Nizozemsko (1872–1911) Upravit

Mondrian se narodil v Amersfoortu v provincii Utrecht v Nizozemsku, druhý z dětí jeho rodičů. Byl potomkem Christiana Dirkzoona Monderyana, který žil v Haagu již v roce 1670. Rodina se přestěhovala do Winterswijku, když byl jeho otec Pieter Cornelius Mondrian jmenován ředitelem místní základní školy. Mondrian byl představen k umění od útlého věku. Jeho otec byl kvalifikovaným učitelem kreslení a se svým strýcem Fritzem Mondrianem (žákem Willema Marise z Haagské školy umělců) mladší Piet často maloval a kreslil podél řeky Gein.

Poté přísná protestantská výchova, v roce 1892 nastoupil Mondrian na Akademii výtvarných umění v Amsterdamu. Už byl kvalifikován jako učitel. Svou kariéru zahájil jako učitel na primárním vzdělávání, ale také se věnoval malbě. Většina jeho prací z tohoto období je naturalistická nebo impresionistická a skládá se převážně z krajiny. Tyto pastorační obrazy jeho rodné země zobrazují větrné mlýny, pole a řeky, zpočátku holandským impresionistickým způsobem haagské školy a poté v různých stylech a technikách, které dokládají jeho hledání osobního stylu. Tyto obrazy jsou reprezentativní a ilustrují vliv, který na Mondriana měly různé umělecké směry, včetně pointilismu a živých barev fauvismu.

V Gemeentemuseum Den Haag je vystaveno několik obrazů z tohoto období, včetně takových postimpresionistických děl jako The Red Mill and Trees in Moonrise. Další obraz, Večer (Avond) (1908), zobrazující strom v poli za soumraku, dokonce předurčuje budoucí vývoj pomocí palety skládající se téměř výhradně z červené, žluté a modré. Ačkoli je Avond pouze omezeně abstraktní, je to nejstarší mondrianská malba, která zdůrazňuje primární barvy.

Mondrianovy nejstarší obrazy ukazující míru abstrakce je série pláten od roku 1905 do roku 1908, která zobrazují matné scény nezřetelných stromů a domů odrážících se ve stojaté vodě. Ačkoli výsledek vede diváka k tomu, aby se začal soustředit na formy nad obsahem, tyto obrazy jsou stále pevně zakořeněny v přírodě a je to pouze znalost Mondrianových pozdějších úspěchů, která vede člověka k hledání kořenů jeho budoucí abstrakce.

Mondrianovo umění úzce souviselo s jeho duchovními a filozofickými studiemi. V roce 1908 , začal se zajímat o teosofické hnutí, které zahájila Helena Petrovna Blavatská na konci 19. století a v 1909 nastoupil do nizozemské pobočky Theosophical Society. Práce Blavatského a paralelního duchovního hnutí, Antroposofie Rudolfa Steinera, významně ovlivnila další vývoj jeho estetiky. Blavatský věřil, že je možné dosáhnout hlubšího poznání přírody, než jaké poskytují empirické prostředky, a hodně z Mondrian Jeho práce po zbytek života byla inspirována jeho hledáním tohoto duchovního poznání. V roce 1918 napsal „Měl jsem všechno z tajné nauky“ s odkazem na knihu, kterou napsal Blavatsky. V roce 1921 Mondrian v dopise Steinerovi tvrdil, že jeho neoplasticismus je „uměním v dohledné budoucnosti pro všechny skutečné antroposofy a teosofisty“. V následujících letech zůstal angažovaným teosofem, i když také věřil, že jeho vlastní umělecký proud, neoplasticismus, se nakonec stane součástí větší ekumenické spirituality.

Mondrian a jeho pozdější práce byly hluboce ovlivněny rokem 1911 Výstava moderního kubismu v Amsterdamu. Jeho hledání zjednodušení je ukázáno ve dvou verzích Zátiší s Ginger Pot (Stilleven se setkal s Gemberpotem). Verze z roku 1911 je kubistická; ve verzi 1912 jsou objekty zmenšeny na kulatý tvar s trojúhelníky a obdélníky.

Paříž (1911–1914) Upravit

V roce 1911 se Mondrian přestěhoval do Paříže a změnil si jméno, přičemž od Mondriana upustil „a“, aby zdůraznil svůj odchod z Nizozemska, a jeho integrace do pařížské avantgardy. Zatímco v Paříži, vliv kubistického stylu Pabla Picassa a Georgese Braqueho se téměř okamžitě objevil v Mondrianově díle. Obrazy jako The Sea (1912) a jeho různé studie stromů z tohoto roku stále obsahují určitou míru reprezentace, ale , stále více jim dominují geometrické tvary a vzájemně propojené roviny. Zatímco Mondrian dychtil vstřebat do své práce kubistický vliv, je zřejmé, že kubismus viděl na své umělecké cestě spíše jako „přístav“, než jako cíl .

Nizozemsko (1914–1918) Upravit

Na rozdíl od kubistů se Mondrian stále pokoušel sladit svou malbu se svými duchovními pronásledováními a v roce 1913 začal spojovat své umění s teosofickým studuje teorii, která signalizuje jeho poslední rozchod s reprezentační malbou. Zatímco Mondrian v roce 1914 navštívil Nizozemsko, začala první světová válka, která ho donutila zůstat tam po celou dobu konfliktu. Během tohoto období zůstal u umělců Laren “ dvojtečka y, kde se setkal s Bartem van der Leckem a Theem van Doesburgem, kteří oba podstupovali své vlastní osobní cesty k abstrakci. Van der Leckovo použití pouze primárních barev v jeho umění značně ovlivnilo Mondriana. Po setkání s Van der Leckem v roce 1916 Mondrian napsal: „Moje technika, která byla víceméně kubistická, a proto víceméně obrazová, spadala pod vliv jeho přesné metody. “S Van Doesburgem založil Mondrian De Stijl (The Style), časopis skupiny De Stijl, ve kterém poprvé publikoval eseje definující jeho teorii, kterou nazýval neoplasticismem.

Mondrian publikoval „De Nieuwe Beelding in de schilderkunst“ („The New Plastic in Painting“) ve dvanácti splátkách v průběhu let 1917 a 1918. Byl to jeho první velký pokus vyjádřit svou uměleckou teorii písemně. Mondrianův nejlepší a nejčastěji citovaný vyjádření této teorie však pochází z dopisu, který napsal společnosti HP Bremmer v roce 1914:

Vytvářím čáry a barevné kombinace na rovném povrchu, v aby vyjádřili obecnou krásu s maximálním vědomím. Příroda (nebo to, co vidím) mě inspiruje, staví mě, stejně jako u každého malíře, do emocionálního stavu, takže přichází nutkání něco udělat, ale chci se co nejvíce přiblížit pravdě a oddělat vše od že dokud nedosáhnu základu (stále jen vnějšího základu!) věcí … Věřím, že je možné, že prostřednictvím horizontálních a vertikálních linií vytvořených s vědomím, ale ne s výpočtem, vedených vysokou intuicí, vedených k harmonii a rytmu , tyto základní formy krásy, doplněné v případě potřeby dalšími přímými liniemi nebo křivkami, se mohou stát jakkoli silným uměleckým dílem.

Paříž (1918–1938) Upravit

Když první světová válka skončila v roce 1918, Mondrian se vrátil do Francie, kde zůstal až do roku 1938. Ponořen do poválečné pařížské kultury uměleckých inovací, prosperoval a po zbytek svého života plně přijímal umění čisté abstrakce. Mondrian začal vyrábět obrazy založené na mřížce koncem roku 1919 a v roce 1920 se začal objevovat styl, pro který se proslavil.

V raných malbách tohoto stylu jsou čáry vymezující obdélníkové tvary relativně tenké a jsou šedé, ne černé. Čáry mají také tendenci t o slábnou, když se blíží k okraji obrazu, než aby se náhle zastavili. Samotné formy, menší a početnější než v pozdějších obrazech, jsou vyplněny základními barvami, černou nebo šedou, a téměř všechny jsou barevné; jen pár jich zbývá bílé.

Koncem let 1920 a 1921 Mondrianovy obrazy dospěly k tomu, co je pro příležitostné pozorovatele jejich definitivní a zralá podoba. Silné černé čáry nyní oddělují formy, které jsou větší a méně v počtu a více formulářů je ponecháno bílé.To však nebylo vyvrcholením jeho uměleckého vývoje. Ačkoli se zdokonalení stala jemnější, Mondrianova práce se během jeho let v Paříži nadále vyvíjela.

Na obrazech z roku 1921 se mnoho, i když ne všechny, černé čáry zastavilo ve zdánlivě libovolné vzdálenosti od okraje plátna, i když rozdělení mezi obdélníkovými tvary zůstávají nedotčeny. I zde zůstávají obdélníkové tvary většinou barevné. Jak roky ubíhaly a Mondrianova práce se dále vyvíjela, začal rozšiřovat všechny čáry na okraje plátno a začal používat stále méně barevných forem, místo toho upřednostňoval bílou.

Tyto tendence jsou zvláště patrné v „pastilkových“ pracích, které Mondrian začal pravidelně vyrábět v polovině 20. let. Obrazy „kosočtverec“ jsou čtvercová plátna nakloněná o 45 stupňů, takže mají tvar kosočtverce. Typickým příkladem je Schilderij č. 1: Lozenge With Two Lines and Blue (1926). Jedno z nejmenších mondrianských pláten, tento obraz se skládá pouze ze dvou černých, kolmých čar a malého modrého trojúhelníkového tvaru. Řádky sahají až k okrajům plátna a téměř budí dojem, že obraz je fragment většího díla.

Přestože pohled člověka na obraz brání sklo, které jej chrání, a mýtné, které na plátně zjevně vzal věk a manipulace, podrobná prohlídka tohoto obrazu začíná odhalovat něco z umělcovy metody. Obraz není složen z dokonale plochých barevných rovin, jak by se dalo očekávat. Jemné tahy štětcem jsou patrné v celém textu. Zdá se, že umělec použil různé techniky pro různé prvky. Černá čáry jsou nejplošší prvky s nejmenší hloubkou. Barevné tvary mají nejzřetelnější tahy štětcem, všechny probíhají jedním směrem. Nejzajímavější jsou však bílé tvary, které jsou jasně malovány ve vrstvách pomocí štětce ok běží v různých směrech. To vytváří větší pocit hloubky v bílých formách, takže se zdá, že přemohly linie a barvy, které skutečně dělaly, protože Mondrianovy obrazy tohoto období začaly stále více dominovat prázdným prostorem.

V roce 1926 navštívila Katherine Dreier, spoluzakladatelka newyorské Společnosti nezávislých umělců (spolu s Marcelem Duchampem a Manem Rayem), v ateliéru Piet Mondrian v Paříži a získala jednu z jeho diamantových skladeb Painting I To se poté ukázalo na výstavě pořádané Společností nezávislých umělců v Brooklynském muzeu – první významné výstavě moderního umění v Americe od Armory Show. V katalogu uvedla, že „Holland vyrobil tři velké malíře, kteří: ačkoli logickým vyjádřením jejich vlastní země, se nad to povznesly díky síle jejich osobnosti – první byl Rembrandt, druhý Van Gogh a třetí je Mondrian. “

Jak roky postupovaly, řádky začal mít přednost před formami v Mo ndrianovy obrazy. Ve 30. letech začal častěji používat tenčí a dvojité čáry, přerušované několika malými barevnými tvary, pokud vůbec. Dvojité linie Mondriana obzvláště vzrušovaly, protože věřil, že nabízejí jeho obrazům novou dynamiku, kterou dychtivě prozkoumával. Zavedení dvojité linie v jeho díle bylo ovlivněno dílem jeho přítele a současné Marlow Moss.

Od roku 1934 do roku 1935 byly tři Mondrianovy obrazy vystaveny jako součást „Abstract and Concrete“ „výstavy ve Velké Británii v Oxfordu, Londýně a Liverpoolu.

Londýn a New York (1938–1944) Upravit

V září 1938 opustil Mondrian tváří v tvář postupujícímu fašismu Paříž a přestěhoval se do Londýna. Po napadení Nizozemska a padnutí Paříže v roce 1940 odešel z Londýna na Manhattan v roce New York City, kde by zůstal až do své smrti. Některá Mondrianova pozdější díla jsou z hlediska jeho uměleckého vývoje obtížná, protože tam bylo docela málo pláten, která začal v Paříž nebo Londýn a dokončena až o měsíce nebo roky později na Manhattanu. Hotová díla z tohoto pozdějšího období jsou vizuálně rušná, s více liniemi než kterákoli z jeho prací od 20. let 20. století, umístěných v překrývajícím se uspořádání, které má téměř kartografický vzhled. Strávil mnoho dlouhých hodin samostatným malováním, dokud se mu neobjevily puchýře, a někdy plakal nebo mu bylo špatně.

Mondrian produkoval Lozenge Composition With Four Yellow Lines (1933), jednoduchý obraz, který inovoval tlusté, barevné čáry místo černých. Po tomto jednom malbě zůstala tato praxe v Mondrianově díle nehybná, dokud nedorazil na Manhattan, kdy ji začal opouštět.U některých příkladů tohoto nového směru, jako je Composition (1938) / Place de la Concorde (1943), se zdá, že vzal nedokončené černé liniové obrazy z Paříže a dokončil je v New Yorku přidáním krátkých kolmých čar různých barev, probíhající mezi delšími černými čarami nebo od černé čáry k okraji plátna. Nově zbarvené oblasti jsou silné, téměř překlenují mezeru mezi čarami a formami a je překvapivé vidět barvu na Mondrianově malbě, která je neomezená černou barvou. Jiné práce mísí dlouhé červené čáry uprostřed známých černých čar a vytvářejí nový smysl pro hloubku přidáním barevné vrstvy na horní část černé. Jeho malba Kompozice č. 10, 1939–1942, charakteristická primárními barvami, bílou zemí a černými čarami mřížky jasně definovala Mondrianův radikální, ale klasický přístup k obdélníku.

23. září 1940 opustil Mondrian Evropu New York na palubě lodi Cunard White Star Lines odlétající z Liverpoolu RMS Samaria. Nová plátna, která Mondrian začala na Manhattanu, jsou ještě překvapivější a naznačují začátek nového idiomu, který umělcova smrt přerušila. New York City (1942) je složitá mřížka červených, modrých a žlutých čar, která se občas prolíná a vytváří větší pocit hloubky než jeho předchozí práce. Nedokončená verze tohoto díla z roku 1941 používá proužky malované papírové pásky, které umělec mohl libovolně uspořádat, aby experimentoval s různými vzory.

Jeho obraz Broadway Boogie-Woogie (1942–43) v Muzeu moderního umění na Manhattanu měl ve škole abstraktní geometrické malby velký vliv. Kus je tvořen řadou třpytivých čtverců jasné barvy, které vyskočí z plátna, poté se jeví jako třpytivé a přitahují diváka do těchto neonových světel. V tomto obraze a nedokončené Victory Boogie Woogie (1942–1944) nahradil Mondrian dřívější plné čáry čárami vytvořenými z malých sousedních barevných obdélníků, vytvořených částečně pomocí malých kousků papírové pásky v různých barvách. Větší neomezené barevné obdélníky přerušují design, některé s menšími soustřednými obdélníky uvnitř. Zatímco Mondrianova díla 20. a 30. let mívají téměř vědeckou strohost, jedná se o jasné, živé obrazy, odrážející pozitivní hudbu, která je inspirovala, a město, ve kterém byla vytvořena.

V těchto závěrečných pracích si formy skutečně uzurpovaly roli linií a otevřely další nové dveře pro Mondrianův vývoj jako abstrakcionisty. Obrazy Boogie-Woogie byly zjevně spíše revoluční změnou než evoluční, představující nejhlubší vývoj v Mondrianově díle od jeho opuštění reprezentačního umění v roce 1913.

V roce 2008 nizozemský televizní program Andere Tijden našel jediné známé filmové záběry s Mondrianem. Objev filmových záběrů byl oznámen na konci dvouletého výzkumného programu Victory Boogie Woogie. Výzkum zjistil, že obraz je ve velmi dobrém stavu a že Mondrian namaloval bylo také zjištěno, že Mondrian krátce před svou smrtí radikálně změnil skladbu pomocí malých kousků barevné pásky.

Wall worksEdit

Když 47letý – starý Piet Mondrian podruhé a naposledy v roce 1919 odešel z Nizozemska do neomezené Paříže a hned se rozhodl vytvořit ze svého ateliéru prostředí pro péči o obrazy, které měl na mysli a které by stále více vyjadřovaly principy neoplasů ticismus, o kterém psal dva roky. Aby rychle a levně skryl strukturální nedostatky ateliéru, nalepil velké obdélníkové štítky, každý v jedné barvě nebo neutrálním odstínu. Zdi zvýrazňovaly menší barevné papírové čtverce a obdélníky, které zvýrazňovaly stěny. Poté přišlo intenzivní období malování. Znovu promluvil ke stěnám, přemístil barevné výřezy, přidal k jejich počtu, změnil dynamiku barev a prostoru, vytvořil nové napětí a rovnováhu. Netrvalo dlouho a vytvořil kreativní plán, ve kterém se období malby střídalo s obdobím experimentálního přeskupení menších papírů na stěnách, což byl proces, který přímo napájel další období malby. Byl to vzor, kterým se řídil po zbytek svého života, a to prostřednictvím válečných přesunů z Paříže do londýnské Hampsteadu v letech 1938 a 1940 Atlantik na Manhattan.

Ve věku 71 let na podzim roku 1943 se Mondrian přestěhoval do svého druhého a posledního studia na Manhattanu v ulici East 59th Street 15 a začal znovu vytvářet prostředí. Dozvěděl se, že za ta léta byl nejpříznivější pro jeho skromný způsob života a nejvíce podnětný pro jeho umění.Vysoké stěny namaloval stejnou bělavou barvou, kterou použil na svém stojanu a na sedadlech, stolech a úložných kufřících, které navrhoval a pečlivě vyráběl z vyřazených oranžových a jablečných beden. Vrchní část bílé kovové stoličky vyleštil ve stejné brilantní primární červené barvě, kterou použil na lepenkové pouzdro, které vytvořil pro radiofonograf, který rozlil svůj milovaný jazz z dobře vycestovaných desek. Návštěvníci tohoto posledního studia zřídka viděli více než jedno nebo dvě nová plátna, ale často k jejich úžasu zjistili, že osm velkých skladeb barevných kousků papíru, které připevnil a znovu připevnil ke stěnám v neustále se měnících vztazích, tvořilo dohromady prostředí, které paradoxně a současně bylo kinetické i klidné, stimulující a uvolněné. Byl to nejlepší prostor, který obýval Mondrian. Byl tam jen několik měsíců, protože zemřel v únoru 1944.

Po jeho smrti pečlivě zdokumentoval Mondrianův přítel a sponzor na Manhattanu, umělec Harry Holtzman a další malířský přítel Fritz Glarner. studio na filmu a statických fotografiích, než je otevřelo pro veřejnost na šestitýdenní výstavu. Před demontáží studia Holtzman (který byl také Mondrianovým dědicem) přesně vysledoval nástěnné kompozice, připravil přesné přenosné faksimily prostoru obsadil a připevnil ke každému původní přežívající výřezové komponenty. Tyto přenosné mondrianské skladby se staly známými jako „The Wall Works“. Od Mondrianovy smrti byly dvakrát vystaveny v manhattanském Muzeu moderního umění (1983 a 1995–96), jednou v SoHo v galerii Carpenter + Hochman (1984), jednou v Galerii Tokoro v japonském Tokiu (1993), XXII. Bienále v Sao Paulu (1994), University of Michigan (1995) a – poprvé v Evropě – na Akademie der Künste (Akademie umění) v Berlíně (22. února – 22. Dubna 2007).