Nederland (1872–1911) Rediger

Mondrian ble født i Amersfoort, provinsen Utrecht i Nederland, den andre av foreldrenes «barn. Han stammer fra Christian Dirkzoon Monderyan som bodde i Haag så tidlig som i 1670. Familien flyttet til Winterswijk da faren, Pieter Cornelius Mondrian, ble utnevnt til skolelærer ved en lokal barneskole. Mondrian ble introdusert for kunst fra tidlig alder. Faren var en kvalifisert tegningslærer, og sammen med onkelen Fritz Mondrian (en elev av Willem Maris fra kunstskolen i Haag) malte og tegnet den yngre Piet ofte langs elven Gein.

Etter en streng protestantisk oppdragelse, i 1892 gikk Mondrian inn i Academy for Fine Art i Amsterdam. Han var allerede kvalifisert som lærer. Han begynte karrieren som lærer i grunnskolen, men han praktiserte også maleri. Det meste av arbeidet hans fra denne perioden er naturalistisk eller impresjonistisk, og består i stor grad av landskap. Disse pastorale bildene av hjemlandet hans viser vindmøller, felt og elver, først på den nederlandske impresjonistiske måten ved Haagskolen og deretter i en rekke stilarter og teknikker som vitner om hans søken etter en personlig stil. Disse maleriene er representasjonsmessige, og de illustrerer innflytelsen som ulike kunstneriske bevegelser hadde på Mondrian, inkludert pointillisme og de levende fargene til Fauvisme.

Utstilt i Gemeentemuseum Den Haag er det en rekke malerier fra denne perioden, inkludert slike postimpresjonistiske arbeider som The Red Mill and Trees in Moonrise. Et annet maleri, Evening (Avond) (1908), som skildrer et tre i et felt i skumringen, forbedrer til og med fremtidig utvikling ved å bruke en palett som nesten utelukkende består av rød, gul og blå. Selv om Avond bare er begrenset abstrakt, er det det tidligste Mondrian-maleriet som fremhever primærfarger.

Mondrians tidligste malerier som viser en grad av abstraksjon er en serie lerreter fra 1905 til 1908 som skildrer svake scener med utydelige trær og hus som reflekteres i stille vann. Selv om resultatet får betrakteren til å begynne å fokusere på formene over innholdet, er disse maleriene fortsatt solid forankret i naturen det er kun kunnskapen om Mondrians senere prestasjoner som får en til å søke i disse verkene etter røttene til hans fremtidige abstraksjon.

Mondrians kunst var nært knyttet til hans åndelige og filosofiske studier. I 1908 , ble han interessert i den teosofiske bevegelsen lansert av Helena Petrovna Blavatsky på slutten av 1800-tallet, og i 1909 ble han med i den nederlandske grenen av Theosophical Society. Arbeidet til Blavatsky og en parallell åndelig bevegelse, Rudolf Steiners antroposofi, påvirket betydelig den videre utviklingen av hans estetikk. Blavatsky mente at det var mulig å oppnå en dypere kunnskap om naturen enn den som ble gitt med empiriske midler, og mye av Mondrian arbeidet for resten av livet var inspirert av hans søken etter den åndelige kunnskapen. I 1918 skrev han «Jeg fikk alt fra den hemmelige doktrinen», med henvisning til en bok skrevet av Blavatsky. I et brev til Steiner argumenterte Mondrian i 1921 for at hans neoplastisme var «kunsten i overskuelig fremtid for alle sanne antroposofer og teosofer». Han forble en engasjert teosof i de påfølgende årene, selv om han også mente at hans egen kunstneriske strøm, neoplastisisme, til slutt ville bli en del av en større, økumenisk åndelighet.

Mondrian og hans senere arbeid ble dypt påvirket av 1911 Moderne Kunstkring utstilling av kubisme i Amsterdam. Hans søken etter forenkling vises i to versjoner av Still Life with Ginger Pot (Stilleven met Gemberpot). 1911-versjonen er kubistisk; i 1912-versjonen er gjenstandene redusert til en rund form med trekanter og rektangler.

Paris (1911–1914) Rediger

I 1911 flyttet Mondrian til Paris og skiftet navn, og droppet et «a» fra Mondrian for å understreke hans avgang fra Nederland, og hans integrering i parisisk avantgarde. Mens han var i Paris, kom innflytelsen fra den kubistiske stilen til Pablo Picasso og Georges Braque nesten umiddelbart til syne i Mondrians verk. Malerier som The Sea (1912) og hans forskjellige studier av trær fra det året inneholder fremdeles et mål på representasjon, men , i økende grad, domineres de av geometriske former og sammenflettende plan. Mens Mondrian var ivrig etter å absorbere den kubistiske innflytelsen i arbeidet sitt, virker det klart at han så på kubismen som en «anløpshavn» på sin kunstneriske reise, snarere enn som et mål .

Nederland (1914–1918) Rediger

I motsetning til kubistene forsøkte Mondrian fremdeles å forene maleriet sitt med sine åndelige sysler, og i 1913 begynte han å smelte sammen sin kunst og sin teosofiske studerte en teori som signaliserte hans siste pause fra representasjonsmaleriet. Mens Mondrian besøkte Nederland i 1914, begynte første verdenskrig og tvang ham til å bli der så lenge konflikten varte. I denne perioden bodde han hos Laren-kunstnerne » kolon y, hvor han møtte Bart van der Leck og Theo van Doesburg, som begge gjennomgikk sine egne personlige reiser mot abstraksjon. Van der Lecks bruk av kun primærfarger i kunsten hans påvirket Mondrian sterkt. Etter et møte med Van der Leck i 1916 skrev Mondrian: «Min teknikk som var mer eller mindre kubistisk, og derfor mer eller mindre billedlig, kom under innflytelse av hans presise metode. «Med Van Doesburg grunnla Mondrian De Stijl (The Style), et tidsskrift for De Stijl Group, hvor han først publiserte essays som definerte teorien hans, som han kalte neoplastikk.

Mondrian ga ut «De Nieuwe Beelding in de schilderkunst» («Den nye plasten i maling») i tolv avdrag i løpet av 1917 og 1918. Dette var hans første store forsøk på å uttrykke sin kunstneriske teori skriftlig. Mondrians beste og ofte siterte uttrykk for denne teorien kommer imidlertid fra et brev han skrev til HP Bremmer i 1914:

Jeg konstruerer linjer og fargekombinasjoner på en flat overflate, i for å uttrykke generell skjønnhet med den største bevissthet. Naturen (eller det som jeg ser) inspirerer meg, setter meg som en hvilken som helst maler i en følelsesmessig tilstand slik at en trang kommer til å lage noe, men jeg vil komme så nær sannheten som mulig og abstrakte alt fra inntil jeg når grunnlaget (fremdeles bare et eksternt fundament!) av ting … Jeg tror det er mulig at, gjennom horisontale og vertikale linjer konstruert med bevissthet, men ikke med beregning, ledet av høy intuisjon, og ført til harmoni og rytme , disse grunnleggende skjønnhetsformene, supplert om nødvendig med andre direkte linjer eller kurver, kan bli et kunstverk, så sterkt som det er sant.

Paris (1918–1938) Rediger

Da første verdenskrig endte i 1918, vendte Mondrian tilbake til Frankrike, hvor han ville bli værende til 1938. Senket ned i etterkrigstidens Paris-kultur av kunstnerisk innovasjon, blomstret han og omfavnet kunsten til ren abstraksjon for resten av livet. Mondrian begynte å produsere rutenettbaserte malerier i slutten av 1919, og i 1920 begynte stilen han ble kjent for.

I de tidlige maleriene av denne stilen er linjene som avgrenser de rektangulære formene. relativt tynne, og de er grå, ikke svarte. Linjene har også en tendens til å være t o falmer når de nærmer seg kanten av maleriet, i stedet for å stoppe brått. Formene i seg selv, mindre og flere enn i senere malerier, er fylt med primærfarger, svart eller grå, og nesten alle er farget; bare noen få er hvite igjen.

I slutten av 1920 og 1921 kommer Mondrians malerier til det som er for tilfeldige observatører deres definitive og modne form. Tykke sorte linjer skiller nå formene, som er større og færre i antall, og flere av skjemaene blir hvite.Dette var imidlertid ikke kulminasjonen av hans kunstneriske utvikling. Selv om raffinementene ble subtilere, fortsatte Mondrians arbeid å utvikle seg i løpet av årene i Paris.

I 1921-maleriene stopper mange, men ikke alle, de svarte linjene kort i en tilsynelatende vilkårlig avstand fra kanten på lerretet, selv om skillene mellom de rektangulære formene forblir intakte. Også her forblir de rektangulære formene for det meste fargede. Etter hvert som årene gikk og Mondrians arbeid utviklet seg videre, begynte han å utvide alle linjene til kantene på lerret, og han begynte å bruke færre og færre fargede former, og favoriserte hvitt i stedet.

Disse tendensene er spesielt tydelige i «pastill» -verkene som Mondrian begynte å produsere med jevne mellomrom på midten av 1920-tallet. Maleriene «pastiller» er firkantede lerret vippet 45 grader, slik at de har en diamantform. Typisk for disse er Schilderij nr. 1: pastill med to linjer og blått (1926). Et av de mest minimale av Mondrians lerreter, dette maleriet består bare av to svarte, vinkelrette linjer og en liten blå trekantet form. Linjene strekker seg helt til kantene på lerretet, og gir nesten inntrykk av at maleriet er et fragment av et større verk.

Selv om synet på maleriet blir hindret av glasset som beskytter det, og av den toll som alder og håndtering åpenbart har tatt på lerretet, er en nøye undersøkelse av dette maleriet. begynner å avsløre noe av kunstnerens metode. Maleriet er ikke sammensatt av helt flate fargeflater, som man kunne forvente. Subtile penselstrøk er tydelige gjennomgående. Kunstneren ser ut til å ha brukt forskjellige teknikker for de forskjellige elementene. Den svarte linjene er de flateste elementene, med minst mulig dybde. De fargede formene har de mest åpenbare penselstrøkene, alle går i en retning. Mest interessant er imidlertid de hvite formene, som tydeligvis er malt i lag med penselstr. ok løper i forskjellige retninger. Dette genererer en større dybdefølelse i de hvite formene, slik at de ser ut til å overvelde linjene og fargene, som de faktisk gjorde, ettersom Mondrians malerier i denne perioden ble stadig mer dominert av det hvite rommet.

I 1926 besøkte Katherine Dreier, medstifter av New York Citys Society of Independent Artists (sammen med Marcel Duchamp og Man Ray) Piet Mondrians studio i Paris og skaffet seg en av hans diamantkomposisjoner, Painting I Dette ble deretter vist under en utstilling organisert av Society of Independent Artists i Brooklyn Museum – den første store utstillingen med moderne kunst i Amerika siden Armory Show. Hun uttalte i katalogen at «Holland har produsert tre store malere som, selv om det var et logisk uttrykk for sitt eget land, steg det over det gjennom deres personlighetskraft – den første var Rembrandt, den andre var Van Gogh, og den tredje er Mondrian. «

Etter hvert som årene gikk, strek begynte å gå foran former i Mo ndrians malerier. På 1930-tallet begynte han å bruke tynnere linjer og doble linjer oftere, tegnet med noen få små fargede former, hvis noen i det hele tatt. Dobbeltlinjer begeistret Mondrian spesielt, for han trodde de tilbød maleriene hans en ny dynamikk som han var ivrig etter å utforske. Introduksjonen av den doble linjen i hans arbeid ble påvirket av arbeidet til hans venn og samtid Marlow Moss.

Fra 1934 til 1935 ble tre av Mondrians malerier utstilt som en del av «Abstrakt og betong» «utstillinger i Storbritannia i Oxford, London og Liverpool.

London og New York (1938–1944) Rediger

I september 1938 forlot Mondrian Paris i møte med fremrykkende fascisme og flyttet til London. Etter at Nederland ble invadert og Paris falt i 1940, forlot han London til Manhattan i New York City, hvor han ville bli til sin død. Noen av Mondrians senere arbeider er vanskelige å plassere når det gjelder hans kunstneriske utvikling fordi det var ganske mange lerreter han begynte i Paris eller London og fullførte bare måneder eller år senere på Manhattan. De ferdige verkene fra denne senere perioden er visuelt opptatt, med flere linjer enn noe av hans arbeid siden 1920-tallet, plassert i et overlappende arrangement som nesten er kartografisk i utseende. Han brukte mange lange timer på å male på egen hånd til hendene ble blæret, og han gråt eller gjorde seg av og til syk.

Mondrian produserte Lozenge Composition With Four Yellow Lines (1933), et enkelt maleri som innoverte tykke, fargede. linjer i stedet for svarte. Etter det ene maleriet ble denne praksisen sovende i Mondrians verk til han ankom Manhattan, og da begynte han å omfavne den med forlatelse.I noen eksempler på denne nye retningen, som Composition (1938) / Place de la Concorde (1943), ser det ut til at han har tatt uferdige svartelinjemalerier fra Paris og fullført dem i New York ved å legge til korte vinkelrette linjer i forskjellige farger, løper mellom de lengre svarte linjene, eller fra en svart linje til kanten av lerretet. De nylig fargede områdene er tykke, og nesten bro over gapet mellom linjer og former, og det er oppsiktsvekkende å se farger i et Mondrian-maleri som er ubegrenset med svart. Andre verk blander lange linjer med rødt blant de kjente svarte linjene, og skaper en ny dybdefølelse ved å legge til et farget lag på toppen av det svarte. Hans maleri Komposisjon nr. 10, 1939–1942, preget av primærfarger, hvite bakker og svarte rutenettlinjer definerte klart Mondrians radikale, men klassiske tilnærming til rektangelet.

23. september 1940 forlot Mondrian Europa for å New York om bord på Cunard White Star Lines-skipet RMS Samaria, med avgang fra Liverpool. De nye lerretene som Mondrian startet på Manhattan er enda mer oppsiktsvekkende, og indikerer begynnelsen på et nytt uttrykk som ble kuttet av kunstnerens død. New York City (1942) er et komplekst gitter med røde, blå og gule linjer, som av og til flettes for å skape en større følelse av dybde enn hans tidligere verk. En uferdig 1941-versjon av dette verket bruker strimler med malt papirbånd, som kunstneren kan omorganisere etter eget ønske for å eksperimentere med forskjellige design.

Hans maleri Broadway Boogie-Woogie (1942–43) på The Museum of Modern Art på Manhattan var svært innflytelsesrik i skolen for abstrakt geometrisk maleri. Stykket består av et antall skinnende firkanter med lys farge som hopper fra lerretet, og ser ut til å skinne og trekker betrakteren inn i de neonlysene. I dette maleriet og den uferdige Victory Boogie Woogie (1942–1944) erstattet Mondrian tidligere solide linjer med linjer laget av små tilstøtende rektangler av farge, delvis skapt ved å bruke små papirbånd i forskjellige farger. Større ubegrensede rektangler med farge punkterer designet, noen med mindre konsentriske rektangler inni seg. Mens Mondrians verk fra 1920- og 1930-tallet pleier å ha en nesten vitenskapelig innstramming om dem, er dette lyse, livlige malerier som gjenspeiler den positive musikken som inspirerte dem og byen de ble laget i.

I disse endelige verkene har formene virkelig overgått linjenes rolle, og åpnet en ny ny dør for Mondrians utvikling som abstraksjonist. Boogie-Woogie-maleriene var tydeligvis mer en revolusjonerende endring enn en evolusjonær, og representerte den mest dype utviklingen i Mondrians verk siden han forlot representasjonskunsten i 1913.

I 2008 gikk det nederlandske TV-programmet Andere Tijden fant det eneste kjente filmopptaket med Mondrian. Oppdagelsen av filmopptakene ble kunngjort på slutten av et toårig forskningsprogram om Victory Boogie Woogie. Forskningen fant at maleriet var i veldig god stand og at Mondrian malte komposisjon i en økt. Det ble også funnet at komposisjonen ble endret radikalt av Mondrian kort før hans død ved å bruke små biter av farget tape.

Wall worksEdit

When the 47-year -gamle Piet Mondrian forlot Nederland for uhindret Paris for andre og siste gang i 1919, satte han i gang med å gjøre atelieret sitt til et nærende miljø for malerier han hadde i tankene som i økende grad ville uttrykke prinsippene i neoplas ticisme som han hadde skrevet om i to år. For å skjule studioets strukturelle feil raskt og billig, taklet han opp store rektangulære plakater, hver i en farge eller nøytral fargetone. Mindre fargede papirruter og rektangler, sammensatt sammen, fremhevet veggene. Så kom en intens periode med maling. Igjen adresserte han veggene, omplasserte de fargede utskjæringene, la til antallet, endret dynamikken i farge og rom, produserte nye spenninger og likevekt. Før lenge hadde han etablert en kreativ tidsplan der en periode med maling skiftet med en periode eksperimentelt å omgruppere de mindre papirene på veggene, en prosess som direkte matet neste malingsperiode. Det var et mønster han fulgte resten av livet gjennom krigstid fra Paris til Londons Hampstead i 1938 og 1940, over Atlanterhavet til Manhattan.

I en alder av 71 år høsten 1943 flyttet Mondrian inn i sitt andre og siste Manhattan-studio på East 59th Street 15, og begynte å gjenskape miljøet h jeg hadde lært gjennom årene var mest behagelig for hans beskjedne livsstil og mest stimulerende for hans kunst.Han malte de høye veggene samme benhvite som han brukte på staffeliet og på setene, bordene og oppbevaringsveskerne som han designet og formet omhyggelig fra kasserte appelsin- og eplekasser. Han glanset toppen av en hvit metallkrakk i den samme strålende primærrødden som han påførte på pappkappen han laget for radiografografen som sølte ut sin elskede jazz fra velreisende plater. Besøkende i dette siste studioet så sjelden mer enn ett eller to nye lerreter, men fant, til sin store forbauselse, at åtte store komposisjoner av fargede papirbiter han hadde klistret og klistret på veggene i stadig skiftende forhold, utgjorde sammen en miljø som paradoksalt og samtidig var både kinetisk og rolig, stimulerende og avslappende. Det var den beste plassen, sa Mondrian at han hadde bebodd. Han var der i bare noen få måneder, da han døde i februar 1944.

Etter sin død ble Mondrians venn og sponsor på Manhattan, kunstneren Harry Holtzman, og en annen malervenn, Fritz Glarner, nøye dokumentert. studioet på film og på stillbilder før han åpnet det for publikum for en seks ukers utstilling. Før demonteringen av studioet spores Holtzman (som også var Mondrians arving) veggkomposisjonene nøyaktig, forberedte nøyaktige bærbare faksimiler av rommet hver hadde okkupert, og festet til hver av de originale overlevende utskjæringsdelene. Disse bærbare Mondrian-komposisjonene er blitt kjent som «The Wall Works». Siden Mondrians død har de blitt utstilt to ganger på Manhattans Museum of Modern Art (1983 og 1995–96), en gang i SoHo på Carpenter + Hochman Gallery (1984), en gang hver på Galerie Tokoro i Tokyo, Japan (1993), XXII-biennalen til Sao Paulo (1994), University of Michigan (1995), og – første gang vist i Europa – på Akademie der Künste (Academy of the Arts), i Berlin (22. februar – 22. April 2007).