Olanda (1872–1911) Edit

Mondrian s-a născut în Amersfoort, provincia Utrecht, în Olanda, al doilea dintre „copiii părinților săi. El a fost descendent din Christian Dirkzoon Monderyan care a locuit în Haga încă din 1670. Familia s-a mutat la Winterswijk când tatăl său, Pieter Cornelius Mondrian, a fost numit profesor la o școală primară locală. Mondrian a fost introdus în artă de la o vârstă fragedă. Tatăl său era un profesor de desen calificat și, împreună cu unchiul său, Fritz Mondrian (elev al Willem Maris de la Școala de artiști de la Haga), tânărul Piet pictează și desenează de-a lungul râului Gein.

o educație strictă protestantă, în 1892, Mondrian a intrat în Academia de Arte Plastice din Amsterdam. Era deja calificat ca profesor. Și-a început cariera ca profesor în învățământul primar, dar a practicat și pictura. Majoritatea lucrărilor sale din această perioadă sunt naturaliste sau impresioniste, constând în mare parte din peisaje. Aceste imagini pastorale ale țării sale native descriu mori de vânt, câmpuri și râuri, inițial în maniera impresionistă olandeză a Școlii de la Haga și apoi într-o varietate de stiluri și tehnici care atestă căutarea unui stil personal. Aceste picturi sunt reprezentative și ilustrează influența pe care diverse mișcări artistice au avut-o asupra lui Mondrian, inclusiv punctilismul și culorile vii ale fauvismului.

Afișate în Gemeentemuseum Den Haag sunt mai multe picturi din această perioadă, inclusiv lucrări postimpresioniste precum Moara roșie și Copacii în răsăritul lunii. O altă pictură, Evening (Avond) (1908), care înfățișează un copac într-un câmp la amurg, augurează chiar evoluțiile viitoare utilizând o paletă formată aproape în întregime din roșu, galben și albastru. Deși Avond este doar limitat în mod abstract, este cea mai veche pictură mondriană care subliniază culorile primare.

Primele picturi ale lui Mondrian care arată un grad de abstracția este o serie de pânze din 1905 până în 1908 care descriu scene întunecate de copaci și case indistincte reflectate în apă liniștită. doar cunoașterea realizărilor ulterioare ale lui Mondrian este cea care ne determină să căutăm în aceste lucrări rădăcinile abstractizării sale viitoare.

Arta lui Mondrian a fost intim legată de studiile sale spirituale și filosofice. În 1908 , a devenit interesat de mișcarea teosofică lansată de Helena Petrovna Blavatsky la sfârșitul secolului al XIX-lea și în 1909 s-a alăturat filialei olandeze a Societății Teosofice. Opera lui Blavatsky și o mișcare spirituală paralelă, Antroposofia lui Rudolf Steiner, au afectat în mod semnificativ dezvoltarea ulterioară a esteticii sale. Blavatsky credea că este posibil să se obțină o cunoaștere mai profundă a naturii decât cea oferită de mijloacele empirice și o mare parte din Mondrian. Munca lui pentru tot restul vieții sale a fost inspirată de căutarea acelei cunoștințe spirituale. În 1918, a scris „Am primit totul de la Doctrina secretă”, referindu-se la o carte scrisă de Blavatsky. În 1921, într-o scrisoare către Steiner, Mondrian a susținut că neoplasticismul său era „arta viitorului previzibil pentru toți adevărații antroposofi și teozofi”. El a rămas un teosofist angajat în anii următori, deși credea, de asemenea, că propriul său curent artistic, neoplasticismul, va deveni în cele din urmă parte a unei spiritualități ecumenice mai mari.

Mondrian și opera sa ulterioară au fost profund influențate de 1911 Expoziție modernă Kunstkring de cubism la Amsterdam. Căutarea sa pentru simplificare este prezentată în două versiuni ale Still Life with Ginger Pot (Stilleven met Gemberpot). Versiunea din 1911 este cubistă; în versiunea 1912 obiectele sunt reduse la o formă rotundă cu triunghiuri și dreptunghiuri.

Paris (1911-1914) Edit

În 1911, Mondrian s-a mutat la Paris și și-a schimbat numele, aruncând un „a” din Mondrian, pentru a sublinia plecarea sa din Olanda, și integrarea sa în avangarda pariziană. În timp ce se afla la Paris, influența stilului cubist al lui Pablo Picasso și Georges Braque a apărut aproape imediat în opera lui Mondrian. Tablouri precum Marea (1912) și diferitele sale studii asupra copacilor din acel an conțin încă o măsură de reprezentare, dar , din ce în ce mai mult, sunt dominate de forme geometrice și de planuri care se întrepătrund. În timp ce Mondrian era dornic să absoarbă influența cubistă în opera sa, pare clar că a văzut cubismul ca un „port de escală” în călătoria sa artistică, mai degrabă decât ca o destinație .

Olanda (1914–1918) Edit

Spre deosebire de cubiști, Mondrian a încercat încă să-și reconcilieze pictura cu activitățile sale spirituale, iar în 1913 a început să-și contopească arta și teosofica. studiază o teorie care a semnalat ultima sa rupere de pictura reprezentativă. În timp ce Mondrian vizita Olanda în 1914, a început Primul Război Mondial, obligându-l să rămână acolo pe durata conflictului. În această perioadă, el a rămas la artiștii Laren ” colon y, unde i-a cunoscut pe Bart van der Leck și Theo van Doesburg, ambii urmând propriile lor călătorii personale spre abstractizare. Folosirea lui Van der Leck de numai culori primare în arta sa a influențat-o foarte mult pe Mondrian. După o întâlnire cu Van der Leck în 1916, Mondrian a scris: „Tehnica mea care era mai mult sau mai puțin cubistă și, prin urmare, mai mult sau mai puțin picturală, a intrat sub influența metodei sale precise. „Cu Van Doesburg, Mondrian a fondat De Stijl (The Style), un jurnal al Grupului De Stijl, în care a publicat mai întâi eseuri care definesc teoria sa, pe care a numit-o neoplasticism.

Mondrian a publicat „De Nieuwe Beelding in de schilderkunst” („Noul plastic în pictură”) în douăsprezece tranșe în perioada 1917 și 1918. Aceasta a fost prima sa încercare majoră de a-și exprima teoria artistică în scris. Mondrian este cel mai bine și cel mai des citat. expresia acestei teorii, însă, provine dintr-o scrisoare pe care i-a scris-o către HP Bremmer în 1914:

Construiesc linii și combinații de culori pe o suprafață plană, în pentru a exprima frumusețea generală cu cea mai mare conștientizare. Natura (sau ceea ce văd) mă inspiră, mă pune, ca în cazul oricărui pictor, într-o stare emoțională, astfel încât să apară un îndemn de a face ceva, dar vreau să mă apropii cât mai mult de adevăr și să abstractizez totul de la asta, până ajung la temelia (încă doar o temelie externă!) a lucrurilor … cred că este posibil ca, prin linii orizontale și verticale construite cu conștientizare, dar nu cu calcul, conduse de o intuiție înaltă și aduse la armonie și ritm , aceste forme de bază ale frumuseții, completate, dacă este necesar, de alte linii sau curbe directe, pot deveni o operă de artă, pe cât de puternică este adevărată.

Paris (1918–1938) Edit

ând s-a încheiat Primul Război Mondial în 1918, Mondrian s-a întors în Franța, unde va rămâne până în 1938. Scufundat în cultura de inovație artistică din Paris de după război, a înflorit și a îmbrățișat pe deplin arta abstractizării pure pentru tot restul vieții sale. Mondrian a început să producă picturi pe rețea la sfârșitul anului 1919, iar în 1920 a început să apară stilul pentru care a devenit renumit.

În primele picturi ale acestui stil, liniile care delimitează formele dreptunghiulare sunt sunt relativ subțiri și sunt gri, nu negre o se estompeze pe măsură ce se apropie de marginea picturii, mai degrabă decât să se oprească brusc. Formele în sine, mai mici și mai numeroase decât în picturile ulterioare, sunt umplute cu culori primare, negru sau gri și aproape toate sunt colorate; doar câteva rămân albe.

La sfârșitul anilor 1920 și 1921, picturile lui Mondrian ajung la ceea ce este pentru observatorii obișnuiți forma lor definitivă și matură. Liniile negre groase separă acum formele, care sunt mai mari și mai puține ca număr și mai multe dintre forme rămân albe.Totuși, aceasta nu a fost punctul culminant al evoluției sale artistice. Deși rafinamentele au devenit mai subtile, lucrarea lui Mondrian a continuat să evolueze în timpul anilor săi la Paris.

În picturile din 1921, multe, deși nu toate, liniile negre se opresc la o distanță aparent arbitrară de marginea pânzei, deși diviziunile dintre formele dreptunghiulare rămân intacte. Și aici, formele dreptunghiulare rămân în mare parte colorate. Pe măsură ce anii au trecut, iar lucrarea lui Mondrian a evoluat mai mult, el a început să extindă toate liniile până la marginile pânză și a început să folosească din ce în ce mai puține forme colorate, favorizând în schimb albul.

Aceste tendințe sunt deosebit de evidente în lucrările de „pastilă” pe care Mondrian a început să le producă cu regularitate la mijlocul anilor 1920. Picturile „pastile” sunt pânze pătrate înclinate la 45 de grade, astfel încât să aibă o formă de diamant. Tipic dintre acestea este Schilderij No. 1: Lozenge With Two Lines and Blue (1926). Una dintre cele mai minime pânze ale lui Mondrian, acest tablou constă doar din două linii negre, perpendiculare și o formă triunghiulară albastră mică. Liniile se extind până la marginile pânzei, dând aproape impresia că pictura este o fragment al unei lucrări mai mari.

Deși viziunea asupra picturii este împiedicată de sticla care o protejează și de taxa pe care vârsta și manevrarea au luat-o în mod evident pe pânză, o examinare atentă a acestei picturi începe să dezvăluie ceva din metoda artistului. Pictura nu este alcătuită din planuri de culoare perfect plane, așa cum ne-am putea aștepta. Accentuări subtile ale periei sunt evidente peste tot. Artistul pare să fi folosit tehnici diferite pentru diferitele elemente. liniile sunt elementele cele mai plate, cu cea mai mică adâncime. Formele colorate au cele mai evidente lovituri de perie, toate rulează într-o singură direcție. Cele mai interesante sunt însă formele albe, care în mod clar au fost vopsite în straturi, folosind str. merge bine în direcții diferite. Acest lucru generează un sentiment mai mare de profunzime în formele albe, astfel încât acestea par să copleșească liniile și culorile, pe care le făceau într-adevăr, deoarece picturile lui Mondrian din această perioadă au devenit din ce în ce mai dominate de spațiul alb.

În 1926, Katherine Dreier, cofondator al Societății de artiști independenți din New York City (împreună cu Marcel Duchamp și Man Ray), a vizitat studioul lui Piet Mondrian din Paris și a achiziționat una dintre compozițiile sale de diamante, Pictura I Aceasta a fost apoi arătată în timpul unei expoziții organizate de Society of Independent Artists din Brooklyn Museum – prima expoziție majoră de artă modernă din America de la Armory Show. Ea a declarat în catalog că „Olanda a produs trei mari pictori care, deși o expresie logică a propriei țări, s-a ridicat deasupra ei prin vigoarea personalității lor – primul a fost Rembrandt, al doilea a fost Van Gogh și al treilea este Mondrian. „

Pe măsură ce anii au progresat, liniile a început să primeze asupra formelor din Mo tablourile lui ndrian. În anii 1930, a început să folosească mai frecvent linii mai subțiri și linii duble, punctate cu câteva forme mici colorate, dacă este cazul. Liniile duble l-au entuziasmat în mod deosebit pe Mondrian, pentru că el credea că le-au oferit tablourilor sale un nou dinamism pe care era dornic să îl exploreze. Introducerea liniei duble în opera sa a fost influențată de opera prietenului său și contemporanului Marlow Moss.

Între 1934 și 1935, trei dintre picturile lui Mondrian au fost expuse ca parte a „Abstract and Concrete „expoziții în Marea Britanie la Oxford, Londra și Liverpool.

Londra și New York (1938–1944) Edit

În septembrie 1938, Mondrian a părăsit Parisul în fața progresului fascismului și s-a mutat la Londra. După ce Olanda a fost invadată și Parisul a căzut în 1940, a părăsit Londra pentru Manhattan în New York, unde va rămâne până la moarte. Unele dintre lucrările ulterioare ale lui Mondrian sunt dificil de amplasat în ceea ce privește dezvoltarea sa artistică, deoarece au fost destul de multe pânze în care a început Paris sau Londra și finalizate doar luni sau ani mai târziu în Manhattan. Lucrările terminate din această perioadă ulterioară sunt vizual ocupate, cu mai multe linii decât oricare dintre lucrările sale din anii 1920, plasate într-un aranjament suprapus, care are o aparență aproape cartografică. A petrecut multe ore lungi pictând de unul singur până când mâinile i s-au întipărit și uneori plângea sau se îmbolnăvea.

Mondrian a produs Lozenge Composition With Four Yellow Lines (1933), o pictură simplă care a inovat groase, colorate. linii în loc de cele negre. După acea pictură, această practică a rămas latentă în opera lui Mondrian până când a ajuns în Manhattan, moment în care a început să o îmbrățișeze cu abandon.În unele exemple ale acestei noi direcții, cum ar fi Compoziție (1938) / Place de la Concorde (1943), el pare să fi luat picturi neterminate din linia neagră de la Paris și le-a completat la New York adăugând linii scurte perpendiculare de diferite culori, care rulează între liniile negre mai lungi sau de la o linie neagră până la marginea pânzei. Zonele nou colorate sunt groase, aproape reducând decalajul dintre linii și forme și este surprinzător să vezi culoarea într-o pictură Mondrian care nu este delimitată de negru. Alte lucrări amestecă linii lungi de roșu printre liniile negre familiare, creând un nou sentiment de profunzime prin adăugarea unui strat colorat deasupra celui negru. Compoziția sa nr. 10, 1939–1942, caracterizată prin culori primare, fundal alb și linii de grilă neagră, au definit în mod clar abordarea radicală, dar clasică, a lui Mondrian a dreptunghiului.

La 23 septembrie 1940 Mondrian a părăsit Europa spre New York la bordul navei Cunard White Star Lines RMS Samaria, care pleacă de la Liverpool. Noile pânze pe care Mondrian le-a început în Manhattan sunt și mai uimitoare și indică începutul unui nou idiom care a fost scurtat de moartea artistului. New York City (1942) este o rețea complexă de linii roșii, albastre și galbene, care se întrepătrund ocazional pentru a crea un sentiment de profunzime mai mare decât lucrările sale anterioare. O versiune neterminată din 1941 a acestei lucrări folosește benzi de bandă de hârtie pictată, pe care artistul le-ar putea rearanja după bunul plac pentru a experimenta diferite modele.

Pictura sa Broadway Boogie-Woogie (1942–43) la Muzeul de Artă Modernă în Manhattan a fost extrem de influent în școala picturii geometrice abstracte. Piesa este alcătuită dintr-o serie de pătrate strălucitoare de culoare strălucitoare care sar din pânză, apoi par să strălucească, atrăgând privitorul în acele lumini de neon. În această pictură și în neterminata Victory Boogie Woogie (1942–1944), Mondrian a înlocuit fostele linii solide cu linii create din dreptunghiuri de culoare mici alăturate, create parțial folosind bucăți mici de bandă de hârtie în diferite culori. Dreptunghiuri de culoare mai mari nelimitate punctează designul, unele cu dreptunghiuri concentrice mai mici în interiorul lor. În timp ce lucrările lui Mondrian din anii 1920 și 1930 tind să aibă o austeritate aproape științifică despre acestea, acestea sunt picturi strălucitoare și pline de viață, care reflectă muzica optimistă care le-a inspirat și orașul în care au fost realizate.

În aceste lucrări finale, formele au uzurpat într-adevăr rolul liniilor, deschizând o altă ușă nouă pentru dezvoltarea lui Mondrian ca abstracționist. Picturile Boogie-Woogie au fost în mod clar mai mult o schimbare revoluționară decât una evolutivă, reprezentând cea mai profundă dezvoltare a operei lui Mondrian de la abandonarea artei reprezentative în 1913.

În 2008, programul de televiziune olandez Andere Tijden a găsit singurul film cunoscut alături de Mondrian. Descoperirea filmului a fost anunțată la sfârșitul unui program de cercetare de doi ani asupra Victory Boogie Woogie. Cercetarea a constatat că pictura era în stare foarte bună și că Mondrian a pictat Compoziția într-o singură sesiune. De asemenea, s-a constatat că compoziția a fost modificată radical de Mondrian cu puțin înainte de moartea sa, folosind bucăți mici de bandă colorată.

Wall worksEdit

Când cei 47 de ani -vechi Piet Mondrian a părăsit Olanda pentru Parisul liber, pentru a doua și ultima oară în 1919, a pornit imediat să facă din studioul său un mediu favorabil pentru picturile pe care le avea în minte, care să exprime din ce în ce mai mult principiile neoplasmului ticism despre care scria de doi ani. Pentru a ascunde defectele structurale ale studioului rapid și ieftin, a ridicat pancarte dreptunghiulare mari, fiecare într-o singură culoare sau nuanță neutră. Pătrate și dreptunghiuri de hârtie de culoare mai mică, compuse împreună, au accentuat pereții. Apoi a venit o perioadă intensă de pictură. El s-a adresat din nou pereților, repoziționând decupajele colorate, adăugând la numărul lor, modificând dinamica culorii și spațiului, producând noi tensiuni și echilibru. În scurt timp, el a stabilit un program creativ în care o perioadă de pictură se rotea cu o perioadă de regrupare experimentală a hârtiei mai mici de pe pereți, proces care a alimentat în mod direct următoarea perioadă de pictură. A fost un model pe care l-a urmat pentru restul vieții sale, prin mutări în timp de război de la Paris la Hampstead din Londra în 1938 și 1940, în Atlanticul către Manhattan.

La vârsta de 71 de ani, în toamna anului 1943, Mondrian s-a mutat în al doilea și ultimul său studio din Manhattan, la 15 East 59th Street, și a început să recreeze mediul h De-a lungul anilor, învățasem că era cel mai simpatic modului său de viață modest și cel mai stimulant al artei sale.A pictat pereții înalți în același alb murdar pe care l-a folosit pe șevalet și pe scaune, mese și dulapuri de depozitare pe care le-a proiectat și modelat meticulos din portocalii aruncați și lăzi de mere. A strălucit partea de sus a unui scaun de metal alb în același roșu primar strălucitor pe care l-a aplicat pe teaca de carton pe care a făcut-o pentru radiofonograful care i-a revărsat iubitul său jazz din înregistrările bine călătorite. Vizitatorii acestui ultim studio au văzut rareori mai mult de una sau două pânze noi, dar au constatat, adesea spre uimirea lor, că opt compoziții mari de bucăți de hârtie colorate pe care le-a prins și a reapucat pe pereți în relații mereu schimbătoare, au constituit împreună o mediu care, în mod paradoxal și simultan, era atât cinetic, cât și senin, stimulant și odihnitor. A fost cel mai bun spațiu, a spus Mondrian, pe care l-a locuit. A fost acolo doar câteva luni, deoarece a murit în februarie 1944.

După moartea sa, prietenul și sponsorul lui Mondrian în Manhattan, artistul Harry Holtzman și un alt prieten pictor, Fritz Glarner, au fost documentate cu atenție studioul pe film și în fotografii statice înainte de a-l deschide publicului pentru o expoziție de șase săptămâni. Înainte de a demonta studioul, Holtzman (care era și moștenitorul lui Mondrian) a trasat compozițiile de perete cu precizie, a pregătit facsimile portabile exacte ale ocupase și fixase pe fiecare componentele originale decupate supraviețuitoare. Aceste compoziții portabile Mondrian au devenit cunoscute sub numele de „The Wall Works”. De la moartea lui Mondrian, au fost expuse de două ori la Muzeul de Artă Modernă din Manhattan (1983 și 1995–96), o dată în SoHo la Galeria Carpenter + Hochman (1984), câte o dată la Galeria Tokoro din Tokyo, Japonia (1993), a XXII-a Bienală din Sao Paulo (1994), Universitatea din Michigan (1995) și – prima dată prezentată în Europa – la Akademie der Künste (Academia de Arte), din Berlin (22 februarie – 22 Aprilie 2007).