Nederland (1872–1911) Bewerken

Mondriaan werd geboren in Amersfoort, provincie Utrecht in Nederland, de tweede van zijn ouders ‘kinderen. Hij stamde af van de christelijke Dirkzoon Monderyan die al in 1670 in Den Haag woonde. Het gezin verhuisde naar Winterswijk toen zijn vader, Pieter Cornelius Mondriaan, werd aangesteld als hoofdonderwijzer op een plaatselijke basisschool. Mondriaan maakte al op jonge leeftijd kennis met kunst. Zijn vader was een gediplomeerd tekenleraar en samen met zijn oom Fritz Mondriaan (een leerling van Willem Maris van de Haagse School van Kunstenaars) schilderde en tekende de jongere Piet vaak langs de rivier de Gein.

Na een streng protestantse opvoeding, in 1892 ging Mondriaan naar de Academie voor Beeldende Kunst in Amsterdam. Hij was al gekwalificeerd als leraar. Hij begon zijn carrière als leraar in het basisonderwijs, maar oefende ook schilderkunst. Het meeste van zijn werk uit deze periode is naturalistisch of impressionistisch en bestaat grotendeels uit landschappen. Deze pastorale afbeeldingen van zijn geboorteland tonen windmolens, velden en rivieren, aanvankelijk op de Nederlandse impressionistische manier van de Haagse School en vervolgens in een verscheidenheid aan stijlen en technieken die getuigen van zijn zoektocht naar een persoonlijke stijl. Deze schilderijen zijn representatief en illustreren de invloed die verschillende artistieke stromingen op Mondriaan hadden, waaronder het pointillisme en de levendige kleuren van het fauvisme.

In het Gemeentemuseum Den Haag zijn een aantal schilderijen uit deze periode te zien, waaronder post-impressionistische werken als The Red Mill en Trees in Moonrise. Een ander schilderij, Evening (Avond) (1908), met een boom in een veld in de schemering, voorspelt zelfs toekomstige ontwikkelingen door een palet te gebruiken dat bijna volledig uit rood, geel en blauw bestaat. Hoewel Avond slechts beperkt abstract is, is het het vroegste schilderij van Mondriaan dat primaire kleuren benadrukt.

Mondriaans vroegste schilderijen met een zekere mate van abstractie zijn een serie doeken van 1905 tot 1908 die vage scènes van onduidelijke bomen en huizen weergeven die worden weerspiegeld in stilstaand water. Hoewel het resultaat ertoe leidt dat de kijker zich gaat concentreren op de vormen boven de inhoud, zijn deze schilderijen nog steeds stevig geworteld in de natuur, en Alleen de kennis van Mondriaans latere prestaties leidt ertoe dat men in deze werken zoekt naar de wortels van zijn toekomstige abstractie.

De kunst van Mondriaan was nauw verbonden met zijn spirituele en filosofische studies. In 1908 raakte hij geïnteresseerd in de theosofische beweging die aan het einde van de 19e eeuw door Helena Petrovna Blavatsky werd gelanceerd, en in In 1909 trad hij toe tot de Nederlandse tak van de Theosophical Society. Het werk van Blavatsky en een parallelle spirituele beweging, de antroposofie van Rudolf Steiner, had een aanzienlijke invloed op de verdere ontwikkeling van zijn esthetiek. Blavatsky geloofde dat het mogelijk was om een diepere kennis van de natuur te verwerven dan die met empirische middelen, en veel van Mondriaan Zijn werk voor de rest van zijn leven werd geïnspireerd door zijn zoektocht naar die spirituele kennis. In 1918 schreef hij “Ik heb alles uit de Geheime Leer”, verwijzend naar een boek geschreven door Blavatsky. In 1921 stelde Mondriaan in een brief aan Steiner dat zijn neoplasticisme “de kunst van de voorzienbare toekomst voor alle echte antroposofen en theosofen” was. In de daaropvolgende jaren bleef hij een toegewijd theosoof, hoewel hij ook geloofde dat zijn eigen artistieke stroming, neoplasticisme, uiteindelijk deel zou gaan uitmaken van een grotere, oecumenische spiritualiteit.

Mondriaan en zijn latere werk werden sterk beïnvloed door de 1911 Moderne Kunstkring tentoonstelling van kubisme in Amsterdam. Zijn zoektocht naar vereenvoudiging wordt getoond in twee versies van Stilleven met gemberpot (Stilleven met Gemberpot). De versie uit 1911 is kubistisch; in de versie uit 1912 worden de objecten teruggebracht tot een ronde vorm met driehoeken en rechthoeken.

Parijs (1911-1914) Bewerken

In 1911 verhuisde Mondriaan naar Parijs en veranderde zijn naam, waarbij hij een “a” van Mondriaan liet vallen, om zijn vertrek uit Nederland te benadrukken, en zijn integratie in de Parijse avant-garde. Terwijl hij in Parijs was, verscheen de invloed van de kubistische stijl van Pablo Picasso en Georges Braque vrijwel onmiddellijk in het werk van Mondriaan. Schilderijen zoals De zee (1912) en zijn verschillende studies van bomen uit dat jaar bevatten nog steeds een zekere mate van representatie, maar , in toenemende mate worden ze gedomineerd door geometrische vormen en in elkaar grijpende vlakken. Terwijl Mondriaan gretig de kubistische invloed in zijn werk wilde opnemen, lijkt het duidelijk dat hij het kubisme zag als een ‘aanloophaven’ op zijn artistieke reis, in plaats van als een bestemming .

Nederland (1914-1918) Bewerken

In tegenstelling tot de kubisten probeerde Mondriaan nog steeds zijn schilderkunst te verzoenen met zijn spirituele bezigheden, en in 1913 begon hij zijn kunst en zijn theosofische studies naar een theorie die zijn definitieve breuk met de representatieve schilderkunst betekende. Terwijl Mondriaan in 1914 een bezoek aan Nederland bracht, begon de Eerste Wereldoorlog, die hem dwong daar te blijven voor de duur van het conflict. Gedurende deze periode verbleef hij bij de Larense kunstenaars ” dikke darm y, waar hij Bart van der Leck en Theo van Doesburg ontmoette, die beiden hun eigen persoonlijke reizen naar abstractie ondergingen. Van der Lecks gebruik van alleen primaire kleuren in zijn kunst had grote invloed op Mondriaan. Na een ontmoeting met Van der Leck in 1916 schreef Mondriaan: ‘Mijn techniek die min of meer kubistisch was, en daarom min of meer picturaal, viel onder de invloed van zijn precieze methode. “Met Van Doesburg richtte Mondriaan De Stijl op, een tijdschrift van de De Stijl Groep, waarin hij voor het eerst essays publiceerde waarin hij zijn theorie definieerde, die hij neoplasticisme noemde.

Mondriaan publiceerde “De Nieuwe Beelding in de schilderkunst” (“Het nieuwe plastic in de schilderkunst”) in twaalf afleveringen in 1917 en 1918. Dit was zijn eerste grote poging om zijn artistieke theorie schriftelijk tot uitdrukking te brengen. Mondriaans beste en meest geciteerde uitdrukking van deze theorie komt echter uit een brief die hij in 1914 aan HP Bremmer schreef:

Ik construeer lijnen en kleurencombinaties op een plat oppervlak, in om algemene schoonheid met het grootste bewustzijn uit te drukken. De natuur (of, dat wat ik zie) inspireert mij, brengt mij, zoals bij elke schilder, in een emotionele toestand zodat een drang ontstaat om iets te maken, maar ik wil zo dicht mogelijk bij de waarheid komen en alles abstraheren van dat, totdat ik de fundering (nog steeds slechts een externe fundering!) van dingen bereik … ik geloof dat het mogelijk is dat, door horizontale en verticale lijnen geconstrueerd met bewustzijn, maar niet met berekening, geleid door hoge intuïtie, en in harmonie en ritme gebracht kunnen deze basisvormen van schoonheid, indien nodig aangevuld met andere directe lijnen of rondingen, een kunstwerk worden, hoe sterk het ook is.

Parijs (1918–1938) Bewerken

Toen de Eerste Wereldoorlog eindigde in 1918, keerde Mondriaan terug naar Frankrijk, waar hij zou blijven tot 1938. Ondergedompeld in de naoorlogse Parijse cultuur van artistieke innovatie bloeide hij op en omarmde hij de kunst van de pure abstractie voor de rest van zijn leven. Mondriaan begon eind 1919 met het maken van op rasters gebaseerde schilderijen en in 1920 begon de stijl waarvoor hij bekend werd te verschijnen.

In de vroege schilderijen van deze stijl zijn de lijnen die de rechthoekige vormen afbakenen relatief dun, en ze zijn grijs, niet zwart. De lijnen hebben ook de neiging t o vervagen als ze de rand van het schilderij naderen, in plaats van abrupt te stoppen. De vormen zelf, kleiner en talrijker dan in latere schilderijen, zijn gevuld met primaire kleuren, zwart of grijs, en ze zijn bijna allemaal gekleurd; er zijn er maar een paar wit gelaten.

Eind 1920 en 1921 komen de schilderijen van Mondriaan tot wat voor toevallige waarnemers hun definitieve en volwassen vorm is. Dikke zwarte lijnen scheiden nu de vormen, die groter en groter zijn. minder in aantal, en meer van de formulieren worden wit gelaten.Dit was echter niet het hoogtepunt van zijn artistieke evolutie. Hoewel de verfijningen subtieler werden, bleef het werk van Mondriaan tijdens zijn jaren in Parijs evolueren.

In de schilderijen van 1921 stoppen veel, maar niet alle, zwarte lijnen kort op een schijnbaar willekeurige afstand van de rand van het doek, hoewel de scheidingen tussen de rechthoekige vormen intact blijven. Ook hier blijven de rechthoekige vormen grotendeels gekleurd. Naarmate de jaren verstreken en Mondriaans werk zich verder ontwikkelde, begon hij alle lijnen door te trekken tot aan de randen van de canvas, en hij begon steeds minder gekleurde vormen te gebruiken en gaf de voorkeur aan wit.

Deze tendensen zijn vooral duidelijk in de “ruit” -werken die Mondriaan halverwege de jaren twintig met regelmaat begon te produceren. De “ruit” schilderijen zijn vierkante doeken die 45 graden gekanteld zijn, zodat ze een ruitvorm hebben. Typerend hiervoor is Schilderij nr. 1: ruit met twee lijnen en blauw (1926). Dit schilderij, een van de meest minimale doeken van Mondriaan, bestaat slechts uit twee zwarte, loodrechte lijnen en een kleine blauwe driehoekige vorm. De lijnen lopen helemaal door tot aan de randen van het doek, wat bijna de indruk wekt dat het schilderij een fragment van een groter werk.

Hoewel iemands zicht op het schilderij wordt belemmerd door het glas dat het beschermt, en door de tol die ouderdom en behandeling duidelijk op het doek hebben geëist, is een nauwkeurig onderzoek van dit schilderij begint iets van de methode van de kunstenaar te onthullen. Het schilderij is niet samengesteld uit perfect vlakke kleurvlakken, zoals je zou verwachten. Subtiele penseelstreken zijn overal zichtbaar. De kunstenaar lijkt verschillende technieken te hebben gebruikt voor de verschillende elementen. Het zwart lijnen zijn de vlakste elementen, met de minste diepte. De gekleurde vormen hebben de duidelijkste penseelstreken, die allemaal in één richting lopen. Het meest interessant zijn echter de witte vormen, die duidelijk in lagen zijn geverfd met penseelstrepen. oké rennen in verschillende richtingen. Dit genereert een groter gevoel van diepte in de witte vormen, zodat ze de lijnen en kleuren lijken te overweldigen, wat ze ook deden, aangezien de schilderijen van Mondriaan uit deze periode steeds meer gedomineerd werden door de witte ruimte.

In 1926 bezocht Katherine Dreier, medeoprichter van de Society of Independent Artists in New York City (samen met Marcel Duchamp en Man Ray), het atelier van Piet Mondriaan in Parijs en verwierf een van zijn diamantcomposities, Painting I Dit werd vervolgens getoond tijdens een tentoonstelling georganiseerd door de Society of Independent Artists in het Brooklyn Museum – de eerste grote tentoonstelling van moderne kunst in Amerika sinds de Armory Show. Ze verklaarde in de catalogus dat “Nederland drie grote schilders heeft voortgebracht die, hoewel een logische uitdrukking van hun eigen land, steeg het erboven uit door de kracht van hun persoonlijkheid – de eerste was Rembrandt, de tweede was Van Gogh en de derde is Mondriaan. “

Naarmate de jaren vorderden, lijnen begon voorrang te krijgen op formulieren in Mo ndrian’s schilderijen. In de jaren dertig begon hij vaker dunnere lijnen en dubbele lijnen te gebruiken, onderbroken door een paar kleine gekleurde vormen, als die er al waren. Vooral de dubbele lijnen wonden Mondriaan op, want hij geloofde dat ze zijn schilderijen een nieuwe dynamiek boden die hij graag wilde ontdekken. De introductie van de dubbele lijn in zijn werk werd beïnvloed door het werk van zijn vriend en tijdgenoot Marlow Moss.

Van 1934 tot 1935 werden drie schilderijen van Mondriaan tentoongesteld als onderdeel van de “Abstract and Concrete “tentoonstellingen in het VK in Oxford, Londen en Liverpool.

Londen en New York (1938–1944) Bewerken

In september 1938 verliet Mondriaan Parijs in het licht van het oprukkende fascisme en verhuisde naar Londen. Nadat Nederland was binnengevallen en Parijs viel in 1940, verliet hij Londen voor Manhattan in New York City, waar hij zou blijven tot aan zijn dood. Sommige van Mondriaans latere werken zijn moeilijk te plaatsen in termen van zijn artistieke ontwikkeling, omdat er nogal wat doeken waren waarmee hij begon Parijs of Londen en pas maanden of jaren later voltooid in Manhattan. De voltooide werken uit deze latere periode zijn visueel druk, met meer lijnen dan al zijn werk sinds de jaren 1920, geplaatst in een overlappende opstelling die bijna cartografisch lijkt. Hij bracht vele uren in zijn eentje door met schilderen totdat zijn handen blaren, en hij huilde soms of maakte zichzelf ziek.

Mondriaan produceerde Lozenge Composition With Four Yellow Lines (1933), een eenvoudig schilderij dat een vernieuwde dikke, gekleurde lijnen in plaats van zwarte. Na dat ene schilderij bleef deze praktijk in het werk van Mondriaan sluimeren totdat hij in Manhattan aankwam, waarna hij het met overgave begon te omarmen.In sommige voorbeelden van deze nieuwe richting, zoals Composition (1938) / Place de la Concorde (1943), lijkt hij onafgemaakte zwarte-lijnschilderijen uit Parijs te hebben genomen en deze in New York te hebben voltooid door korte loodrechte lijnen van verschillende kleuren toe te voegen, rennen tussen de langere zwarte lijnen, of van een zwarte lijn naar de rand van het canvas. De nieuw gekleurde gebieden zijn dik en overbruggen bijna de kloof tussen lijnen en vormen, en het is verrassend om kleur te zien in een Mondriaan schilderij dat grenzeloos is door zwart. Andere werken vermengen lange rode lijnen tussen de bekende zwarte lijnen, waardoor een nieuw gevoel van diepte ontstaat door de toevoeging van een gekleurde laag bovenop de zwarte. Zijn schilderij Composition nr. 10, 1939-1942, gekenmerkt door primaire kleuren, witte grond en zwarte rasterlijnen, definieerden duidelijk Mondriaans radicale maar klassieke benadering van de rechthoek.

Op 23 september 1940 verliet Mondriaan Europa voor New York aan boord van het Cunard White Star Lines-schip RMS Samaria, vertrekkend vanuit Liverpool De nieuwe doeken die Mondriaan begon in Manhattan zijn nog verbazingwekkender en duiden op het begin van een nieuw idioom dat werd afgebroken door de dood van de kunstenaar. New York City (1942) is een complex rasterwerk van rode, blauwe en gele lijnen, af en toe dooreengevlochten om een groter gevoel van diepte te creëren dan zijn eerdere werken. Een onvoltooide versie uit 1941 van dit werk maakt gebruik van stroken geverfd papierband, die de kunstenaar naar believen kon herschikken om met verschillende ontwerpen te experimenteren.

Zijn schilderij Broadway Boogie-Woogie (1942–43) in The Museum of Modern Art in Manhattan was zeer invloedrijk in de school voor abstracte geometrische schilderkunst. Het stuk bestaat uit een aantal glinsterende vierkanten met heldere kleuren die van het canvas springen en vervolgens lijken te glinsteren, waardoor de kijker in die neonlichten wordt getrokken. In dit schilderij en de onvoltooide Victory Boogie Woogie (1942–1944) verving Mondriaan vroegere ononderbroken lijnen door lijnen die waren gemaakt van kleine aangrenzende rechthoeken van kleur, gedeeltelijk gemaakt door kleine stukjes papierband in verschillende kleuren te gebruiken. Grotere, onbegrensde rechthoeken van kleur accentueren het ontwerp, sommige met kleinere concentrische rechthoeken erin. Hoewel Mondriaans werken uit de jaren 1920 en 1930 een bijna wetenschappelijke soberheid hebben, zijn dit heldere, levendige schilderijen die de vrolijke muziek weerspiegelen die hen inspireerde en de stad waarin ze werden gemaakt.

In deze laatste werken hebben de vormen inderdaad de rol van de lijnen overgenomen, wat een nieuwe deur opent voor Mondriaans ontwikkeling als abstractionist. De Boogie-Woogie-schilderijen waren duidelijk meer een revolutionaire dan een evolutionaire, en vertegenwoordigden de meest diepgaande ontwikkeling in het werk van Mondriaan sinds zijn afschaffing van de representatiekunst in 1913.

In 2008 verscheen het Nederlandse televisieprogramma Andere Tijden vond de enige bekende filmbeelden met Mondriaan. De ontdekking van de filmbeelden werd aangekondigd aan het einde van een tweejarig onderzoeksprogramma naar de Victory Boogie Woogie. Uit het onderzoek bleek dat het schilderij in zeer goede staat verkeerde en dat Mondriaan de compositie in één sessie. Er werd ook vastgesteld dat de compositie door Mondriaan kort voor zijn dood radicaal was veranderd door kleine stukjes gekleurd plakband te gebruiken.

Muurwerken Bewerken

Wanneer de 47-jarige -oude Piet Mondriaan verliet Nederland voor de tweede en laatste keer in 1919 voor de tweede en laatste keer dat hij van zijn atelier een verzorgende omgeving wilde maken voor schilderijen die hij in gedachten had en die in toenemende mate de principes van neoplas zouden uitdrukken ticisme waarover hij al twee jaar had geschreven. Om de structurele gebreken van de studio snel en goedkoop te verbergen, plakte hij grote rechthoekige borden vast, elk in een enkele kleur of neutrale tint. Kleinere gekleurde papieren vierkanten en rechthoeken, samen samengesteld, accentueerden de muren. Toen kwam er een intense periode van schilderen. Opnieuw richtte hij zich tot de muren, waarbij hij de gekleurde uitsnijdingen herpositioneerde, hun aantal toevoegde, de dynamiek van kleur en ruimte veranderde, nieuwe spanningen en evenwicht veroorzaakte. Het duurde niet lang of hij had een creatief schema opgesteld waarin een periode van schilderen afwisselend met een periode was. van het experimenteel hergroeperen van de kleinere papieren aan de muren, een proces dat direct de volgende schilderperiode voedde. Het was een patroon dat hij de rest van zijn leven volgde, door verhuizingen in oorlogstijd van Parijs naar het Londense Hampstead in 1938 en 1940, de Atlantische Oceaan naar Manhattan.

Op 71-jarige leeftijd in de herfst van 1943 verhuisde Mondriaan naar zijn tweede en laatste studio in Manhattan op 15 East 59th Street, en begon hij met het herscheppen van de omgeving. Hij had door de jaren heen geleerd dat hij het meest sympathiek was met zijn bescheiden manier van leven en het meest stimulerend voor zijn kunst.Hij schilderde de hoge muren hetzelfde gebroken wit als op zijn ezel en op de stoelen, tafels en opbergkisten die hij nauwgezet ontwierp en vervaardigde uit afgedankte sinaasappelkisten en appelkratten. Hij glansde de bovenkant van een witmetalen kruk in hetzelfde schitterende primaire rood dat hij aanbracht op het kartonnen omhulsel dat hij had gemaakt voor de radiofonograaf die zijn geliefde jazz uit bereisde platen liet klinken. Bezoekers van deze laatste studio zagen zelden meer dan een of twee nieuwe doeken, maar ontdekten, vaak tot hun verbazing, dat acht grote composities van gekleurde stukjes papier die hij in steeds wisselende relaties had geplakt en opnieuw aan de muren had geplakt, samen een omgeving die, paradoxaal genoeg en tegelijkertijd, zowel kinetisch als sereen, stimulerend en rustgevend was. Het was de beste ruimte, zei Mondriaan, die hij had bewoond. Hij was daar maar een paar maanden, want hij stierf in februari 1944.

Na zijn dood legden Mondriaans vriend en sponsor in Manhattan, kunstenaar Harry Holtzman, en een andere schildervriend, Fritz Glarner, zorgvuldig gedocumenteerd de studio op film en in stilstaande foto’s voordat hij deze voor het publiek openstelde voor een tentoonstelling van zes weken. Voordat de studio werd afgebroken, volgde Holtzman (die ook de erfgenaam van Mondriaan was) de muurcomposities nauwkeurig, en maakte hij elke exacte draagbare facsimile had bezet, en aangebracht op elk van de originele overgebleven uitgesneden onderdelen. Deze draagbare Mondriaancomposities zijn bekend geworden als “The Wall Works”. Sinds de dood van Mondriaan zijn ze twee keer tentoongesteld in het Museum of Modern Art in Manhattan (1983 en 1995-96), één keer in SoHo in de Carpenter + Hochman Gallery (1984), één keer in de Galerie Tokoro in Tokio, Japan. (1993), de XXII Biënnale van Sao Paulo (1994), de Universiteit van Michigan (1995), en – voor het eerst in Europa te zien – op de Akademie der Künste (Academie voor de Kunsten), in Berlijn (22 februari – 22 April 2007).