¿Qué lo hace genial? Un compromiso de sondear las profundidades intelectuales y espirituales de una obra, evitando las demostraciones de valentía técnica.

Jonathan Biss Sobre el sonido vivo de Schnabel

«Si me preguntaran qué pianista amaba más, nunca podría responder, ¡demasiadas posibilidades! Pero si se trata de quién me ha inspirado, es fácil: Artur Schnabel. Mi primera exposición a su Las grabaciones de las Sonatas de Beethoven llegaron en mi adolescencia, y rápidamente me obsesionaron con esas obras que espero que duren el resto de mi vida. No podía entender cómo podía transmitir tanto significado – espiritualidad, incluso – entre dos notas, o cómo logró producir a partir de este instrumento de teclas y martillos un sonido tan boyante, resistente a la gravedad, vivo. Esos dos objetivos: hacer un sonido que viva, y encontrar música no solo en las notas, sino alrededor de ellos, siguen siendo primordiales para mí, casi dos décadas después.

Cuando fui a estudiar con Leon Fleisher, Me conmovió escucharlo hablar de Schnabel, su propio maestro, con el mismo tipo de asombro. Las propias ideas de Fleisher sobre la música son convincentes, y él es incomparablemente elocuente al expresarlas, pero a menudo simplemente nos contaba lo que Schnabel le había dicho sobre esta pieza o aquella, en un tono de voz que sugería que no había nada mejor. autoridad. Me gusta pensar que he aprendido algo a través de este linaje, y todos los días trato de traer a mi música algo de la devoción, comprensión y, sobre todo, amor, que emana de cada nota que el hombre tocaba ”.

Wilhelm Kempff (1895-1991)

Elegido por Cyprien Latsaris, Michael Endres, David Fray y Eldar Nebolsin.

¿Quién era? Un pianista alemán que se centró en los grandes de la música alemana y tocó en conciertos hasta bien entrados los ochenta.

¿Qué lo hace genial? Inventiva rítmica y talento para resaltar el lirismo, el encanto y la espontaneidad de la música, especialmente en piezas o pasajes íntimos.

Cyprien Latsaris On Kempff en concierto

«Escuché a Kempff en vivo en París por primera vez cuando tenía 13 años y luego compré algunas de sus grabaciones de Beethoven y Brahms. No tenía la mejor técnica pianística, pero era muy especial. Creó unos momentos musicales sublimes, divinos que nos transportaron hacia los cielos. Estoy seguro de que hoy hubiera tenido el mismo éxito en concierto, porque lo más importante para un músico es tener una personalidad muy especial, y él tenía esa característica.

También ha influido en lo que hago al piano al hacer que me ponga en un segundo estado, un estado espiritual, antes de tocar. Hay tantas grabaciones suyas que atesoro, ya que Kempff sobresale en Beethoven , Brahms, Schumann, Schubert y Bach. Pero, en particular, nombraría el Kl avierstücke de Brahms, las sonatas medias de Beethoven y los conciertos núms.2 & 4, las transcripciones de Bach y Schubert Klavierstücke ”.

Alfred Brendel (nacido en 1931)

Elegido por Paul Lewis, Steven Osborne, Imogen Cooper y Till Fellner.

¿Quién es? Un pianista y profesor austríaco que ahora vive en Londres y que ha grabado cuatro conjuntos completos de las sonatas de Beethoven.

¿Qué lo hace genial? Cumplimiento riguroso de la partitura sin sonar nunca seco o académico, y una habilidad para encontrar momentos inesperados de humor, particularmente
en el repertorio clásico.

Paul Lewis Sobre estudiar con Brendel

«Recibí lecciones con Alfred Brendel en la década de 1990 y él ha sido una gran inspiración. Hablaba de música y yo pensaba:» Sí, eso tiene mucho sentido «. Y luego se sentaba y demostraba cosas, y ahí era cuando la bombilla realmente se apagaba. La primera vez que lo conocí fue cuando tenía 20 años en la Guildhall School of Music. Recuerdo que me sentí muy nervioso e intimidado. Al ver la silueta de las gafas y el cabello atravesando el pasillo, recuerdo haber pensado: ‘¡Dios mío, es él!’. Le toqué una sonata de Haydn y desde el principio quedó claro que solo le interesaba la música. . Eso es todo lo que importa. Puede que te preocupes por ti mismo, pero eso no es lo importante porque él no está en lo más mínimo preocupado por nada más que por lo que estás jugando. Eso coincidía con la impresión que había tenido de él antes de conocerlo, por sus conciertos y grabaciones, la de un músico increíblemente serio. Fue una gran inspiración y un privilegio trabajar con él durante esos años ”.

Glenn Gould (1932-1982)

Elegido por Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say y Jean-Efflam Bavouzet.

¿Quién era?Un pianista canadiense muy excéntrico que, después de una carrera de concierto estelar, rechazó el escenario a los 31 años para centrarse en grabaciones y proyectos experimentales.

¿Qué lo hace grande? Una prodigiosa habilidad para esculpir las múltiples líneas de la música polifónica, como la de Bach, con una claridad insuperable. Y una aparente incapacidad para el error técnico.

Pascal Rogé sobre Gould el recreador

«Escuché a Gould tocar por primera vez bastante tarde, ya que en mi juventud en el Conservatorio de París era completamente desconocido. Ninguno de mis colegas o profesores mencionó su nombre, hasta que en 1966 conocí a Bruno Monsaingeon, quien me reveló a Gould y al público francés a través de sus maravillosos documentales. Es difícil decir lo que hace que la interpretación de Gould sea tan especial, ya que todo en su interpretación es especial. Se puede mencionar el toque, el fraseo, la articulación … Pero lo más importante es la concepción, la arquitectura, el enfoque personal y ‘creativo’ de cada pieza que toca. . Es un creador, mucho más que un intérprete: cada vez que escuchas una pieza interpretada por Gould, descubres la pieza por primera vez. Siempre me refiero a su línea: ‘Si no estás convencido puedes tocar una pieza en una forma completamente nueva y única, no la juegues. ‘Es una afirmación extrema, pero tan lleno de verdad! Un ejemplo de ello son sus dos grabaciones de las Variaciones Goldberg, un ejemplo del genio de Gould al ser capaz incluso de «recrearse» a sí mismo. Ambos son obras maestras y su legado para todos los músicos del mundo. Siempre me sorprende cuando los pianistas se atreven a tocar (o incluso tocar) esta pieza después de Gould. ¿Son totalmente inconscientes o absolutamente pretenciosos?

En Bach él es completamente inigualable. De hecho, no puedo escuchar, aceptar o concebir ninguna otra interpretación de Bach que no sea la suya. Me gustaría decir que ha sido una influencia para mí, ¡pero nadie está tan trastornado como para intentar imitar la forma de tocar de Gould! Aún así, recuerdo cuando grabé para la televisión francesa el primer libro completo del clave bien temperado de Bach. Era un proyecto concebido para él por Monsaingeon, pero Gould murió antes de que pudiera filmarlo … Y fui yo el elegido para «reemplazarlo». ¿Te imaginas la presión?

Creo que el legado de Gould para cualquier artista es ‘la libertad de creación’ hacia cualquier compositor, pero al mismo tiempo respetando la lógica de la música y el espíritu del compositor – ¡una ecuación muy desafiante! ”

¿Quién era? Pianista francés y profesor del Conservatorio de París. Fue llamado «poeta del piano» por su dominio de las obras líricas de Chopin, Schumann y Debussy, produciendo grabaciones históricas y ediciones meticulosas de su música.

¿Qué lo hace grandioso? estilo personal y subjetivo que favorece la intuición y el sentimiento sobre la técnica precisa, lo que da como resultado interpretaciones de musicalidad exuberante y trascendente.

Stephen Hough Sobre la individualidad de Cortot

«A veces se recuerda a Cortot como el pianista que tocó muchas notas incorrectas. Esto es injusto, no solo porque tenía una técnica de dedos deslumbrante, sino porque nunca permitió que esforzarse por la precisión lo distrajera del panorama general. Sus errores a veces se pueden escuchar incluso en las primeras notas de las piezas, pero estos momentos falibles me parecen entrañables: el pianista está consumido por la inspiración espiritual y ajeno a los riesgos físicos involucrados. Cortot fue un gran virtuoso, consciente del poder de emocionar y emocionar que tiene la música romántica de piano, pero nunca te sientes manipulado en su compañía musical. Sientes que incluso sus elecciones interpretativas más extravagantes provienen de una completa honestidad interior; no está sentado en un centro de atención que te obliga a mirarlo, sino que sostiene una antorcha que te lleva hacia la iluminación.

No me canso de escuchar sus grabaciones, en particular las de Chopin y Schumann de la década de 1920 y años 30. Su combinación de absoluta libertad interpretativa (a veces con un toque de excentricidad) y una visión penetrante de los deseos del compositor es única, en mi opinión. Hay artistas que deleitan a los oyentes con su individualidad salvaje y atrevida, y hay otros que nos descubren la partitura escrita con perspicacia y reverencia, pero hay pocos que puedan hacer ambas cosas. Cortot tuvo una visión que iba más allá de lo académico o teatral hacia un horizonte más amplio de creatividad de donde los mismos compositores podrían haberse inspirado ”.

Alfred Cortot también fue elegido por Alfred Brendel, Benjamin Grosvenor y Stanislav Ioudenitch.

Emil Gilels (1916-1985)

¿Quién era él? Un pianista nacido en Odessa que se mudó a Moscú en 1935, convirtiéndose, junto con Richter, en el principal pianista soviético de su época. Él y el violinista David Oistrakh estuvieron entre los primeros músicos soviéticos a los que se les permitió concertar conciertos en Occidente.

¿Qué lo hace grande?Su sonido «dorado»: la capacidad de ejecutar los pasajes más exigentes sin comprometer su tono pulido o la profundidad de sus sentimientos.

Cédric Tiberghie Sobre la grandeza de Gilels

«Gilels tiene esta mezcla de fantástica calidad de tono y la capacidad de hacer que todo parezca simple cuando lo escuchas. Incluso cuando toca un simple preludio de Bach, o el preludio de Bach-Siloti en si menor, piensas que es fácil de tocar, pero luego compras la música y dices: ‘¡Dios mío, esto es imposible!’

Escuché a Gilels por primera vez cuando tenía ocho o nueve años, su grabación del Segundo Concierto de Brahms con la Filarmónica de Berlín. No sabía que era Gilels, ni siquiera un concierto de Brahms, solo una de la enorme colección de cintas de casete de mi padre. Pero era mi música favorita, y todavía hoy pienso que es una de las grabaciones más hermosas jamás hechas de un concierto para piano. La calidad del tono y la línea, la inspiración y la belleza del sonido, todo es tan perfecto. En realidad, es bastante intimidante cuando tienes que tocar el concierto tú mismo. Juega el primer movimiento muy lentamente y piensas, está bien, voy a hacer lo mismo, lo cual es un gran error porque él es Gilels y tú no. Necesitas ese sonido dorado que poseía Gilels, más que nadie en la historia, así como una idea clara de la estructura y la dirección; y para ello necesita toda una vida de experiencia. Además, si comparo mi mano con la suya, la suya probablemente pesaba el doble que la mía. Es como Oistrakh en el violín, está la cuestión de la carne, la materia pura crea el sonido. Si tienes las manos extremadamente delgadas, la calidad del tono probablemente será más clara que la de Gilels.

Así que no trato de imitar a un artista como él, pero trato de mantener en mi cabeza la grandeza de que hace el. Es algo que siempre trato de encontrar, no artificialmente, sino quizás solo para sentir. Así que es un modelo para mí en ese sentido ”.

Emil Gilels también fue elegido por Alice Sara Ott, Olli Mustonen, Lars Vogt.

Arthur Rubinstein (1887-1982)

¿Quién era? Un pianista polaco que dejó Europa después de la Primera Guerra Mundial y se estableció en los Estados Unidos.

¿Qué lo hace genial? Sus interpretaciones de la música de Chopin, a las que aportó un tono radiante y una interminable variedad de frases.

Roger Woodward sobre compartir el legado de Rubinstein

«Cuando estudiaba en la Academia Nacional Chopin en Varsovia, nuestra clase a veces se encontraba con los ilustres amigos del profesor Drzewiecki, uno de los cuales era Arthur Rubinstein. Él tocaba para nosotros y algunos estudiantes tuvieron el privilegio de tocar para él. Todos En la clase conocían sus grabaciones, ya que eran las interpretaciones clásicas de Chopin que nos había enseñado Drzewiecki. Gracia, aplomo y una investigación minuciosa eran las señas de identidad de su arte, que mostraba maestría pero también enorme modestia y, contrariamente a lo que dicen algunas ‘autoridades’ tenía que decir, una técnica impecable.

Los críticos de Rubinstein, y había muchos, tendían a olvidar lo minucioso que era al investigar el repertorio que tocaba. Mientras que otros posaban y solo pretendían que habían investigado su tema, Rubinstein actuaciones apestaban a int egrity.

La primera de las tres grabaciones completas de Mazurka de Rubinstein nos proporcionó un punto culminante en nuestro estudio de Chopin, aunque para mí fueron sus interpretaciones de los Nocturnes las que proporcionaron la clave de todos los demás Chopin. Quedo eternamente agradecido con Rubinstein por sus grabaciones y lo que tuvo que decir sobre ellas.

Rubinstein no fue bendecido con el puro virtuosismo de Rachmaninov o Horowitz, pero desarrolló un dominio del legato cantabile y tempo rubato second a ninguno. Esto es evidente en actuaciones «en vivo» tan milagrosas antes de la guerra como su grabación histórica de los Conciertos para piano de Chopin con Sir John Barbirolli, aunque sus interpretaciones de lo mismo con Witold Rowicki fueron aún más hermosas, completamente inolvidables.

Nunca olvidaré su amabilidad y generosidad hacia nuestra clase, y su encanto, modestia y escrupulosa investigación. Aunque sigo siendo un estudiante toda mi vida y sigo escuchando sus maravillosas grabaciones, me considero afortunado de compartir experiencias tan ricas con mis propios estudiantes ”.

Arthur Rubinstein también fue elegido por Simon Trpceski, Jayson Gillham y Margaret Fingerhut.

Sviatoslav Richter (1915-1997)

¿Quién era él? Un pianista ruso de ascendencia alemana que se convirtió en el músico más destacado de la URSS.

¿Qué lo hace genial? Técnica sólida como una roca combinada con una asombrosa variedad de sonido.

Barry Douglas sobre la intensidad de Richter

«Escuché a Richter tocar muchas veces en Inglaterra, Francia y Estados Unidos y lo que me encantó de él fue que podía hacer que el piano no sonara como un piano, sonaba como una orquesta o, a veces, como un coro.Además, todo lo que hacía con el instrumento siempre parecía totalmente correcto. No parecían sus ideas; parecía la única forma de hacerlo. Todos los artistas deben apuntar, si son serios, a salirse de la ecuación e ir al corazón o la esencia de la música. Muy pocos artistas pueden hacer eso, pero para Richter era totalmente natural.

También era un músico muy serio: después de los conciertos, a menudo decidía que necesitaba practicar y se iba a casa y practicaba para otro. dos horas. También insistió en que cada programa de recitales contenga al menos una pieza nueva. Por eso su repertorio era vasto. No creo que sus grabaciones de estudio fueran tan exitosas: en realidad no lo representaban. Son las grabaciones en vivo las que son increíbles. Todo el mundo habla del recital de Sofía de 1958 en el que interpreta Feux Follets de Liszt y Cuadros de una exposición de Mussorgsky. Aún así, sus grabaciones de las sonatas de Beethoven también son insuperables, sin mencionar el repertorio ruso – las pequeñas piezas de Tchaikovsky – y Prokofiev, quien escribió su Séptima Sonata para él.

Cuando yo estaba en el Concurso Tchaikovsky en 1984 me envió mensajes a través de otros diciendo lo fantástico que pensaba que era, lo cual fue muy dulce. Ojalá hubiera tenido la oportunidad de conocerlo mejor.

Siempre admiraré a Richter. Un artista escénico no debe copiar, pero puedes inspirarte en la esencia de lo que alguien representó, y eso es lo que hago con él. Sé muy dentro de mí que estoy tratando de captar lo que tenía Richter, que es una increíble, ardiente y ardiente intensidad de pasión por la música; eso es lo que descubrió cuando tocó. Estaba absolutamente obsesionado y poseído por la música ”.

Sviatoslav Richter también fue elegido por Howard Shelley, Anna Goldsworthy y Piotr Anderszewski.

Vladimir Horowitz (1903-1989)

¿Quién era? Un pianista nacido en Rusia que se fue a Occidente a los 21 años, donde fue descrito como un «tornado desatado desde las estepas». Más famoso por sus interpretaciones de repertorio de piano romántico y, sorprendentemente, Scarlatti, regresó a Rusia para un recital de despedida en 1986.

¿Qué lo hace genial? Virtuosismo chispeante y uso extraordinario del color del tono, combinado con un talento para emocionar a su público, creando furor en sus recitales en vivo.

Ingolf Wunder Sobre los dones divinos de Horowitz

«Horowitz combinó el pianismo de clase alta con un gusto único por la música y la interpretación. Lo que lo hizo único fue su capacidad para esculpir sus sentimientos y estados de ánimo a partir de las estructuras y el material armónico de la partitura. Creo que escuché a Horowitz por primera vez cuando tenía 14 años. Me sorprendió su tono y la variedad de colores que podía producir. Y siempre jugó como su mano fue construida, nunca traicionando su gusto y su visión de la música. Siempre fue él mismo, y todo lo que tocaba se convertía en suyo. Su forma de tocar nunca es mediocre, o funciona o no. Pero si funciona, es simplemente divino, incomparable con cualquier cosa que hayas escuchado.

En cierto modo, Horowitz es el producto de una época que produjo tantos grandes pianistas. Creo que la forma de pensar y nuestra vida ha cambiado desde entonces. Ahora los músicos pueden conectarse a Internet y escuchar casi todas las grabaciones de cualquier pieza; en ese entonces se vieron obligados a pensar por sí mismos. A las pequeñas cosas se les dio mayor importancia porque no era posible ir a ningún lado instantáneamente. No se trataba necesariamente de quién puede tocar más rápido o de cualquier otro aspecto competitivo, se trataba más de la música. Todavía hay algunos músicos que son como Horowitz y esos viejos grandes, y esa es la escuela a la que deberíamos volver ”.

Vladimir Horowitz también fue elegido por Freddy Kempf, Gerard Willems, Konstantin Scherbakov.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

¿Quién era él? Pianista y compositor nacido en Rusia, que se graduó en el Conservatorio de Moscú en la misma clase que el compositor Alexander Scriabin. Entre sus composiciones se encuentra el Concierto para piano n. ° 2, a menudo votado como la pieza de música clásica más popular de todos los tiempos. Dejó Rusia en 1917 y se embarcó en una carrera como pianista de gira para mantenerse a sí mismo y a su familia. Se convirtió en ciudadano estadounidense poco antes de su muerte.

¿Qué lo hace grandioso? Una técnica de dedos casi sobrehumanamente limpia, que le permitió mantener la claridad incluso en los pasajes más complicados. Esto se debió en parte a sus famosas manos grandes, capaces de abarcar 12 pulgadas, o un decimotercer (C1 a A2) en el piano. También tenía un tono de canto hermoso, comparado con el del violinista Fritz Kreisler, lo que le permitía exprimir una dulzura infinita de una melodía.

Leslie Howard en el mejor pianista que haya grabado un disco

«Lo notable de la forma de tocar de Rachmaninov es lo honesto que es.Nada se interpone entre su interpretación y su idea de por qué valía la pena grabar la pieza musical. Su interpretación nunca está abarrotada, nunca es quisquillosa y hay una ausencia total de trucos baratos, algo bastante inusual para la época en que estaba grabando. Creo que es el mejor pianista de su época y estoy seguro de que es el mejor pianista que jamás haya grabado un disco.

Por supuesto, su técnica es extraordinaria, pero el don de toda buena técnica es que tú ‘ no te das cuenta cuando lo estás escuchando. Si lo escuchas tocar Si oiseau j’étais de Henselt, por ejemplo, suena como la pieza de salón más encantadora. Pero si alguna vez te has sentado a tocarlo, sabrás perfectamente que es un terror absoluto.

Rachmaninov también tiene una forma de lidiar con el ritmo que lo hace reconocible al instante. A veces lo hace tocando un ritmo que no es exactamente el que está en la partitura, pero suena como lo que debería haber estado en la partitura. Tome su grabación con Fritz Kreisler de la Opus 30 No 3 Sonata de Beethoven, por ejemplo. Escuchas cada nota y cada nota es tan importante como cualquier otra, que es como debería tocarse Beethoven, pero rara vez lo es.

Como compositor, Rachmaninov también poseía una formidable mente musical. Diseccionó cada pieza antes de poner sus manos en el teclado. Y podía hacerlo porque sus habilidades de composición eran muy refinadas.

A veces pienso que cuando toca su propia música es menos cuidadoso, casi como si no pensara que debería haber tanto alboroto por él. Pero cuando escuchas cuán absolutamente descortés, en el sentido emocional, es su interpretación de su propia música, desalienta a los pianistas de revolcarse en ella, como hacen muchos de ellos. Luego, si quieres una interpretación romántica, él también puede hacerlo, y de nuevo pienso en una de las grabaciones con Kreisler de la Grieg Sonata No 3. El segundo movimiento es desgarradoramente maravilloso y la forma en que toca la melodía es completamente diferente a la forma en que lo hace. Kreisler lo toca. Hace que la pieza suene más accidentada de lo que realmente es, ¡es una grabación increíble!

Hay una razón por la que Rachmaninov no grabó más, y es por las tensas relaciones que tenía con la gente de Victor Talking Machine Company, que pensó que estaba obteniendo demasiado dinero por sus grabaciones y que rechazó muchas de las cosas que se ofreció a grabar. Por ejemplo, iba a dar una grabación gratuita del Primer Concierto para piano de Beethoven, siempre que le permitieran grabar sus Danzas sinfónicas orquestales, y rechazaron la oferta.

La razón por la que hacemos la grabación Lo que tiene de él tocando su Tercer Concierto es, para muchos oídos, un poco inadecuado porque tuvo que volver atrás y grabar la primera cara cuatro meses después. Le puso cortes en el último momento porque el productor Charles Connell le dio pena, diciendo que no podía tocar el piano y tampoco sabía componer. En resumen, hizo que todo fuera profundamente desagradable para Rachmaninov. Así que tenemos que agradecerle a este Sr. Connell por no tener la Sonata de Liszt, la Sonata de Hammerklavier, la Sonata de Waldstein y la Sonata en si menor de Chopin. De las grabaciones que tenemos, es muy difícil elegir una favorita, pero me encanta su grabación del Carnaval de Schumann. Creo que es perfecto tocar el piano de principio a fin ”.

Sergei Rachmaninov también fue elegido por Stephen Kovacevich, Denis Matsuev y Alexey Yemtsov.

¿Por qué hay tantos grandes pianistas rusos?

Desde el siglo XIX ha habido una educación musical infantil muy sistemática en Rusia, que comenzó con la fundación del Conservatorio Imperial de Moscú. Rachmaninov llegó a estudiar allí a los 14 años. Vivía en la casa de Nikolai Zverev, quien había creado un internado para jóvenes estudiantes, a los que se les exigía que practicaran seis horas al día, además de sus estudios escolares. .

Esa escuela se transformó en la Escuela Central de Música en la era soviética y el sistema se expandió por todo el país. Hoy en Rusia hay una educación musical seria para los niños desde que son lo suficientemente grandes como para alcanzar las teclas. Vladimir Ashkenazy, Grigory Sokolov y Mikhail Pletnev son productos de esta escuela soviética bastante estricta.

Así que los niños estudian durante siete u ocho años en una escuela de música especial, luego a los 15 van a la universidad de música durante tres años. Y eso es todo antes de inscribirse en el Conservatorium.

Entonces, si un niño tiene talento, a la edad de 16 años puede jugar básicamente todo. Eso significa que cuando los estudiantes rusos vienen al Conservatorio, ya son pianistas profesionales. Casi no tienen límites técnicos que superar y solo pueden concentrarse en convertirse en artistas. Por lo tanto, no es como tener lecciones de piano con un profesor, es una educación musical sistemática y totalmente gratuita. Los genios nacen en todas partes, pero solo en Rusia se crían de esta manera.

Elena Kuznetsova
Decana de piano, Conservatorio de Moscú