Wat maakt hem geweldig? Een toewijding om de intellectuele en spirituele diepten van een werk te doorgronden, zonder vertoon van technische bravoure.
Jonathan Biss Over Schnabel’s levende geluid
“Als mij werd gevraagd van welke pianist ik het meest hield, zou ik nooit antwoorden kunnen geven – teveel mogelijkheden! Maar als het een vraag is van wie mij heeft geïnspireerd, is dat gemakkelijk: Artur Schnabel. Mijn eerste kennismaking met zijn opnames van de Beethoven-sonates kwamen in mijn vroege tienerjaren en leidden al snel tot een obsessie met die werken waarvan ik verwacht dat ze de rest van mijn leven zullen meegaan. Ik kon niet begrijpen hoe hij zoveel betekenis kon overbrengen – zelfs spiritualiteit – tussen twee noten, of hoe hij erin slaagde om uit dit instrument van toetsen en hamers een geluid te produceren dat zo krachtig was, bestand tegen de zwaartekracht, levend. Die twee doelen – om een geluid te maken dat leeft, en om muziek te vinden, niet alleen in de noten, maar ook in om hen heen – zijn nog steeds primair voor mij, bijna twee decennia later.
Toen ik ging studeren bij Leon Fleisher, Ik was ontroerd toen ik hem hoorde spreken over Schnabel, zijn eigen leraar, met hetzelfde soort ontzag. Fleisher’s eigen ideeën over muziek zijn overtuigend, en hij is weergaloos welsprekend in het uitdrukken ervan, maar het was vaak dat hij ons gewoon vertelde wat Schnabel hem over dit stuk of dat had verteld, op een toon die suggereerde dat er geen groter was. Gezag. Ik denk graag dat ik door deze afstamming iets heb geleerd, en elke dag probeer ik iets van de toewijding, het begrip en vooral de liefde naar mijn muziek te brengen, die uitgaat van elke noot die de man speelde. “
Wilhelm Kempff (1895-1991)
Gekozen door Cyprien Latsaris, Michael Endres, David Fray en Eldar Nebolsin.
Wie was hij? Een Duitse pianist die zich concentreerde op de groten van de Duitse muziek en concerten speelde tot ver in de tachtig.
Wat maakt hem geweldig? Ritmische inventiviteit en een talent om de lyriek, charme en spontaniteit in muziek naar voren te brengen, vooral in intieme stukken of passages.
Cyprien Latsaris On Kempff in concert
“Ik hoorde Kempff voor het eerst live in Parijs toen ik ongeveer 13 jaar oud was, en toen kocht ik wat Beethoven- en Brahms-opnames van hem. Hij had niet de beste pianistische techniek, maar hij was heel bijzonder. Hij creëerde enkele sublieme, goddelijke muzikale momenten die ons naar de hemel voerden. Ik ben er zeker van dat hij vandaag net zo succesvol zou zijn geweest in een concert, want de belangrijkste factor voor een muzikant is om een heel speciale persoonlijkheid te hebben, en hij had die eigenschap. / p>
Hij heeft ook invloed gehad op wat ik doe aan de piano door me in een tweede staat te brengen, een spirituele staat, voordat ik speel. Er zijn zoveel opnames van hem die ik koester, aangezien Kempff uitblinkt in Beethoven , Brahms, Schumann, Schubert en Bach, maar in het bijzonder zou ik de Kl avierstücke van Brahms, de middensonates van Beethoven en Concertos nrs. 2 & 4, de Bach-transcripties en de Schubert Klavierstücke. “
Alfred Brendel (geboren 1931)
Gekozen door Paul Lewis, Steven Osborne, Imogen Cooper en Till Fellner.
Wie is hij? Een Oostenrijkse pianist en leraar die nu in Londen woont en vier complete sets van de Beethoven-sonates heeft opgenomen.
Wat maakt hem geweldig? Strikte naleving van de partituur zonder ooit droog of academisch te klinken, en een talent voor het vinden van onverwachte momenten van humor,
klassiek repertoire.
Paul Lewis Over studeren met Brendel
“Ik had lessen bij Alfred Brendel in de jaren negentig, en hij was een grote inspiratiebron. Hij praatte over muziek en ik dacht:” Ja, dat is echt logisch “. En dan ging hij zitten en demonstreerde hij dingen, en toen ging de gloeilamp echt uit. De eerste keer dat ik hem ontmoette, was toen ik 20 was op de Guildhall School of Music. Ik herinner me dat ik me erg nerveus en geïntimideerd voelde. Toen ik het silhouet van de bril en het haar door de gang zag komen, herinner ik me dat ik dacht: “ Oh mijn god, hij is het! ”. Ik speelde een Haydn-sonate voor hem en het was vanaf het begin duidelijk dat hij alleen geïnteresseerd was in de muziek . Dat is het enige dat telt. Je maakt je misschien zorgen over jezelf, maar dat is niet het belangrijkste, want hij maakt zich nergens zorgen over, behalve over wat je speelt. Dat klopte met de indruk die ik van hem had gehad voordat ik hem ontmoette, van zijn concerten en opnames – die van een ongelooflijk serieuze muzikant. Het was een grote inspiratie en een voorrecht om in die jaren met hem samen te werken. ”
Glenn Gould (1932-1982)
Chosen door Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say en Jean-Efflam Bavouzet.
Wie was hij?Een zeer excentrieke Canadese pianist die, na een geweldige concertcarrière, op 31-jarige leeftijd het podium schuwde om zich te concentreren op opnames en experimentele projecten.
Wat maakt hem geweldig? Een wonderbaarlijk vermogen om de meerdere lijnen van polyfone muziek, zoals die van Bach, met een onovertroffen helderheid te modelleren. En een schijnbaar onvermogen tot technische fouten.
Pascal Rogé op Gould de herschepper
“Ik hoorde Gould voor het eerst vrij laat spelen, aangezien in mijn jeugd aan het conservatorium van Parijs was hij volkomen onbekend. Geen van mijn collega’s of docenten noemde ooit zijn naam – totdat ik in 1966 Bruno Monsaingeon ontmoette, die Gould aan mij en het Franse publiek onthulde via zijn prachtige documentaires. Het is moeilijk te zeggen wat het spel van Gould zo speciaal maakt, aangezien alles in zijn spel speciaal is. Men kan de aanraking, de frasering, de articulatie noemen … Maar het belangrijkste is het concept, de architectuur, de persoonlijke en ‘creatieve’ benadering van elk stuk dat hij speelt . Hij is een maker, veel meer dan een tolk: elke keer dat je een stuk van Gould hoort, ontdek je het voor het eerst. Ik verwijs altijd naar zijn zin: ‘Als je er niet van overtuigd bent, kun je een stuk spelen in een geheel nieuwe en unieke manier, speel het niet. ”Het is een extreme bevestiging, maar zo vol waarheid! Een voorbeeld hiervan zijn zijn twee opnames van de Goldbergvariaties, een voorbeeld van Goulds genialiteit in het feit dat hij zichzelf ‘herscheppen’. Het zijn beide meesterwerken en zijn erfenis voor alle muzikanten van de wereld. Ik word altijd weggeblazen als pianisten dit stuk na Gould durven spelen (of zelfs aanraken). Zijn ze totaal onbewust of volkomen pretentieus?
Bij Bach is hij volkomen ongeëvenaard. In feite kan ik geen andere interpretatie van Bach dan de zijne horen, aanvaarden of bedenken. Ik zou willen zeggen dat hij een invloed op mij heeft gehad, maar niemand is zo gestoord om te proberen Goulds spel te imiteren! Toch herinner ik me dat ik voor de Franse tv het complete eerste boek van Bachs Wohltemperaturen Klavier opnam. Het was een project dat Monsaingeon voor hem bedacht, maar Gould stierf voordat hij het kon filmen … En ik werd gekozen om hem te ‘vervangen’. Kun je je de druk voorstellen?
Ik denk dat de nalatenschap van Gould voor elke artiest ‘de vrijheid van creatie’ is jegens elke componist, maar tegelijkertijd de logica van de muziek en de geest van de componist respecteert – een zeer uitdagende vergelijking! ”
Wie was hij? Een Franse pianist en professor aan het Conservatoire de Paris. Hij werd een “poëet van de piano” genoemd vanwege zijn beheersing van de lyrische werken van Chopin, Schumann en Debussy, het produceren van historische opnames en nauwgezette edities van hun muziek.
Wat maakt hem geweldig? persoonlijke, subjectieve stijl die intuïtie en gevoel verkiest boven precieze techniek, wat resulteert in uitvoeringen van weelderige, transcendente muzikaliteit.
Stephen Hough Over Cortots individualiteit
“Cortot wordt soms herinnerd als de pianist die veel verkeerde noten speelde. Dit is oneerlijk – niet alleen omdat hij een oogverblindende vingertechniek had, maar ook omdat hij zich nooit liet afleiden van het grotere geheel door het streven naar nauwkeurigheid. Zijn fouten zijn soms zelfs in de eerste noten van stukken te horen, maar ik vind deze feilbare momenten vertederend: de pianist wordt verteerd door spirituele inspiratie en is zich niet bewust van de fysieke risico’s die eraan verbonden zijn. Cortot was een grote virtuoos, zich bewust van de kracht en opwinding die romantische pianomuziek heeft, maar je voelt je nooit gemanipuleerd in zijn muzikale gezelschap. Je hebt het gevoel dat zelfs zijn meest extravagante interpretatieve keuzes voortkomen uit volledige innerlijke eerlijkheid; hij zit niet in de schijnwerpers en dwingt je om naar hem te kijken, maar houdt eerder een fakkel vast en leidt je naar de verlichting.
Ik word nooit moe van zijn opnames, vooral die van Chopin en Schumann uit de jaren 1920 en jaren ’30. Zijn combinatie van uiterste interpretatieve vrijheid (soms met een vleugje excentriciteit) en indringend inzicht in de wensen van de componist is in mijn ogen uniek. Er zijn artiesten die luisteraars in verrukking brengen met hun wilde en gedurfde individualiteit, en er zijn anderen die de geschreven partituur voor ons blootleggen met inzicht en eerbied – maar er zijn er maar weinig die beide kunnen. Cortot had een visie die verder ging dan het academische of het theatrale naar een bredere horizon van creativiteit, waaruit de componisten zelf wellicht inspiratie hebben gehaald. ”
Alfred Cortot werd ook gekozen door Alfred Brendel, Benjamin Grosvenor en Stanislav Ioudenitch.
Emil Gilels (1916-1985)
Wie was hij? Een in Odessa geboren pianist die in 1935 naar Moskou verhuisde en samen met Richter de toonaangevende Sovjetpianist van zijn tijd werd. Hij en violist David Oistrakh behoorden tot de eerste Sovjetmuzikanten die in het Westen mochten optreden.
Wat maakt hem geweldig?Zijn “gouden” geluid – een vermogen om de meest belastende passages uit te voeren zonder zijn gepolijste toon of diepgang in gevaar te brengen.
Cédric Tiberghie Over de grootsheid van Gilels
“Gilels heeft deze mix van fantastische klankkwaliteit en het vermogen om alles eenvoudig te laten lijken als je naar hem luistert. Zelfs als hij een simpele Bach-prelude speelt, of de Bach-Siloti Prelude in B mineur, denk je dat het eenvoudig is om te spelen, maar dan koop je de muziek en denk je: ‘Oh mijn god, dit is onmogelijk!’
Ik hoorde Gilels voor het eerst toen ik acht of negen was – zijn opname van het Brahms Second Concerto met de Berlin Philharmonic. Ik wist niet dat het Gilels was – of zelfs een Brahms-concert – slechts een van de enorme collectie cassettebandjes van mijn vader. Maar het was mijn favoriete muziek, en tot op de dag van vandaag denk ik dat het een van de mooiste opnames is die ooit van een pianoconcert zijn gemaakt. De kwaliteit van toon en lijn, de inspiratie en de schoonheid van het geluid – alles is zo perfect. Het is eigenlijk best intimiderend als je het concert zelf moet spelen. Hij speelt het eerste deel zo langzaam, en je denkt: oké, ik ga hetzelfde doen – wat een grote vergissing is, want hij is Gilels en jij niet. Je hebt dat gouden geluid nodig dat Gilels bezat – meer dan wie dan ook in de geschiedenis – evenals een duidelijk idee van de structuur en richting; en hiervoor heb je een levenslange ervaring nodig. En als ik mijn hand met de zijne vergelijk, was zijn hand waarschijnlijk twee keer zo zwaar als de mijne. Het is als Oistrakh op de viool, er is die kwestie van vlees, pure materie die het geluid creëert. Als je extreem dunne handen hebt, zal de toonkwaliteit waarschijnlijk duidelijker zijn dan die van Gilels.
Dus ik probeer een artiest als hij niet te imiteren, maar ik probeer de grootsheid van wat hij doet. Het is iets dat ik altijd probeer te vinden, niet kunstmatig, maar misschien alleen om te voelen. Dus hij is wat dat betreft een model voor mij. ”
Emil Gilels werd ook gekozen door Alice Sara Ott, Olli Mustonen, Lars Vogt.
Arthur Rubinstein (1887-1982)
Wie was hij? Een Poolse pianist die na WO I Europa verliet en zich in de VS vestigde.
Wat maakt hem geweldig? Zijn interpretaties van de muziek van Chopin, waaraan hij een gloeiende toon en een eindeloze variatie aan frasering toevoegde.
Roger Woodward over het delen van de erfenis van Rubinstein
“Toen ik studeerde aan de Chopin National Academy in Warschau, ontmoette onze klas soms de illustere vrienden van professor Drzewiecki, onder wie Arthur Rubinstein. Hij speelde voor ons en sommige studenten hadden het voorrecht om voor hem te spelen. in de klas kende zijn opnames, omdat het de klassieke Chopin-interpretaties waren die Drzewiecki ons had geleerd. Gratie, evenwicht en grondig onderzoek waren de kenmerken van zijn kunst, een die meesterschap toonde maar ook enorme bescheidenheid en, in tegenstelling tot wat sommige ‘autoriteiten’ moest zeggen, een onberispelijke techniek.
Rubinsteins critici, en dat waren er veel, waren geneigd te vergeten hoe grondig hij onderzoek deed naar het repertoire dat hij speelde. Waar anderen poseerden en alleen deden alsof ze hun onderwerp hadden onderzocht, optredens stonken naar int egrity.
De vroegste van Rubinsteins drie complete Mazurka-opnames vormden een hoogtepunt voor ons in onze studie van Chopin, hoewel het voor mij zijn uitvoeringen van de Nocturnes waren die de sleutel vormden tot alle andere Chopin. Ik blijf Rubinstein eeuwig dankbaar voor zijn opnames en wat hij erover te zeggen had.
Rubinstein was niet gezegend met de pure virtuositeit van Rachmaninov of Horowitz, maar hij ontwikkelde een beheersing van legato cantabile en tempo rubato second voor niemand. Dit komt tot uiting in zulke wonderbaarlijke vooroorlogse ‘live’-uitvoeringen als zijn historische opname van de Chopin-pianoconcerten met Sir John Barbirolli, hoewel zijn uitvoeringen van hetzelfde met Witold Rowicki nog mooier waren – volkomen onvergetelijk.
Ik zal nooit zijn vriendelijkheid en vrijgevigheid voor onze klas vergeten, en zijn charme, bescheidenheid en nauwgezet onderzoek. Hoewel ik mijn hele leven student blijf en naar zijn vele prachtige opnames blijf luisteren, prijs ik mezelf gelukkig zulke rijke ervaringen te kunnen delen met mijn eigen studenten. ”
Arthur Rubinstein werd ook gekozen door Simon Trpceski, Jayson Gillham en Margaret Fingerhut.
Sviatoslav Richter (1915-1997)
Wie was hij? Een Russische pianist van Duitse afkomst die de meest vooraanstaande muzikant van de USSR werd.
Wat maakt hem geweldig? IJzersterke techniek gecombineerd met een verbazingwekkende verscheidenheid aan geluid.
Barry Douglas Over de intensiteit van Richter
“Ik hoorde Richter spelen vaak in Engeland, Frankrijk en Amerika en wat ik zo geweldig aan hem vond, was dat hij de piano niet als een piano kon laten klinken – het klonk als een orkest of soms als een koor.Bovendien leek alles wat hij op het instrument deed altijd volkomen juist. Het leken niet op zijn ideeën; het leek de enige manier om het te doen. Elke artiest zou moeten proberen, als ze serieus zijn, zichzelf van de vergelijking verwijderen en naar het hart of de essentie van de muziek gaan. Er zijn maar weinig artiesten die dat kunnen, maar voor Richter was het volkomen natuurlijk.
Hij was ook een heel serieuze muzikant: na concerten besloot hij vaak dat hij moest oefenen, en ging naar huis om te oefenen voor een ander. twee uur. Hij drong er ook op aan dat elk recitalprogramma ten minste één nieuw stuk bevat. Zijn repertoire was dus enorm. Ik denk niet dat zijn studio-opnames zo succesvol waren: ze vertegenwoordigden hem niet echt. Het zijn de live-opnames die geweldig zijn. Iedereen heeft het over het Sofia-recital uit 1958, waarin hij Liszts Feux Follets en Mussorgsky’s Pictures at an Exhibition speelt. Toch zijn zijn opnamen van de Beethoven-sonates ook ongeëvenaard, om nog maar te zwijgen van het Russische repertoire – de kleine stukjes van Tsjaikovski – en Prokofjev, die zijn Zevende Sonate voor hem schreef.
Toen ik was op de Tsjaikovski Competitie in 1984 stuurde hij mij berichten via anderen waarin hij vertelde hoe fantastisch hij me vond, wat heel lief was. Ik wou dat ik de kans had gehad hem beter te leren kennen.
Ik zal altijd tegen Richter opkijken. Een uitvoerend artiest mag niet kopiëren, maar je kunt je laten inspireren door de essentie van waar iemand voor stond, en dat is wat ik met hem doe. Ik weet heel diep van binnen dat ik probeer te begrijpen wat Richter had, wat een verbazingwekkende, vurige, brandende intensiteit van passie voor muziek is – dat is wat overkwam toen hij speelde. Hij was absoluut geobsedeerd en bezeten door muziek. ”
Sviatoslav Richter werd ook gekozen door Howard Shelley, Anna Goldsworthy en Piotr Anderszewski.
Vladimir Horowitz (1903-1989)
Wie was hij? Een in Rusland geboren pianist die op 21-jarige leeftijd naar het Westen vertrok, waar hij werd omschreven als een “tornado losgelaten van de steppen”. Het meest bekend om zijn uitvoeringen van romantisch pianorepertoire en, verrassend genoeg, Scarlatti, keerde hij terug naar Rusland voor een triomfantelijke afscheidsrecital in 1986.
Wat maakt hem geweldig: Sprankelende virtuositeit en buitengewoon gebruik van klankkleuren, gecombineerd met een talent om zijn publiek te enthousiasmeren en furore te maken tijdens zijn live recitals.
Ingolf Wunder Over de goddelijke gaven van Horowitz
“Horowitz combineerde eersteklas pianisme met een unieke smaak in muziek en interpretatie. Wat hem uniek maakte, was zijn vermogen om zijn gevoelens en stemmingen uit de structuren en het harmonische materiaal van de partituur te beitelen. Ik denk dat ik Horowitz voor het eerst hoorde toen ik 14 was. Ik was gewoon verbaasd over zijn toon en de verscheidenheid aan kleuren die hij kon produceren. En hij speelde altijd terwijl zijn hand werd gebouwd, zonder zijn smaak en zijn kijk op muziek te verraden. Hij was altijd zichzelf en alles wat hij aanraakte, werd van hemzelf. Zijn spel is nooit middelmatig, het werkt of niet. Maar als het werkt, is het gewoon goddelijk – onvergelijkbaar met alles wat je ooit hebt gehoord.
In zekere zin is Horowitz het product van een tijd die zoveel geweldige pianisten voortbracht. Ik geloof dat de manier van denken en ons leven sindsdien is veranderd. Nu kunnen muzikanten het internet op gaan en bijna elke opname van elk stuk beluisteren; toen werden ze gedwongen voor zichzelf te denken. Kleine dingen kregen meer belang omdat het niet mogelijk was om meteen ergens heen te gaan. Het ging niet per se om wie het snelst kan spelen of een ander competitief aspect, het ging meer om de muziek. Er zijn nog steeds een paar muzikanten die zijn zoals Horowitz en die oude groten, en dat is de school waar we naar terug zouden moeten gaan. ”
Vladimir Horowitz werd ook gekozen door Freddy Kempf, Gerard Willems, Konstantin Scherbakov.
Sergei Rachmaninov (1873-1943)
Wie was hij? Een pianist en componist geboren in Rusland, afgestudeerd aan het Conservatorium van Moskou in dezelfde klas als componist Alexander Scriabin. Een van zijn composities is het Pianoconcert nr. 2, vaak uitgeroepen tot het populairste klassieke muziekstuk aller tijden. Hij verliet Rusland in 1917 en begon aan een carrière als tourpianist om zichzelf en zijn gezin te onderhouden. Hij werd kort voor zijn dood Amerikaans staatsburger.
Wat maakt hem geweldig? Een bijna bovenmenselijk zuivere vingertechniek, waardoor hij zelfs in de meest knoestige passages de helderheid kon bewaren. Dit was gedeeltelijk te danken aan zijn beroemde grote handen, die 12 inch konden overspannen, of een 13e (C1 tot A2) op de piano. Hij had ook een prachtig zingende toon, vergelijkbaar met die van violist Fritz Kreisler, waardoor hij oneindige zoetheid uit een melodie kon wringen.
Leslie Howard op de beste pianist ooit die een plaat heeft gemaakt
“Het opmerkelijke aan het spel van Rachmaninov is hoe eerlijk het is.Er komt niets tussen zijn spel en zijn idee waarom het muziekstuk het opnemen waard was. Zijn spel is nooit rommelig, het is nooit kieskeurig en er is een complete afwezigheid van goedkope trucs – vrij ongebruikelijk voor de tijd dat hij aan het opnemen was. Ik denk dat hij de beste pianist van zijn leeftijd is en ik weet zeker dat hij de beste pianist is die ooit een plaat heeft gemaakt.
Natuurlijk is zijn techniek buitengewoon, maar het geschenk van alle goede techniek is dat jij ‘ ben je er niet van bewust wanneer je ernaar luistert. Als je hem bijvoorbeeld Si oiseau j’étais van Henselt hoort spelen, klinkt dat als het meest charmante salonstuk. Maar als je ooit bent gaan zitten om het te spelen, weet je heel goed dat het een absolute verschrikking is.
Rachmaninov heeft ook een manier om met ritme om te gaan waardoor hij direct herkenbaar is. Soms doet hij het door een ritme te spelen dat niet precies is wat er in de partituur staat, maar het klinkt alsof het in de partituur had moeten staan. Neem bijvoorbeeld zijn opname met Fritz Kreisler van de Opus 30 No 3 Sonata of Beethoven. Je hoort elke noot en elke noot is even belangrijk als elke andere, en dat is hoe Beethoven gespeeld moet worden, maar dat is zelden het geval.
Als componist bezat Rachmaninov ook een formidabele muzikale geest. Hij ontleedde elk stuk voordat hij zijn handen op het toetsenbord legde. En dat kon hij doen omdat zijn compositievaardigheden zo verfijnd waren.
Ik denk soms dat wanneer hij zijn eigen muziek speelt, hij minder voorzichtig is – bijna alsof hij niet echt vindt dat er zoveel ophef moet worden gemaakt over hem. Maar als je hoort hoe volkomen on slordig, in emotionele zin, zijn spel van zijn eigen muziek is, ontmoedigt het pianisten om erin te wentelen, zoals zo velen van hen doen. Dan, als je romantisch wilt spelen, kan hij dat ook doen, en weer denk ik aan een van de opnames met Kreisler van de Grieg Sonata nr. 3. Het tweede deel is hartverscheurend geweldig en de manier waarop hij het deuntje speelt is totaal anders dan de manier waarop hij speelt. Kreisler speelt het. Hierdoor klinkt het stuk bewogener dan het in werkelijkheid is – het is een cracker van een opname!
Er is een reden waarom Rachmaninov niet meer opnam, en dat komt door de gespannen relatie die hij had met de mensen bij de Victor Talking Machine Company, die dacht dat hij te veel geld kreeg voor zijn opnames, en die veel van de dingen die hij aanbood om op te nemen, afwees. Hij zou bijvoorbeeld een gratis opname geven van Beethovens Eerste Pianoconcert, zolang ze hem zijn orkestrale symfonische dansen zouden laten opnemen, en ze weigerden het aanbod.
De reden waarom we de opname doen Dat hij zijn Derde Concerto speelt is in veel oren een beetje ontoereikend, omdat hij vier maanden later terug moest en de eerste kant weer moest opnemen. Hij stopte er op het laatste moment in omdat de producer Charles Connell hem verdriet gaf en zei dat hij geen piano kon spelen en ook niet kon componeren. Kortom, hij maakte de hele zaak zeer onaangenaam voor Rachmaninov. We hebben deze meneer Connell dus te danken dat hij de Liszt-sonate, de Hammerklavier-sonate, de Waldstein-sonate en de Chopin B-mineur-sonate niet had. Van de opnames die we hebben, is het erg moeilijk om een favoriet te kiezen, maar ik ben helemaal weg van zijn opname van Schumann’s Carnaval. Ik denk dat dat perfect pianospel is van begin tot eind. ”
Sergei Rachmaninov werd ook gekozen door Stephen Kovacevich, Denis Matsuev en Alexey Yemtsov.
Waarom zijn er zo veel grote Russische pianisten?
Vanaf de 19e eeuw is er een zeer systematische muzikale opvoeding voor kinderen in Rusland, die begon met de oprichting van het Moscow Imperial Conservatory. Rachmaninov kwam daar op 14-jarige leeftijd studeren. Hij woonde in het huis van Nikolai Zverev, die een kostschool had opgericht voor jonge studenten, die zes uur per dag moesten oefenen, afgezien van hun schoolstudie. .
Die school veranderde in de Sovjet-tijd in de Centrale Muziekschool en het systeem breidde zich uit over het hele land. Tegenwoordig is er in Rusland serieuze muziekeducatie voor kinderen vanaf het moment dat ze groot genoeg zijn om de sleutels te bereiken. Vladimir Ashkenazy, Grigory Sokolov en Mikhail Pletnev zijn producten van deze nogal strenge Sovjetschool.
Kinderen studeren dus zeven of acht jaar aan een speciale muziekschool en gaan op hun vijftiende drie jaar naar de muziekschool. En dat is alles voordat ze zich inschrijven voor het Conservatorium.
Dus als een kind talent heeft, kunnen ze tegen de leeftijd van 16 in principe alles spelen. Dat betekent dat wanneer Russische studenten naar het conservatorium komen, ze al professionele pianisten zijn. Ze hebben bijna geen technische grenzen om te overbruggen en kunnen zich gewoon concentreren op het worden van een kunstenaar. Het is dus niet zoals alleen pianolessen met een leraar – het is systematisch en volledig gratis muziekonderwijs. Genieën worden overal geboren, maar alleen in Rusland worden ze op deze manier opgevoed.
Elena Kuznetsova
Dean of Piano, Moscow Conservatory
