Pays-Bas (1872-1911) Modifier

Mondrian est né à Amersfoort, province d’Utrecht aux Pays-Bas, le deuxième des enfants de ses parents. Il descendait de Christian Dirkzoon Monderyan qui vivait à La Haye dès 1670. La famille déménagea à Winterswijk lorsque son père, Pieter Cornelius Mondrian, fut nommé directeur d’une école primaire locale. Mondrian a été initié à l’art dès son plus jeune âge. Son père était un professeur de dessin qualifié et, avec son oncle, Fritz Mondrian (un élève de Willem Maris de l’école d’artistes de La Haye), le jeune Piet peignait et dessinait souvent le long de la rivière Gein.

Après une éducation protestante stricte, en 1892, Mondrian entre à l’Académie des Beaux-Arts d’Amsterdam. Il était déjà qualifié d’enseignant. Il a commencé sa carrière comme enseignant dans l’enseignement primaire, mais il a également pratiqué la peinture. La plupart de son travail de cette période est naturaliste ou impressionniste, constitué en grande partie de paysages. Ces images pastorales de son pays natal représentent des moulins à vent, des champs et des rivières, d’abord à la manière impressionniste hollandaise de l’école de La Haye, puis dans une variété de styles et de techniques qui témoignent de sa recherche d’un style personnel. Ces peintures sont représentatives et illustrent l’influence de divers mouvements artistiques sur Mondrian, notamment le pointillisme et les couleurs vives du fauvisme.

Le Gemeentemuseum Den Haag expose un certain nombre de peintures de cette période, y compris des œuvres post-impressionnistes comme The Red Mill and Trees in Moonrise. Un autre tableau, Evening (Avond) (1908), représentant un arbre dans un champ au crépuscule, augure même de développements futurs en utilisant une palette composée presque entièrement de rouge, jaune et bleu. Bien qu’Avond ne soit que peu abstrait, il s’agit de la première peinture de Mondrian à mettre en valeur les couleurs primaires.

Les premières peintures de Mondrian montrant un degré de abstraction est une série de toiles de 1905 à 1908 qui représentent des scènes sombres d’arbres indistincts et de maisons reflétées dans de l’eau calme. ce n’est que la connaissance des réalisations ultérieures de Mondrian qui conduit à rechercher dans ces œuvres les racines de sa future abstraction.

L’art de Mondrian était intimement lié à ses études spirituelles et philosophiques. En 1908 , il s’intéresse au mouvement théosophique lancé par Helena Petrovna Blavatsky à la fin du XIXe siècle, et au 1909, il rejoint la branche néerlandaise de la Société Théosophique. Le travail de Blavatsky et un mouvement spirituel parallèle, l’Anthroposophie de Rudolf Steiner, ont considérablement affecté le développement ultérieur de son esthétique. Blavatsky pensait qu’il était possible d’atteindre une connaissance plus profonde de la nature que celle fournie par des moyens empiriques, et une grande partie de Mondrian Le travail de s pour le reste de sa vie a été inspiré par sa recherche de cette connaissance spirituelle. En 1918, il écrivit « J’ai tout obtenu de la Doctrine Secrète », faisant référence à un livre écrit par Blavatsky. En 1921, dans une lettre à Steiner, Mondrian a soutenu que son néoplasticisme était «l’art de l’avenir prévisible pour tous les vrais anthroposophes et théosophes». Il est resté un théosophe engagé les années suivantes, même s’il croyait également que son propre courant artistique, le néoplasticisme, finirait par faire partie d’une spiritualité œcuménique plus large.

Mondrian et ses travaux ultérieurs ont été profondément influencés par le 1911 Exposition Moderne Kunstkring du cubisme à Amsterdam. Sa recherche de simplification est illustrée dans deux versions de Still Life with Ginger Pot (Stilleven met Gemberpot). La version de 1911 est cubiste; dans la version 1912, les objets sont réduits à une forme ronde avec des triangles et des rectangles.

Paris (1911–1914) Modifier

En 1911, Mondrian s’installe à Paris et change de nom, laissant tomber un «a» de Mondrian, pour souligner son départ des Pays-Bas, et son intégration dans l’avant-garde parisienne. À Paris, l’influence du style cubiste de Pablo Picasso et de Georges Braque est apparue presque immédiatement dans l’œuvre de Mondrian. Des peintures comme La Mer (1912) et ses diverses études d’arbres de cette année contiennent encore une certaine représentation, mais , de plus en plus, ils sont dominés par des formes géométriques et des plans imbriqués. Alors que Mondrian était désireux d’absorber l’influence cubiste dans son travail, il semble clair qu’il voyait le cubisme comme une «escale» dans son parcours artistique, plutôt que comme une destination .

Pays-Bas (1914-1918) Modifier

Contrairement aux cubistes, Mondrian tentait toujours de réconcilier sa peinture avec ses activités spirituelles, et en 1913 il commença à fusionner son art et sa théosophie étudie une théorie qui a marqué sa rupture définitive avec la peinture figurative. Pendant que Mondrian était en visite aux Pays-Bas en 1914, la Première Guerre mondiale a commencé, l’obligeant à y rester pendant toute la durée du conflit. Pendant cette période, il est resté chez les artistes de Laren.  » côlon y, où il a rencontré Bart van der Leck et Theo van Doesburg, qui étaient tous deux en train de vivre leur propre cheminement vers l’abstraction. L’utilisation par Van der Leck des seules couleurs primaires dans son art a grandement influencé Mondrian. Après une rencontre avec Van der Leck en 1916, Mondrian a écrit: «Ma technique qui était plus ou moins cubiste, et donc plus ou moins picturale, relevait de la influence de sa méthode précise. « Avec Van Doesburg, Mondrian fonde De Stijl (The Style), une revue du De Stijl Group, dans laquelle il publie pour la première fois des essais définissant sa théorie, qu’il appelle néoplasticisme.

Mondrian a publié « De Nieuwe Beelding in de schilderkunst » (« Le nouveau plastique dans la peinture ») en douze épisodes en 1917 et 1918. C’était sa première tentative majeure d’exprimer sa théorie artistique par écrit. Mondrian « le meilleur et le plus souvent cité l’expression de cette théorie vient cependant d’une lettre qu’il a écrite à HP Bremmer en 1914:

Je construis des lignes et des combinaisons de couleurs sur une surface plane, en afin d’exprimer la beauté générale avec la plus grande conscience. La nature (ou, ce que je vois) m’inspire, me met, comme avec tout peintre, dans un état émotionnel pour qu’une envie de faire quelque chose se produise, mais je veux me rapprocher le plus possible de la vérité et tout abstrait cela, jusqu’à ce que j’atteigne le fondement (encore juste un fondement externe!) des choses… Je crois qu’il est possible que, à travers des lignes horizontales et verticales construites avec conscience, mais pas avec calcul, dirigées par une intuition élevée, et mises en harmonie et en rythme , ces formes basiques de beauté, complétées si nécessaire par d’autres lignes ou courbes directes, peuvent devenir une œuvre d’art, aussi forte soit-elle.

Paris (1918–1938) Modifier

la fin de la Première Guerre mondiale en 1918, Mondrian retourne en France, où il restera jusqu’en 1938. Immergé dans la culture parisienne de l’innovation artistique d’après-guerre, il s’épanouit et embrasse pleinement l’art de l’abstraction pure pour le reste de sa vie. Mondrian a commencé à produire des peintures à base de grille à la fin de 1919, et en 1920, le style pour lequel il est devenu célèbre a commencé à apparaître.

Dans les premières peintures de ce style, les lignes délimitant les formes rectangulaires sont relativement minces, et elles sont grises, pas noires. Les lignes ont aussi tendance à t o s’estompent à l’approche du bord du tableau, plutôt que de s’arrêter brusquement. Les formes elles-mêmes, plus petites et plus nombreuses que dans les peintures ultérieures, sont remplies de couleurs primaires, noires ou grises, et presque toutes sont colorées; seuls quelques-uns restent blancs.

À la fin des années 1920 et 1921, les peintures de Mondrian parviennent à ce qui est aux observateurs occasionnels leur forme définitive et mature. Des lignes noires épaisses séparent maintenant les formes, qui sont plus grandes et moins nombreux et plus de formes restent blanches.Ce n’était cependant pas le point culminant de son évolution artistique. Bien que les raffinements soient devenus plus subtils, le travail de Mondrian a continué d’évoluer pendant ses années à Paris.

Dans les peintures de 1921, beaucoup, mais pas toutes, des lignes noires s’arrêtent à une distance apparemment arbitraire du bord de la toile, bien que les divisions entre les formes rectangulaires restent intactes. Ici aussi, les formes rectangulaires restent majoritairement colorées. Au fil des années et au fur et à mesure que le travail de Mondrian évoluait, il commença à étendre toutes les lignes jusqu’aux bords du toile, et il a commencé à utiliser de moins en moins de formes colorées, privilégiant le blanc à la place.

Ces tendances sont particulièrement évidentes dans les œuvres en «losange» que Mondrian commença à produire avec régularité au milieu des années 1920. Les peintures « losanges » sont des toiles carrées inclinées à 45 degrés, de sorte qu’elles ont une forme de losange. Schilderij n ° 1: losange à deux lignes et bleu (1926) est typique de ces derniers. L’une des toiles les plus minimales de Mondrian, cette peinture se compose uniquement de deux lignes noires perpendiculaires et d’une petite forme triangulaire bleue. Les lignes s’étendent jusqu’aux bords de la toile, donnant presque l’impression que la peinture est une fragment d’une œuvre plus grande.

Bien que la vision du tableau soit gênée par le verre qui la protège, et par le tribut que l’âge et la manipulation ont évidemment pris sur la toile, un examen attentif de ce tableau commence à révéler quelque chose de la méthode de l’artiste. La peinture n’est pas composée de plans de couleur parfaitement plats, comme on pourrait s’y attendre. Des coups de pinceau subtils sont évidents partout. L’artiste semble avoir utilisé différentes techniques pour les différents éléments. Le noir les lignes sont les éléments les plus plats, avec le moins de profondeur. Les formes colorées ont les traits de pinceau les plus évidents, tous fonctionnant dans une seule direction. Les formes blanches, cependant, sont les plus intéressantes, qui ont clairement été peintes en couches à l’aide de pinceaux. okes fonctionnant dans des directions différentes. Cela génère une plus grande sensation de profondeur dans les formes blanches de sorte qu’elles semblent submerger les lignes et les couleurs, ce qu’elles faisaient effectivement, car les peintures de Mondrian de cette période sont devenues de plus en plus dominées par les espaces blancs.

En 1926, Katherine Dreier, co-fondatrice de la New York City « s Society of Independent Artists (avec Marcel Duchamp et Man Ray), a visité l’atelier de Piet Mondrian à Paris et a acquis l’une de ses compositions de diamants, Painting I Cela a ensuite été montré lors d’une exposition organisée par la Society of Independent Artists au Brooklyn Museum – la première grande exposition d’art moderne en Amérique depuis l’Armory Show. Elle a déclaré dans le catalogue que « la Hollande a produit trois grands peintres qui, bien qu’une expression logique de leur propre pays, s’élevait au-dessus de lui grâce à la vigueur de leur personnalité – le premier était Rembrandt, le second était Van Gogh, et le troisième est Mondrian. « 

Au fil des années, des lignes a commencé à prendre le pas sur les formes en Mo peintures de ndrian. Dans les années 1930, il a commencé à utiliser plus fréquemment des lignes plus fines et des lignes doubles, ponctuées de quelques petites formes colorées, voire aucune. Les doubles lignes excitaient particulièrement Mondrian, car il croyait qu’elles offraient à ses tableaux un nouveau dynamisme qu’il avait à cœur d’explorer. L’introduction de la double ligne dans son travail a été influencée par le travail de son ami et contemporain Marlow Moss.

De 1934 à 1935, trois des peintures de Mondrian ont été exposées dans le cadre du « Résumé et béton « expositions au Royaume-Uni à Oxford, Londres et Liverpool.

Londres et New York (1938-1944) Modifier

En septembre 1938, Mondrian quitta Paris face à l’avancée du fascisme et s’installa à Londres. Après l’invasion des Pays-Bas et la chute de Paris en 1940, il quitta Londres pour Manhattan en New York, où il restera jusqu’à sa mort. Certaines des œuvres ultérieures de Mondrian sont difficiles à situer en termes de développement artistique car il y avait pas mal de toiles dans lesquelles il a commencé Paris ou Londres et seulement des mois ou des années plus tard à Manhattan. Les œuvres finies de cette période postérieure sont visuellement occupées, avec plus de lignes que n’importe laquelle de ses œuvres depuis les années 1920, placées dans un arrangement superposé qui est presque cartographique en apparence. Il a passé de longues heures à peindre seul jusqu’à ce que ses mains se boursouflent, et parfois il pleurait ou se rendait malade.

Mondrian a produit Lozenge Composition With Four Yellow Lines (1933), une peinture simple qui innovait épaisse, colorée des lignes au lieu de noires. Après cette peinture, cette pratique est restée en sommeil dans le travail de Mondrian jusqu’à son arrivée à Manhattan, date à laquelle il a commencé à l’embrasser avec abandon.Dans quelques exemples de cette nouvelle direction, tels que Composition (1938) / Place de la Concorde (1943), il semble avoir pris des peintures au trait noir inachevées de Paris et les a complétées à New York en ajoutant de courtes lignes perpendiculaires de différentes couleurs, entre les lignes noires les plus longues ou entre une ligne noire et le bord de la toile. Les zones nouvellement colorées sont épaisses, comblant presque le fossé entre les lignes et les formes, et il est surprenant de voir la couleur dans une peinture de Mondrian qui n’est pas limitée par le noir. D’autres œuvres mélangent de longues lignes de rouge au milieu des lignes noires familières, créant une nouvelle sensation de profondeur par l’ajout d’une couche colorée au-dessus de la noire. Sa peinture Composition n ° 10, 1939–1942, caractérisée par des couleurs primaires, un fond blanc et des lignes de quadrillage noires définissait clairement l’approche radicale mais classique de Mondrian du rectangle.

Le 23 septembre 1940, Mondrian quitta l’Europe pour New York à bord du RMS Samaria, navire Cunard White Star Lines, au départ de Liverpool. Les nouvelles toiles que Mondrian a commencé à Manhattan sont encore plus surprenantes et indiquent le début d’un nouvel idiome qui a été interrompu par la mort de l’artiste. New York City (1942) est un réseau complexe de lignes rouges, bleues et jaunes, parfois entrelacées pour créer une plus grande sensation de profondeur que ses œuvres précédentes. Une version inachevée de 1941 de cette œuvre utilise des bandes de ruban de papier peint, que l’artiste pourrait réarranger à volonté pour expérimenter différents motifs.

Son tableau Broadway Boogie-Woogie (1942-1943) au Museum of Modern Art à Manhattan était très influent dans l’école de la peinture géométrique abstraite. La pièce est composée d’un certain nombre de carrés chatoyants de couleurs vives qui sautent de la toile, puis semblent scintiller, attirant le spectateur dans ces néons. Dans ce tableau et dans le Victory Boogie Woogie inachevé (1942-1944), Mondrian a remplacé les anciennes lignes pleines par des lignes créées à partir de petits rectangles de couleur adjacents, créés en partie à l’aide de petits morceaux de ruban adhésif de différentes couleurs. De plus grands rectangles de couleur illimités ponctuent le dessin, certains avec des rectangles concentriques plus petits à l’intérieur. Alors que les œuvres de Mondrian des années 1920 et 1930 ont tendance à avoir une austérité presque scientifique à leur sujet, ce sont des peintures lumineuses et vivantes, reflétant la musique optimiste qui les a inspirées et la ville dans laquelle elles ont été réalisées.

Dans ces derniers travaux, les formes ont en effet usurpé le rôle des lignes, ouvrant une nouvelle porte au développement de Mondrian comme abstractioniste. Les peintures de Boogie-Woogie étaient clairement plus un changement révolutionnaire qu’un changement évolutif, représentant le développement le plus profond de l’œuvre de Mondrian depuis son abandon de l’art figuratif en 1913.

En 2008, le programme de télévision néerlandais Andere Tijden a trouvé la seule séquence de film connue avec Mondrian. La découverte du film a été annoncée à la fin d’un programme de recherche de deux ans sur le Victory Boogie Woogie. La recherche a révélé que le tableau était en très bon état et que Mondrian a peint le composition en une seule séance. On a également constaté que la composition avait été radicalement modifiée par Mondrian peu avant sa mort en utilisant de petits morceaux de ruban adhésif de couleur.

Wall worksModifier

Quand les 47 ans -old Piet Mondrian quitta les Pays-Bas pour Paris sans entraves pour la deuxième et dernière fois en 1919, il entreprit aussitôt de faire de son atelier un environnement nourricier pour les peintures qu’il avait en tête et qui exprimeraient de plus en plus les principes des néoplas ticisme sur lequel il écrivait depuis deux ans. Pour masquer rapidement et à peu de frais les défauts structurels de l’atelier, il a collé de grandes pancartes rectangulaires, chacune dans une seule couleur ou teinte neutre. Des carrés et des rectangles de papier de couleur plus petits, composés ensemble, ont accentué les murs. Puis vint une période intense de peinture. Il s’adressa à nouveau aux murs, repositionnant les découpes colorées, augmentant leur nombre, modifiant la dynamique de la couleur et de l’espace, produisant de nouvelles tensions et de nouveaux équilibres. Avant longtemps, il avait établi un calendrier créatif dans lequel une période de peinture se succédait à une période. de regrouper expérimentalement les papiers plus petits sur les murs, un processus qui a directement alimenté la prochaine période de peinture. C’était un modèle qu’il a suivi pour le reste de sa vie, à travers les mouvements de guerre de Paris à Londres à Hampstead en 1938 et 1940, à travers l’Atlantique à Manhattan.

À l’âge de 71 ans à l’automne 1943, Mondrian a emménagé dans son deuxième et dernier studio de Manhattan au 15 East 59th Street, et s’est mis à recréer l’environnement h e avait appris au fil des ans était le plus sympathique à son modeste mode de vie et le plus stimulant pour son art.Il a peint les hauts murs du même blanc cassé qu’il a utilisé sur son chevalet et sur les sièges, les tables et les caisses de rangement qu’il a conçu et façonné méticuleusement à partir d’oranges et de caisses de pommes jetées. Il a glacé le dessus d’un tabouret en métal blanc dans le même rouge primaire brillant qu’il a appliqué sur la gaine en carton qu’il a fabriquée pour le radio-phonographe qui a répandu son jazz bien-aimé à partir de disques bien voyagés. Les visiteurs de ce dernier studio ont rarement vu plus d’une ou deux nouvelles toiles, mais ont constaté, souvent à leur étonnement, que huit grandes compositions de bouts de papier colorés qu’il avait collés et recollés aux murs dans des relations toujours changeantes constituaient ensemble un environnement qui, paradoxalement et simultanément, était à la fois cinétique et serein, stimulant et reposant. C’était le meilleur espace, dit Mondrian, qu’il avait habité. Il n’y resta que quelques mois, car il mourut en février 1944.

Après sa mort, l’ami et sponsor de Mondrian à Manhattan, l’artiste Harry Holtzman, et un autre ami peintre, Fritz Glarner, ont soigneusement documenté le studio sur pellicule et sur des photographies fixes avant de l’ouvrir au public pour une exposition de six semaines. Avant de démanteler le studio, Holtzman (qui était également l’héritier de Mondrian) a tracé avec précision les compositions murales, préparé des fac-similés portables exacts de l’espace. avait occupé et apposé sur chacun des éléments de découpe d’origine. Ces compositions portables de Mondrian sont devenues connues sous le nom de « The Wall Works ». Depuis la mort de Mondrian, ils ont été exposés deux fois au Museum of Modern Art de Manhattan (1983 et 1995-1996), une fois à SoHo à la Carpenter + Hochman Gallery (1984), une fois chacun à la Galerie Tokoro à Tokyo, Japon (1993), la XXII Biennale de Sao Paulo (1994), l’Université du Michigan (1995) et – la première fois en Europe – à l’Akademie der Künste (Académie des Arts), à Berlin (22 février – 22) Avril 2007).