Vad gör honom bra? Ett åtagande att avlägga verkets intellektuella och andliga djup medan man undviker skärmar av teknisk bravura.

Jonathan Biss On Schnabels levande ljud

”Om jag frågades vilken pianist jag älskade mest, skulle jag aldrig kunna svara – alltför många möjligheter! Men om det är en fråga om vem som har inspirerat mig, så är det enkelt: Artur Schnabel. Min första exponering för hans inspelningar av Beethoven-sonaterna kom i mina tidiga tonåringar och ledde snabbt till en besatthet av de verk som jag förväntar mig att hålla i resten av mitt liv. Jag förstod inte hur han kunde förmedla så mycket mening – andlighet, till och med – mellan två toner, eller hur han lyckades producera ett tangent- och hammarinstrument ett ljud som var så flytande, motståndskraftigt mot tyngdkraften, levande. Dessa två mål – att skapa ett ljud som lever och att hitta musik inte bara i tonerna utan också runt dem – är fortfarande primära för mig, nästan två decennier senare.

När jag gick för att studera med Leon Fleisher, Jag blev rörd att höra honom tala om Schnabel, hans egen lärare, med samma slags vördnad. Fleishers egna idéer om musik är övertygande, och han är oöverträffat talande i att uttrycka dem, men det var ofta att han helt enkelt berättade för oss vad Schnabel hade berättat för honom om det här stycket eller det, i en röst som tyder på att det inte fanns någon större auktoritet. Jag gillar att tro att jag kanske har lärt mig något genom denna härstamning, och varje dag försöker jag få till min musik något av hängivenhet, förståelse och framför allt kärlek, som härrör från varje ton som mannen spelade. ”

Wilhelm Kempff (1895-1991)

Vald av Cyprien Latsaris, Michael Endres, David Fray och Eldar Nebolsin.

Vem var han? En tysk pianist som fokuserade på tyst musik och spelade konserter långt in i åttiotalet.

Vad gör honom bra? Rytmisk uppfinningsrikedom och en talang för att ta fram lyrik, charm och spontanitet i musik, särskilt i intima stycken eller passager.

Cyprien Latsaris On Kempff in concert

”Jag hörde Kempff först live i Paris när jag var ungefär 13 år gammal och sedan köpte jag några Beethoven och Brahms inspelningar av hans. Han hade inte den största pianistiska tekniken, men han var mycket speciell. Han skapade några sublima, gudomliga musikaliska ögonblick som transporterade oss mot himlen. Jag är säker på att han skulle ha varit lika framgångsrik i konsert idag, för den viktigaste faktorn för en musiker är att ha en mycket speciell personlighet, och han hade den egenskapen. / p>

Han har också påverkat vad jag gör vid pianot genom att få mig att sätta mig i ett andra tillstånd, ett andligt tillstånd, innan jag spelar. Det finns så många inspelningar av hans att jag värdesätter, eftersom Kempff utmärker sig i Beethoven , Brahms, Schumann, Schubert och Bach, men särskilt skulle jag nämna Kl avierstücke av Brahms, Beethovens mellansonater och konserter nr 2 & 4, Bach-transkriptionerna och Schubert Klavierstücke. ”

Alfred Brendel (född 1931)

Vald av Paul Lewis, Steven Osborne, Imogen Cooper och Till Fellner.

Vem är han? En österrikisk pianist och lärare som nu är baserad i London, som har spelat in fyra kompletta uppsättningar av Beethovens sonater.

Vad gör honom stor? Noggrann efterlevnad av poängen utan att någonsin låta torr eller akademisk, och en förmåga att hitta oväntade stunder av humor, särskilt
i klassisk repertoar.

Paul Lewis Om att studera med Brendel

”Jag hade lektioner med Alfred Brendel på 1990-talet, och han har varit en stor inspiration. Han skulle prata om musik och jag skulle tänka,” Ja, det är verkligen vettigt ”. Och sedan satte han sig ner och demonstrerade saker, och det var då glödlampan slocknade. Första gången jag träffade honom var när jag var 20 på Guildhall School of Music. Jag minns att jag kände mig väldigt nervös och skrämd. När jag såg glasögonens silhuett och håret komma genom korridoren kommer jag ihåg att jag tänkte, ’Herregud, det är han!’ Jag spelade en Haydn-sonata åt honom och det var klart från början att han bara var intresserad av musiken . Det är allt som betyder något. Du kanske känner dig orolig för dig själv men det är inte det viktiga för han är inte minst orolig för allt annat än vad du spelar. Det stämde med intrycket jag hade av honom innan jag träffade honom, från hans konserter och inspelningar – en otroligt seriös musiker. Det var en stor inspiration och ett privilegium att få arbeta med honom under dessa år. ”

Glenn Gould (1932-1982)

Vald av Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say och Jean-Efflam Bavouzet.

Vem var han?En mycket excentrisk kanadensisk pianist som efter en fantastisk konsertkarriär undvikit scenen vid 31 års ålder för att fokusera på inspelningar och experimentella projekt.

Vad gör honom bra? En underbar förmåga att skulptera flera linjer av polyfonisk musik, som Bach, med oöverträffad klarhet. Och en till synes oförmåga för tekniska fel.

Pascal Rogé om Gould återskaparen

”Jag hörde Gould först spela ganska sent, sedan i min ungdom vid Paris konservatorium var han helt okänd. Ingen av mina kollegor eller lärare nämnde någonsin hans namn – förrän 1966 träffade jag Bruno Monsaingeon, som avslöjade Gould för mig och den franska publiken genom hans underbara dokumentärer. Det är svårt att säga vad som gör Goulds spel så speciell, eftersom allt i hans spel är speciellt. Man kan nämna beröringen, formuleringen, artikulationen … Men viktigast är uppfattningen, arkitekturen, den personliga och ”kreativa” inställningen till varje enskild bit Han är en skapare, mycket mer än en tolk: varje gång du hör ett stycke spelat av Gould upptäcker du stycket för första gången. Jag hänvisar alltid till hans linje: ’Om du inte är övertygad om att du kan spela ett stycke i ett helt nytt och unikt sätt, spela inte det. ”Det är en extrem bekräftelse, men så full av sanning! Ett exempel på detta är hans två inspelningar av Goldberg-variationerna, ett exempel på Goulds geni att till och med kunna ”återskapa” sig själv. De är båda mästerverk och hans arv för alla musiker i världen. Jag blir alltid bortblåst när pianister vågar spela (eller till och med röra) det här stycket efter Gould. Är de helt medvetna eller helt pretentiösa?

I Bach är han helt oöverträffad. Jag kan faktiskt inte höra, acceptera eller tänka mig någon annan tolkning av Bach än hans. Jag skulle vilja säga att han har påverkat mig, men ingen är orolig nog för att försöka imitera Goulds spel! Jag minns ändå när jag spelade in den första boken av Bachs väl tempererade klavier för fransk TV. Det var ett projekt som Monsaingeon tänkt för honom, men Gould dog innan han kunde filma det … Och jag var den som valdes att ”ersätta” honom. Kan du föreställa dig trycket?

Jag tror att Goulds arv för alla artister är ”skapelsens frihet” gentemot vilken kompositör som helst, men samtidigt respekterar musikens logik och kompositörens anda – en mycket utmanande ekvation! ”

Vem var han? En fransk pianist och professor vid Conservatoire de Paris. Han kallades ”pianoets poet” för att han behärskade Chopins, Schumanns och Debussys lyriska verk och producerade landmärkeinspelningar och noggranna utgåvor av deras musik.

Vad gör honom stor? personlig, subjektiv stil som gynnar intuition och känsla framför exakt teknik, vilket resulterar i uppträdanden av frodig, transcendent musikalitet.

Stephen Hough On Cortots individualitet

”Cortot kommer ibland ihåg som pianisten som spelade många felnoter. Detta är orättvist – inte bara för att han hade en bländande fingerteknik, utan för att han aldrig tillät strävan efter noggrannhet för att distrahera honom från den större bilden. Hans misstag kan ibland höras även i de första tonerna, men jag tycker att dessa felaktiga ögonblick är kärleksfulla: pianisten konsumeras av andlig inspiration och är omedveten om de fysiska riskerna. Cortot var en stor virtuos, medveten om förmågan att upphetsa och spänningen som romantisk pianomusik har, men du känner dig aldrig manipulerad i hans musikaliska sällskap. Du känner att även hans mest extravaganta tolkningsval kommer från fullständig inre ärlighet; han sitter inte i rampljuset och tvingar dig att titta på honom utan snarare håller en fackla och leder dig fram till upplysning.

Jag tröttnar aldrig på att höra hans inspelningar, särskilt de från Chopin och Schumann från 1920-talet och 30-talet. Hans kombination av fullständig tolkningsfrihet (ibland med en touch av excentricitet) och genomträngande insikt i kompositörens önskemål är enligt min mening unik. Det finns artister som glädjer lyssnare med sin vilda och djärva individualitet, och det finns andra som avslöjar den skriftliga noten för oss med insikt och vördnad – men det är få som kan göra båda. Cortot hade en vision som såg bortom det akademiska eller det teatraliska till en bredare horisont av kreativitet varifrån kompositörerna själva mycket väl kunde ha hämtat inspiration. ”

Alfred Cortot valdes också av Alfred Brendel, Benjamin Grosvenor och Stanislav Ioudenitch.

Emil Gilels (1916-1985)

Vem var han? En Odessa-född pianist som flyttade till Moskva 1935 och blev tillsammans med Richter den ledande sovjetiska pianisten på hans tid. Han och violinisten David Oistrakh var bland de första sovjetiska musikerna som fick konsertera i väst.

Vad gör honom bra?Hans ”gyllene” ljud – en förmåga att utföra de mest beskattande passagerna utan att kompromissa med hans polerade ton eller känslans djup.

Cédric Tiberghie På Gilels storhet

”Gilels har den här blandningen av fantastisk tonkvalitet och en förmåga att få allt att verka enkelt när du lyssnar på honom. Även när han spelar en enkel Bach-förspel, eller Bach-Siloti-förspel i B-moll, tycker du att det är enkelt att spela, men då köper du musiken och du är som, ’Åh herregud, det här är omöjligt!’

Jag hörde Gilels första gången när jag var åtta eller nio – hans inspelning av Brahms andra konsert med Berlinfilharmonin. Jag var inte medveten om att det var Gilels – eller till och med en Brahms-konsert – bara en av min fars enorma samling kassettband. Men det var min favoritmusik, och fortfarande idag tycker jag att det är en av de vackraste inspelningarna som någonsin gjorts av en pianokonsert. Kvaliteten på ton och linje, inspiration och ljudets skönhet – allt är så perfekt. Det är faktiskt ganska skrämmande när du måste spela konserten själv. Han spelar den första satsen så långsamt, och du tror, OK, jag kommer att göra detsamma – vilket är ett stort misstag eftersom han är Gilels och du inte. Du behöver det gyllene ljudet som Gilels hade – mer än någon annan i historien – samt en klar uppfattning om strukturen och riktningen; och för detta behöver du en livstid av erfarenhet. Om jag jämför min hand med hans var han antagligen dubbelt så tung som min. Det är som Oistrakh på fiolen, det finns den frågan om kött, ren materia som skapar ljudet. Om du har extremt tunna händer kommer tonkvaliteten förmodligen att vara tydligare än Gilels.

Så jag försöker inte imitera en konstnär som han, men jag försöker hålla i mitt huvud storheten av vad han gör. Det är något jag alltid försöker hitta, inte artificiellt, men kanske bara för att känna. Så han är en modell för mig i det avseendet. ”

Emil Gilels valdes också av Alice Sara Ott, Olli Mustonen, Lars Vogt.

Arthur Rubinstein (1887-1982)

Vem var han? En polsk pianist som lämnade Europa efter första världskriget och bosatte sig i USA.

Vad gör honom stor? Hans tolkningar av musiken från Chopin, som han tog med en glödande ton och oändlig variation av formulering.

Roger Woodward om att dela arvet från Rubinstein

”När jag studerade vid Chopin National Academy i Warszawa träffade vår klass ibland professor Drzewieckis berömda vänner, varav en var Arthur Rubinstein. Han spelade för oss och vissa studenter hade förmånen att spela för honom. Alla i klassen kände till hans inspelningar, eftersom det var de klassiska Chopin-tolkningarna som Drzewiecki hade lärt oss. Nåd, balans och grundlig forskning var kännetecknen för hans konst, en som visade mästerskap men också enorm blygsamhet, och i motsats till vad vissa ’myndigheter’ hade att säga, en felfri teknik.

Rubinsteins kritiker, och det var många, tenderade att glömma hur grundlig han var i att undersöka repertoaren han spelade. Där andra poserade och bara låtsades att de hade undersökt deras ämne, Rubinsteins föreställningar reeked av int egrity.

Det tidigaste av Rubinsteins tre kompletta Mazurka-inspelningar gav oss en höjdpunkt i vår studie av Chopin, även om det för mig var hans framträdanden av Nocturnes som gav nyckeln till alla andra Chopin. Jag är Rubinstein evigt tacksam för hans inspelningar och vad han hade att säga om dem.

Rubinstein var inte välsignad med Rachmaninovs eller Horowitzs rena virtuositet, men han utvecklade en behärskning av legato cantabile och tempo rubato second till ingen. Detta är uppenbart i sådana mirakulösa ”live” -föreställningar före kriget som hans historiska inspelning av Chopin Pianokonserter med Sir John Barbirolli, även om hans framträdanden av samma sak med Witold Rowicki var ännu vackrare – helt oförglömlig.

Jag kommer aldrig att glömma hans vänlighet och generositet mot vår klass, och hans charm, blygsamhet och noggranna forskning. Även om jag förblir student hela mitt liv och fortsätter att lyssna på hans många underbara inspelningar, anser jag mig lycklig att dela med mig av så rika upplevelser med mina egna studenter. ”

Arthur Rubinstein valdes också av Simon Trpceski, Jayson Gillham och Margaret Fingerhut.

Sviatoslav Richter (1915-1997)

Vem var han? En rysk pianist av tysk härkomst som blev Sovjetunionens främsta musiker.

Vad gör honom stor? Bunnsolid teknik i kombination med en häpnadsväckande variation i ljud.

Barry Douglas Om Richters intensitet

”Jag hörde Richter spela många gånger i England, Frankrike och Amerika och det jag älskade med honom var att han kunde få piano att låta inte som ett piano – det lät som en orkester eller ibland som en kör.Allting som han gjorde vid instrumentet verkade också alltid helt rätt. Det verkade inte som hans idéer; det verkade som det enda sättet att göra det. Varje konstnär bör sträva efter att, om de är seriösa, ta sig bort från ekvationen och gå till hjärtat eller kärnan i musiken. Mycket få artister kan göra det, men för Richter var det helt naturligt.

Han var också en mycket seriös musiker: efter konserter bestämde han sig ofta för att han behövde träna och skulle åka hem och öva för en annan två timmar. Han insisterade också på att varje skälprogram innehåller minst en ny bit. Så hans repertoar var stor. Jag tror inte att hans studioinspelningar var så framgångsrika: de representerade honom inte riktigt. Det är liveinspelningarna som är fantastiska. Alla pratar om Sofia-skälet från 1958 där han spelar Liszts Feux Follets och Mussorgsky’s Pictures på en utställning. Ändå är hans inspelningar av Beethovens sonater också oöverträffade, för att inte tala om den ryska repertoaren – de små bitarna av Tsjajkovskij – och Prokofjev, som skrev sin sjunde sonat åt honom.

När jag var vid Tchaikovsky-tävlingen 1984 skickade han meddelanden till mig genom andra om hur fantastiskt han tyckte jag var, vilket var väldigt sött. Jag önskar att jag hade haft en chans att lära känna honom bättre.

Jag kommer alltid att se upp till Richter. En scenartist får inte kopiera, men du kan inspireras av kärnan i vad någon stod för, och det är vad jag gör med honom. Jag vet väldigt djupt inuti mig själv att jag försöker förstå vad Richter hade, vilket är en fantastisk, eldig, brinnande intensitet av passion för musik – det är det som kom över när han spelade. Han var helt besatt och besatt av musik. ”

Sviatoslav Richter valdes också av Howard Shelley, Anna Goldsworthy och Piotr Anderszewski.

Vladimir Horowitz (1903-1989)

Vem var han? En ryskfödd pianist som åkte till väst vid 21 års ålder, där han beskrevs som en ”tornado släppt ur stenarna.” Mest känd för sina framträdanden av romantisk pianorepertoar och, överraskande, Scarlatti, återvände han till Ryssland för en triumfande farvälskäl 1986.

Vad gör honom stor? Mousserande virtuositet och extraordinär användning av tonfärg i kombination med en talang för att spänna sin publik och skapa furore vid hans levande skäl.

Ingolf Wunder Om Horowitzs gudliknande gåvor

”Horowitz kombinerade högklassig pianism med en unik musiksmak och tolkning. Det som gjorde honom unik var hans förmåga att mejla sina känslor och stämningar ur partiturets strukturer och harmoniska material. Jag tror att jag först hörde Horowitz när jag var 14. Jag blev bara förvånad över hans ton och de olika färger han kunde producera. Och han spelade alltid när hans hand byggdes, förrådde aldrig hans smak och syn på musik. Han var alltid han själv, och allt han rörde vid blev hans eget. Hans spel är aldrig medelmåttigt, det fungerar antingen eller inte. Men om det fungerar, är det helt enkelt gudlikt – ojämförligt med någonting du någonsin hört.

På ett sätt är Horowitz en produkt av en tid som producerade så många stora pianister. Jag tror att tankesättet och vårt liv har förändrats sedan dess. Nu kan musiker gå på Internet och höra nästan alla inspelningar av alla delar; då tvingades de tänka själv. Små saker fick större betydelse eftersom det inte var möjligt att gå någonstans direkt. Det handlade inte nödvändigtvis om vem som kan spela snabbast eller någon annan konkurrensaspekt, det handlade mer om musiken. Det finns fortfarande några musiker som liknar Horowitz och de gamla storheterna, och det är den skolan vi borde komma tillbaka till. ”

Vladimir Horowitz valdes också av Freddy Kempf, Gerard Willems, Konstantin Scherbakov.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Vem var han? En pianist och kompositör född i Ryssland, som tog examen från Moskva konservatorium i samma klass som kompositören Alexander Scriabin. Bland hans kompositioner finns pianokonsert nr 2, som ofta röstades till den mest populära delen av klassisk musik genom tiderna. Han lämnade Ryssland 1917 och inledde en karriär som turnerande pianist för att försörja sig själv och sin familj. Han blev amerikansk medborgare strax före sin död.

Vad gör honom stor? En nästan övermänskligt ren fingerteknik, som gjorde det möjligt för honom att upprätthålla klarhet även i de knottaste passagerna. Detta berodde delvis på hans berömda stora händer som kunde spänna över 12 tum eller en 13: e (C1 till A2) på piano. Han hade också en vackert sjungande ton, som liknades med violinisten Fritz Kreislers, som tillät honom att vrida oändlig sötma från en melodi.

Leslie Howard på den största pianisten någonsin att göra en skiva

”Det som är anmärkningsvärt med Rachmaninovs spel är hur ärligt det är.Ingenting kommer mellan hans spelande och hans idé om varför musikstycket var värt att spela in. Hans spel är aldrig rörigt, det är aldrig noga och det finns en fullständig frånvaro av billiga knep – ganska ovanligt för den tid han spelade in. Jag tror att han är den största pianisten i hans ålder och jag är säker på att han är den bästa pianisten som någonsin gjort en skiva.

Naturligtvis är hans teknik extraordinär, men gåvan med all bra teknik är att du är inte medveten om det när du lyssnar på det. Om du till exempel hör honom spela Si oiseau j’étais av Henselt låter det som det mest charmiga salongstycket. Men om du någonsin har suttit ner för att spela det, vet du utmärkt att det är en absolut skräck.

Rachmaninov har också ett sätt att hantera rytm som gör honom omedelbar igenkännlig. Ibland gör han det genom att spela en rytm som inte är exakt vad som finns i noten, men det kommer ut som låter som vad som borde ha varit i noten. Ta till exempel hans inspelning med Fritz Kreisler från Opus 30 No 3 Sonata of Beethoven. Du hör varje enskild ton och varje ton är lika viktig som alla andra, vilket är hur Beethoven borde spelas, men sällan är.

Som kompositör hade Rachmaninov också ett formidabelt musikaliskt sinne. Han dissekerade varje bit innan han lade händerna på tangentbordet. Och han kunde göra det för att hans kompositionskunskaper var så förfinade.

Jag tror ibland att när han spelar sin egen musik är han mindre försiktig – nästan som om han inte riktigt tycker att det borde göras så mycket krångel om honom. Men när du hör hur fullständigt slarvig, i känslomässig mening, hans spelning av sin egen musik är, avskräcker det pianister från att välta sig i den, som så många av dem gör. Om du vill ha romantisk spelning kan han göra det också, och igen tänker jag på en av inspelningarna med Kreisler av Grieg Sonata nr 3. Den andra satsen är hjärtligt underbar och hur han spelar låten är helt annorlunda än hur Kreisler spelar det. Det gör att stycket låter mer händelserikt än vad det faktiskt är – det är en smällare av en inspelning!

Det finns en anledning till att Rachmaninov inte spelade in mer, och det beror på de ansträngda relationer han hade med folket på Victor Talking Machine Company, som tyckte att han fick för mycket pengar för sina inspelningar, och som avslog många av de saker han erbjöd att spela in. Till exempel skulle han ge en gratis inspelning av Beethovens första pianokonsert så länge de skulle låta honom spela in sina orkestersymfoniska danser, och de vägrade erbjudandet.

Anledningen till att inspelningen vi gör har av honom att spela sin tredje konsert är för många öron lite otillräcklig för att han var tvungen att gå tillbaka och spela in första sidan igen fyra månader senare. Han satte nedskärningar i den i sista stund eftersom producenten Charles Connell gav honom sorg och sa att han inte kunde spela piano och inte heller kunde komponera. Kort sagt gjorde han det hela djupt obehagligt för Rachmaninov. Så vi har denna herr Connell att tacka för att han inte hade Liszt Sonata, Hammerklavier Sonata, Waldstein Sonata och Chopin B minor Sonata. Av inspelningarna vi har är det väldigt svårt att välja en favorit, men jag älskar absolut hans inspelning av Schumanns Carnaval. Jag tycker det är perfekt pianospel från början till slut. ”

Sergei Rachmaninov valdes också av Stephen Kovacevich, Denis Matsuev och Alexey Yemtsov.

Varför finns det så många stora ryska pianister?

Från 1800-talet har det varit mycket systematisk musikutbildning för barn i Ryssland, som började redan med grundandet av Moskvas kejserliga konservatorium. Rachmaninov kom för att studera där vid 14 års ålder. Han bodde hemma hos Nikolai Zverev, som hade skapat en internatskola för unga studenter, som var tvungna att öva sex timmar per dag, förutom deras skolstudier. .

Den skolan förvandlades till Central Music School under sovjettiden, och systemet utvidgades över hela landet. I dag finns det allvarlig musikutbildning för barn i Ryssland från och med när de är tillräckligt stora för att nå nycklarna. Vladimir Ashkenazy, Grigory Sokolov och Mikhail Pletnev är produkter av denna ganska stränga sovjetiska skola.

Så barn studerar i sju eller åtta år på en speciell musikskola, sedan klockan 15 går de till musikhögskolan i tre år. Och det är allt innan de anmäler sig till konservatoriet.

Så om ett barn är begåvat kan de vid 16 års ålder spela i princip allt. Det betyder att när ryska studenter kommer till konservatoriet är de redan professionella pianister. De har nästan inga tekniska gränser att övervinna och kan bara fokusera på att bli konstnär. Så det är inte som att bara ha pianolektioner med en lärare – det är systematisk och helt gratis musikutbildning. Genier föds överallt, men bara i Ryssland vårdes de på detta sätt.

Elena Kuznetsova
Dekan för piano, Moskvas konservatorium