiner Staffelei und auf den Sitzen, Tischen und Aufbewahrungskoffern, die er sorgfältig aus weggeworfenen Orangen- und Apfelkisten entworfen und hergestellt hatte. Er glänzte die Oberseite eines weißen Metallhockers in demselben brillanten Primärrot, das er auf die Papphülle aufgetragen hatte, die er für den Radio-Phonographen hergestellt hatte, der seinen geliebten Jazz aus weit gereisten Schallplatten hervorbrachte. Besucher dieses letzten Studios sahen selten mehr als ein oder zwei neue Leinwände, stellten jedoch oft zu ihrem Erstaunen fest, dass acht große Kompositionen aus farbigen Papierstücken, die er in sich ständig ändernden Beziehungen an die Wände geheftet und wieder angeheftet hatte, zusammengesetzt waren Umgebung, die paradoxerweise und gleichzeitig kinetisch und gelassen, anregend und erholsam war. Es war der beste Raum, sagte Mondrian, den er bewohnt hatte. Er war nur wenige Monate dort, als er im Februar 1944 starb.

Nach seinem Tod dokumentierten Mondrians Freund und Sponsor in Manhattan, der Künstler Harry Holtzman und ein weiterer Malerfreund, Fritz Glarner, sorgfältig Holtzman (der auch Mondrians Erbe war) zeichnete die Wandkompositionen präzise nach und bereitete exakte tragbare Faksimiles des jeweiligen Raums vor hatte die ursprünglich erhaltenen ausgeschnittenen Komponenten besetzt und an jedem befestigt. Diese tragbaren Mondrian-Kompositionen sind als „The Wall Works“ bekannt geworden. Seit Mondrians Tod wurden sie zweimal im Museum of Modern Art in Manhattan (1983 und 1995–96) ausgestellt, einmal in SoHo in der Carpenter + Hochman Gallery (1984) und jeweils einmal in der Galerie Tokoro in Tokio, Japan (1993), die XXII. Biennale von Sao Paulo (1994), die University of Michigan (1995) und – erstmals in Europa gezeigt – an der Akademie der Künste in Berlin (22. Februar – 22. Februar) April 2007).