Holanda (1872–1911) Editar

Mondrian nasceu em Amersfoort, província de Utrecht, na Holanda, o segundo filho de seus pais. Ele era descendente de Christian Dirkzoon Monderyan, que viveu em Haia já em 1670. A família mudou-se para Winterswijk quando seu pai, Pieter Cornelius Mondrian, foi nomeado professor titular de uma escola primária local. Mondrian foi apresentado à arte desde cedo. Seu pai era um professor de desenho qualificado e, com seu tio, Fritz Mondrian (aluno de Willem Maris da Escola de Artistas de Haia), o jovem Piet costumava pintar e desenhar ao longo do rio Gein.

Depois uma educação protestante estrita, em 1892, Mondrian entrou na Academia de Belas Artes de Amsterdã. Ele já estava qualificado como professor. Começou a sua carreira como professor no ensino básico, mas também praticou pintura. A maior parte de sua obra desse período é naturalista ou impressionista, consistindo principalmente de paisagens. Essas imagens pastorais de seu país natal retratam moinhos de vento, campos e rios, inicialmente no estilo impressionista holandês da Escola de Haia e depois em uma variedade de estilos e técnicas que atestam sua busca por um estilo pessoal. Essas pinturas são representativas e ilustram a influência que vários movimentos artísticos tiveram em Mondrian, incluindo o pontilhismo e as cores vivas do fauvismo.

Em exposição no Gemeentemuseum Den Haag estão várias pinturas desse período, incluindo obras pós-impressionistas como The Red Mill e Trees in Moonrise. Outra pintura, Evening (Avond) (1908), retratando uma árvore em um campo ao anoitecer, até mesmo pressagia desenvolvimentos futuros usando uma paleta consistindo quase inteiramente de vermelho, amarelo e azul. Embora Avond seja apenas limitadamente abstrato, é a primeira pintura de Mondrian a enfatizar cores primárias.

As primeiras pinturas de Mondrian mostrando um grau de abstração é uma série de telas de 1905 a 1908 que retratam cenas obscuras de árvores e casas indistintas refletidas na água parada. Embora o resultado leve o observador a começar a se concentrar nas formas sobre o conteúdo, essas pinturas ainda estão firmemente enraizadas na natureza é apenas o conhecimento das realizações posteriores de Mondrian que leva alguém a buscar nessas obras as raízes de sua abstração futura.

A arte de Mondrian estava intimamente relacionada aos seus estudos espirituais e filosóficos. Em 1908 , ele se interessou pelo movimento teosófico lançado por Helena Petrovna Blavatsky no final do século 19, e em 1909 ele se juntou ao ramo holandês da Sociedade Teosófica. O trabalho de Blavatsky e um movimento espiritual paralelo, a Antroposofia de Rudolf Steiner, afetou significativamente o desenvolvimento posterior de sua estética. Blavatsky acreditava que era possível atingir um conhecimento mais profundo da natureza do que aquele fornecido por meios empíricos, e muito de Mondrian “O trabalho para o resto de sua vida foi inspirado por sua busca por esse conhecimento espiritual. Em 1918, ele escreveu “Eu aprendi tudo da Doutrina Secreta”, referindo-se a um livro escrito por Blavatsky. Em 1921, em uma carta a Steiner, Mondrian argumentou que seu neoplasticismo era “a arte do futuro previsível para todos os verdadeiros antroposofistas e teosofistas”. Ele permaneceu um teosofista comprometido nos anos subsequentes, embora também acreditasse que sua própria corrente artística, o neoplasticismo, acabaria se tornando parte de uma espiritualidade ecumênica mais ampla.

Mondrian e seu trabalho posterior foram profundamente influenciados por 1911 Exposição Moderne Kunstkring de Cubismo em Amsterdam. Sua busca por simplificação é mostrada em duas versões de Still Life with Ginger Pot (Stilleven conheceu Gemberpot). A versão de 1911 é cubista; na versão de 1912, os objetos são reduzidos a uma forma redonda com triângulos e retângulos.

Paris (1911–1914) Editar

Em 1911, Mondrian mudou-se para Paris e mudou seu nome, retirando um “a” de Mondrian, para enfatizar sua saída da Holanda, e sua integração na vanguarda parisiense. Em Paris, a influência do estilo cubista de Pablo Picasso e Georges Braque apareceu quase imediatamente na obra de Mondrian. Pinturas como O mar (1912) e seus vários estudos de árvores daquele ano ainda contêm uma medida de representação, mas , cada vez mais, eles são dominados por formas geométricas e planos interligados. Enquanto Mondrian estava ansioso para absorver a influência cubista em seu trabalho, parece claro que ele via o cubismo como um “porto de escala” em sua jornada artística, em vez de um destino .

Holanda (1914–1918) Editar

Ao contrário dos cubistas, Mondrian ainda tentou reconciliar sua pintura com suas buscas espirituais, e em 1913 ele começou a fundir sua arte e sua teosofia estudos em uma teoria que sinalizou sua ruptura final com a pintura representacional. Enquanto Mondrian estava visitando a Holanda em 1914, a Primeira Guerra Mundial começou, forçando-o a permanecer lá durante o conflito. Durante este período, ele permaneceu nos artistas de Laren ” cólon y, onde conheceu Bart van der Leck e Theo van Doesburg, que estavam ambos realizando suas próprias jornadas pessoais em direção à abstração. O uso de Van der Leck de apenas cores primárias em sua arte influenciou muito Mondrian. Depois de um encontro com Van der Leck em 1916, Mondrian escreveu: “Minha técnica que era mais ou menos cubista e, portanto, mais ou menos pictórica, ficou sob o influência de seu método preciso. “Com Van Doesburg, Mondrian fundou De Stijl (O Estilo), um jornal do Grupo De Stijl, no qual ele publicou pela primeira vez ensaios definindo sua teoria, que ele chamou de neoplasticismo.

Mondrian publicou “De Nieuwe Beelding in de schilderkunst” (“O Novo Plástico na Pintura”) em doze episódios durante 1917 e 1918. Esta foi sua primeira grande tentativa de expressar sua teoria artística por escrito. O melhor e mais frequentemente citado de Mondrian expressão desta teoria, no entanto, vem de uma carta que ele escreveu para HP Bremmer em 1914:

Eu construo linhas e combinações de cores em uma superfície plana, em a fim de expressar a beleza geral com a maior consciência. A natureza (ou o que eu vejo) me inspira, me coloca, como qualquer pintor, em um estado emocional de tal forma que surge uma ânsia de fazer algo, mas eu quero chegar o mais perto possível da verdade e abstrair tudo de que, até eu chegar ao fundamento (ainda apenas um fundamento externo!) das coisas … Acredito que seja possível, através de linhas horizontais e verticais construídas com consciência, mas não com cálculo, conduzidas por alta intuição, e harmonizadas e ritmadas , essas formas básicas de beleza, complementadas se necessário por outras linhas diretas ou curvas, podem se tornar uma obra de arte, tão fortes quanto verdadeiras.

Paris (1918–1938) Editar

Quando a Primeira Guerra Mundial terminou em 1918, Mondrian retornou à França, onde permaneceria até 1938. Imerso na cultura de inovação artística de Paris do pós-guerra, ele floresceu e abraçou totalmente a arte da abstração pura pelo resto de sua vida. Mondrian começou a produzir pinturas baseadas em grade no final de 1919 e, em 1920, o estilo pelo qual ele se tornou conhecido começou a aparecer.

Nas primeiras pinturas desse estilo, as linhas que delineiam as formas retangulares são relativamente finas e cinzentas, não pretas. As linhas também tendem a t o desaparecem à medida que se aproximam da borda da pintura, em vez de parar abruptamente. As próprias formas, menores e mais numerosas do que nas pinturas posteriores, são preenchidas com cores primárias, preto ou cinza, e quase todas são coloridas; apenas alguns são deixados em branco.

Durante o final de 1920 e 1921, as pinturas de Mondrian chegam ao que é para observadores casuais sua forma definitiva e madura. Grossas linhas pretas agora separam as formas, que são maiores e menos em número e mais formas são deixadas em branco.Este não foi o culminar de sua evolução artística, no entanto. Embora os refinamentos tenham se tornado mais sutis, o trabalho de Mondrian continuou a evoluir durante seus anos em Paris.

Nas pinturas de 1921, muitas, embora não todas, as linhas pretas param a uma distância aparentemente arbitrária do borda da tela, embora as divisões entre as formas retangulares permaneçam intactas. Aqui, também, as formas retangulares permanecem principalmente coloridas. Com o passar dos anos e a evolução do trabalho de Mondrian, ele começou a estender todas as linhas até as bordas do tela, e ele começou a usar cada vez menos formas coloridas, preferindo o branco.

Essas tendências são particularmente óbvias nas obras de “losangos” que Mondrian começou a produzir com regularidade em meados da década de 1920. As pinturas em “losango” são telas quadradas inclinadas 45 graus, de forma que têm a forma de diamante. Típico deles é Schilderij No. 1: Lozenge With Two Lines and Blue (1926). Uma das telas mais minimalistas de Mondrian, esta pintura consiste apenas em duas linhas pretas perpendiculares e uma pequena forma triangular azul. As linhas estendem-se até as bordas da tela, quase dando a impressão de que a pintura é uma fragmento de uma obra maior.

Embora a visão da pintura seja dificultada pelo vidro que a protege e pelo desgaste que o tempo e o manuseio obviamente exerceram sobre a tela, um exame atento desta pintura começa a revelar algo do método do artista. A pintura não é composta de planos de cor perfeitamente planos, como se poderia esperar. Pinceladas sutis são evidentes por toda parte. O artista parece ter usado técnicas diferentes para os vários elementos. O preto as linhas são os elementos mais planos, com a menor profundidade. As formas coloridas têm as pinceladas mais óbvias, todas correndo em uma direção. Mais interessantes, no entanto, são as formas brancas, que foram claramente pintadas em camadas, usando pinceladas okes correndo em direções diferentes. Isso gera uma maior sensação de profundidade nas formas brancas, de modo que parecem sobrepujar as linhas e as cores, o que de fato estavam fazendo, à medida que as pinturas de Mondrian desse período passaram a ser cada vez mais dominadas pelo espaço em branco.

Em 1926, Katherine Dreier, cofundadora da Sociedade de Artistas Independentes da Cidade de Nova York (junto com Marcel Duchamp e Man Ray), visitou o estúdio de Piet Mondrian em Paris e adquiriu uma de suas composições de diamante, Pintura I . Isso foi mostrado durante uma exposição organizada pela Society of Independent Artists no Brooklyn Museum – a primeira grande exposição de arte moderna na América desde o Armory Show. Ela afirmou no catálogo que “a Holanda produziu três grandes pintores que, embora uma expressão lógica de seu próprio país, elevou-se acima dele através do vigor de sua personalidade – o primeiro foi Rembrandt, o segundo foi Van Gogh e o terceiro é Mondrian. “

Com o passar dos anos, as linhas começou a ter precedência sobre as formas em Mo pinturas de ndrian. Na década de 1930, ele começou a usar linhas mais finas e linhas duplas com mais freqüência, pontuadas com algumas pequenas formas coloridas, se houver. As linhas duplas entusiasmavam Mondrian, pois acreditava que ofereciam às suas pinturas um novo dinamismo que ele estava ansioso por explorar. A introdução da linha dupla em seu trabalho foi influenciada pelo trabalho de seu amigo e contemporâneo Marlow Moss.

De 1934 a 1935, três das pinturas de Mondrian foram exibidas como parte do “Abstrato e concreto “exposições no Reino Unido em Oxford, Londres e Liverpool.

Londres e Nova York (1938–1944) Editar

Em setembro de 1938, Mondrian deixou Paris em face do avanço do fascismo e mudou-se para Londres. Depois que a Holanda foi invadida e Paris caiu em 1940, ele trocou Londres por Manhattan em Cidade de Nova York, onde ele permaneceria até sua morte. Algumas das últimas obras de Mondrian são difíceis de situar em termos de seu desenvolvimento artístico, porque havia algumas telas nas quais ele começou Paris ou Londres e só completou meses ou anos depois em Manhattan. As obras acabadas desse período posterior são visualmente ocupadas, com mais linhas do que qualquer uma de suas obras desde os anos 1920, colocadas em um arranjo sobreposto que é quase cartográfico na aparência. Ele passou muitas horas pintando sozinho até que suas mãos ficaram com bolhas, e às vezes chorava ou vomitava.

Mondrian produziu Composição em losango com quatro linhas amarelas (1933), uma pintura simples que inovou em cores espessas e coloridas linhas em vez de pretas. Depois daquela pintura, essa prática permaneceu adormecida na obra de Mondrian até que ele chegou a Manhattan, quando começou a abraçá-la com abandono.Em alguns exemplos dessa nova direção, como Composition (1938) / Place de la Concorde (1943), ele parece ter pegado pinturas de linhas pretas inacabadas de Paris e as concluído em Nova York, adicionando linhas perpendiculares curtas de cores diferentes, correndo entre as linhas pretas mais longas ou de uma linha preta até a borda da tela. As áreas recém-coloridas são grossas, quase preenchendo a lacuna entre linhas e formas, e é surpreendente ver cores em uma pintura de Mondrian sem limites de preto. Outros trabalhos misturam longas linhas de vermelho em meio às familiares linhas pretas, criando um novo senso de profundidade com a adição de uma camada colorida sobre a preta. Sua pintura Composição nº 10, 1939–1942, caracterizada por cores primárias, fundo branco e linhas de grade pretas claramente definiram a abordagem radical mas clássica de Mondrian do retângulo.

Em 23 de setembro de 1940, Mondrian saiu da Europa para Nova York a bordo do navio RMS Samaria da Cunard White Star Lines, com partida de Liverpool. As novas telas que Mondrian começou em Manhattan são ainda mais surpreendentes e indicam o início de um novo idioma que foi interrompido pela morte do artista. A cidade de Nova York (1942) é uma rede complexa de linhas vermelhas, azuis e amarelas, ocasionalmente se entrelaçando para criar um senso de profundidade maior do que seus trabalhos anteriores. Uma versão inacabada de 1941 desta obra usa tiras de fita adesiva pintada, que o artista poderia reorganizar à vontade para experimentar diferentes designs.

Sua pintura Broadway Boogie-Woogie (1942–43) no Museu de Arte Moderna em Manhattan foi muito influente na escola de pintura geométrica abstrata. A peça é composta de vários quadrados cintilantes de cores vivas que saltam da tela e, em seguida, parecem cintilar, atraindo o observador para aquelas luzes de néon. Nesta pintura e no Victory Boogie Woogie (1942-1944), Mondrian substituiu as antigas linhas sólidas por linhas criadas a partir de pequenos retângulos de cor adjacentes, criados em parte com o uso de pequenos pedaços de fita de papel em várias cores. Retângulos de cor maiores e ilimitados pontuam o design, alguns com retângulos concêntricos menores dentro deles. Embora as obras de Mondrian das décadas de 1920 e 1930 tendam a ter uma austeridade quase científica, essas pinturas são brilhantes e vivas, refletindo a música otimista que as inspirou e a cidade em que foram feitas.

Nestes trabalhos finais, as formas usurparam de fato o papel das linhas, abrindo mais uma porta para o desenvolvimento de Mondrian como abstracionista. As pinturas de Boogie-Woogie foram claramente mais uma mudança revolucionária do que evolucionária, representando o desenvolvimento mais profundo na obra de Mondrian desde seu abandono da arte representacional em 1913.

Em 2008, o programa de televisão holandês Andere Tijden encontrou a única filmagem conhecida com Mondrian. A descoberta da filmagem foi anunciada no final de um programa de pesquisa de dois anos sobre o Victory Boogie Woogie. A pesquisa descobriu que a pintura estava em muito boas condições e que Mondrian pintou o composição em uma sessão. Também foi descoberto que a composição foi radicalmente alterada por Mondrian pouco antes de sua morte, usando pequenos pedaços de fita colorida.

Wall worksEdit

Quando o 47-year O velho Piet Mondrian deixou a Holanda e foi para a Paris sem restrições pela segunda e última vez em 1919, ele começou imediatamente a fazer de seu estúdio um ambiente propício para pinturas que ele tinha em mente que expressariam cada vez mais os princípios da neoplasia ticismo sobre o qual escrevia há dois anos. Para esconder as falhas estruturais do estúdio de forma rápida e barata, ele pregou grandes cartazes retangulares, cada um em uma única cor ou matiz neutro. Quadrados e retângulos de papel colorido menores, compostos juntos, acentuavam as paredes. Depois veio um intenso período de pintura. Voltou a abordar as paredes, reposicionando os recortes coloridos, somando-lhes o número, alterando a dinâmica da cor e do espaço, produzindo novas tensões e equilíbrios. Em pouco tempo, ele havia estabelecido um cronograma criativo em que um período da pintura se revezava com um período de reagrupar experimentalmente os papéis menores nas paredes, um processo que alimentou diretamente o próximo período da pintura. Foi um padrão que ele seguiu pelo resto de sua vida, por meio de mudanças em tempos de guerra de Paris para Hampstead em Londres em 1938 e 1940, através do Atlântico a Manhattan.

Aos 71 anos no outono de 1943, Mondrian mudou-se para seu segundo e último estúdio em Manhattan na 15 East 59th Street e começou a recriar o ambiente h Aprendemos com o passar dos anos que era mais compatível com seu modesto estilo de vida e mais estimulante para sua arte.Ele pintou as paredes altas do mesmo branco-sujo que usou em seu cavalete e nos assentos, mesas e caixas de armazenamento que ele projetou e moldou meticulosamente com caixas de laranja e maçã descartadas. Ele lustrou o topo de um banquinho de metal branco com o mesmo vermelho primário brilhante que aplicou ao invólucro de papelão que fez para o radiofonógrafo que derramava seu amado jazz de discos já viajados. Os visitantes deste último estúdio raramente viam mais de uma ou duas novas telas, mas descobriam, muitas vezes para seu espanto, que oito grandes composições de pedaços de papel colorido que ele havia pregado e reaplicado nas paredes em relacionamentos em constante mudança constituíam juntos um ambiente que, paradoxal e simultaneamente, era cinético e sereno, estimulante e repousante. Era o melhor espaço, disse Mondrian, que ele habitou. Ele ficou lá por apenas alguns meses, pois morreu em fevereiro de 1944.

Após sua morte, o amigo e patrocinador de Mondrian em Manhattan, o artista Harry Holtzman, e outro amigo pintor, Fritz Glarner, documentaram cuidadosamente o estúdio em filme e em fotos antes de abri-lo ao público para uma exposição de seis semanas. Antes de desmontar o estúdio, Holtzman (que também foi herdeiro de Mondrian) traçou as composições das paredes com precisão, preparou fac-símiles portáteis exatos do espaço de cada ocupou e afixou a cada um os componentes originais remanescentes. Essas composições portáteis de Mondrian ficaram conhecidas como “The Wall Works”. Desde a morte de Mondrian, eles foram exibidos duas vezes no Museu de Arte Moderna de Manhattan (1983 e 1995-96), uma vez no SoHo na Galeria Carpenter + Hochman (1984), uma vez na Galerie Tokoro em Tóquio, Japão (1993), a XXII Bienal de São Paulo (1994), a Universidade de Michigan (1995), e – pela primeira vez na Europa – na Akademie der Künste (Academy of The Arts), em Berlim (22 de fevereiro a 22 Abril de 2007).