O que o torna excelente? Um compromisso de sondar as profundezas intelectuais e espirituais de uma obra, evitando exibições de bravura técnica.

Jonathan Biss no som vivo de Schnabel

“Se me perguntassem qual pianista eu mais amo, nunca seria capaz de responder – muitas possibilidades! Mas se for uma questão de quem me inspirou, isso é fácil: Artur Schnabel. Minha primeira exposição ao dele as gravações das Sonatas de Beethoven surgiram no início da minha adolescência e rapidamente me levaram a uma obsessão por essas obras que espero durar pelo resto da minha vida. Não conseguia entender como ele podia transmitir tanto significado – espiritualidade, até – entre dois notas, ou como ele conseguiu produzir deste instrumento de chaves e martelos um som tão flutuante, resistente à gravidade, vivo. Esses dois objetivos – fazer um som que vive e encontrar música não só nas notas, mas em torno deles – ainda são primordiais para mim, quase duas décadas depois.

Quando fui estudar com Leon Fleisher, Fiquei tocado ao ouvi-lo falar de Schnabel, seu próprio professor, com o mesmo tipo de admiração. As próprias ideias de Fleisher sobre música são convincentes e ele é incomparavelmente eloqüente ao expressá-las, mas muitas vezes ele simplesmente nos dizia o que Schnabel havia lhe contado sobre esta ou aquela peça, em um tom de voz que sugeria que não havia maior autoridade. Gosto de pensar que posso ter aprendido algo com essa linhagem, e a cada dia tento trazer para minha música algo da devoção, compreensão e, acima de tudo, amor, que emana de cada nota que o homem tocou. ”

Wilhelm Kempff (1895-1991)

Escolhido por Cyprien Latsaris, Michael Endres, David Fray e Eldar Nebolsin.

Quem era ele? Um pianista alemão que se concentrou nos grandes nomes da música alemã e fez shows bem depois dos 80 anos.

O que o torna excelente? Inventividade rítmica e talento para trazer à tona o lirismo, charme e espontaneidade na música, particularmente em peças ou passagens íntimas.

Cyprien Latsaris On Kempff em concerto

“Eu ouvi Kempff ao vivo pela primeira vez em Paris quando eu tinha cerca de 13 anos e depois comprei algumas gravações dele de Beethoven e Brahms. Ele não tinha a melhor técnica pianística, mas era muito especial. Ele criou alguns momentos musicais sublimes e divinos que nos transportaram para os céus. Tenho a certeza de que hoje teria tido o mesmo sucesso nos concertos, porque o fator mais importante para um músico é ter uma personalidade muito especial e ele tinha essa característica.

Ele também influenciou o que eu faço no piano, fazendo com que eu me colocasse em um segundo estado, um estado espiritual, antes de tocar. Existem tantas gravações dele que eu valorizo, pois Kempff se destaca em Beethoven , Brahms, Schumann, Schubert e Bach. Mas, em particular, gostaria de nomear o Kl avierstücke de Brahms, as sonatas do meio de Beethoven e os Concertos Nos 2 & 4, as transcrições de Bach e o Schubert Klavierstücke. ”

Alfred Brendel (nascido em 1931)

Escolhido por Paul Lewis, Steven Osborne, Imogen Cooper e Till Fellner.

Quem é ele? Um pianista e professor austríaco que agora vive em Londres, que gravou quatro conjuntos completos das sonatas de Beethoven.

O que o torna excelente? Cumprimento rigoroso da partitura, sem nunca soar seco ou acadêmico, e um talento especial para encontrar momentos inesperados de humor, especialmente
no repertório clássico.

Paul Lewis Sobre estudar com Brendel

“Tive aulas com Alfred Brendel nos anos 1990 e ele foi uma grande inspiração. Ele falava sobre música e eu pensava:” Sim, isso realmente faz sentido “. E então ele se sentava e demonstrava coisas, e foi quando a lâmpada realmente apagou. A primeira vez que o conheci foi quando eu tinha 20 anos na Guildhall School of Music. Lembro-me de me sentir muito nervoso e intimidado. Ao ver a silhueta dos óculos e o cabelo vindo do corredor, lembro-me de ter pensado: ‘Meu Deus, é ele!’ Toquei uma sonata de Haydn para ele e ficou claro desde o início que ele estava interessado apenas na música . Isso é tudo que importa. Você pode se sentir preocupado com você mesmo, mas isso não é o importante, porque ele não está nem um pouco preocupado com nada além do que você está jogando. Isso combinou com a impressão que eu tive dele antes de conhecê-lo, de seus shows e gravações – a de um músico incrivelmente sério. Foi uma grande inspiração e privilégio trabalhar com ele ao longo desses anos. ”

Glenn Gould (1932-1982)

Escolhido por Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say e Jean-Efflam Bavouzet.

Quem era ele?Um pianista canadense altamente excêntrico que, após uma carreira de concerto estelar, evitou o palco aos 31 anos para se concentrar em gravações e projetos experimentais.

O que o torna ótimo? Uma capacidade prodigiosa de esculpir as múltiplas linhas de música polifônica, como a de Bach, com clareza insuperável. E uma aparente incapacidade de erro técnico.

Pascal Rogé sobre Gould, o recriador

“Ouvi Gould tocar pela primeira vez um tanto tarde, desde na minha juventude, no Conservatório de Paris, ele era completamente desconhecido. Nenhum dos meus colegas ou professores jamais mencionou o seu nome – até que em 1966 conheci Bruno Monsaingeon, que revelou Gould para mim e para o público francês através de seus documentários maravilhosos. É difícil dizer o que torna o jogo de Gould tão especial, já que tudo em seu jogo é especial. Pode-se citar o toque, o fraseado, a articulação … Mas o mais importante é a concepção, a arquitetura, a abordagem pessoal e “criativa” de cada peça que ele toca . Ele é um criador, muito mais do que um intérprete: cada vez que você ouve uma peça tocada por Gould, você a descobre pela primeira vez. Sempre me refiro à sua fala: ‘Se você não está convencido, pode tocar uma peça em uma forma completamente nova e única, não a jogue. ‘É uma afirmação extrema, mas tão cheio de verdade! Um caso em questão são suas duas gravações das Variações Goldberg, um exemplo da genialidade de Gould em ser capaz de “recriar” a si mesmo. Ambos são obras-primas e seu legado para todos os músicos do mundo. Sempre fico impressionado quando pianistas ousam tocar (ou mesmo tocar) esta peça depois de Gould. Eles são totalmente inconscientes ou totalmente pretensiosos?

Em Bach, ele é completamente incomparável. Na verdade, não consigo ouvir, aceitar ou conceber qualquer outra interpretação de Bach que não a dele. Eu gostaria de dizer que ele tem sido uma influência sobre mim, mas ninguém é perturbado o suficiente para tentar imitar o jeito de tocar de Gould! Mesmo assim, lembro-me de quando gravei para a TV francesa o Primeiro livro completo do Cravo Bem Temperado de Bach. Foi um projeto concebido para ele por Monsaingeon, mas Gould morreu antes que ele pudesse filmá-lo … E fui eu quem escolheu para ‘substituí-lo’. Você pode imaginar a pressão?

Acho que o legado de Gould para qualquer artista é ‘a liberdade de criação’ em relação a qualquer compositor, mas ao mesmo tempo respeitando a lógica da música e o espírito do compositor – uma equação muito desafiadora! ”

Quem era ele? Pianista francesa e professora do Conservatório de Paris. Ele foi chamado de “poeta do piano” por seu domínio das obras líricas de Chopin, Schumann e Debussy, produzindo gravações marcantes e edições meticulosas de sua música.

O que o torna grande? estilo pessoal e subjetivo que favorece a intuição e o sentimento sobre a técnica precisa, resultando em performances de musicalidade exuberante e transcendente.

Stephen Hough na individualidade de Cortot

“Cortot às vezes é lembrado como o pianista que tocou muitas notas erradas. Isso é injusto – não apenas porque ele tinha uma técnica deslumbrante com os dedos, mas porque ele nunca permitiu que a busca pela precisão o distraísse do quadro geral. Seus erros às vezes podem ser ouvidos até nas primeiras notas das peças, mas acho esses momentos falíveis cativantes: o pianista é consumido pela inspiração espiritual e alheio aos riscos físicos envolvidos. Cortot foi um grande virtuoso, consciente do poder de excitar e emocionar que a música romântica para piano tem, mas você nunca se sente manipulado em sua companhia musical. Você sente que mesmo as escolhas interpretativas mais extravagantes dele vêm de completa honestidade interior; ele não está sentado sob um holofote forçando você a olhar para ele, mas segurando uma tocha, conduzindo você para a iluminação.

Nunca me canso de ouvir suas gravações, especialmente as de Chopin e Schumann dos anos 1920 e anos 30. Sua combinação de total liberdade interpretativa (às vezes com um toque de excentricidade) e uma visão penetrante dos desejos do compositor é única, na minha opinião. Há artistas que encantam os ouvintes com sua individualidade selvagem e ousada, e há outros que descobrem a partitura escrita para nós com visão e reverência – mas poucos são os que podem fazer as duas coisas. Cortot tinha uma visão que ia além do acadêmico ou teatral para um horizonte mais amplo de criatividade, de onde os próprios compositores poderiam muito bem ter se inspirado. ”

Alfred Cortot também foi escolhido por Alfred Brendel, Benjamin Grosvenor e Stanislav Ioudenitch.

Emil Gilels (1916-1985)

Quem era ele? Um pianista nascido em Odessa que se mudou para Moscou em 1935, tornando-se, junto com Richter, o principal pianista soviético de sua época. Ele e o violinista David Oistrakh estiveram entre os primeiros músicos soviéticos autorizados a fazer concertos no Ocidente.

O que o torna grande?Seu som “dourado” – uma capacidade de executar as passagens mais exigentes sem comprometer seu tom polido ou profundidade de sentimento.

Cédric Tiberghie Na grandeza de Gilels

“Gilels tem uma mistura de qualidade de tom fantástica e uma capacidade de fazer tudo parecer simples quando você o ouve. Mesmo quando ele toca um prelúdio de Bach simples, ou o Prelúdio de Bach-Siloti em Si menor, você acha que é simples de tocar, mas então compra a música e fica tipo, ‘Meu Deus, isso é impossível!’

Ouvi Gilels pela primeira vez quando tinha oito ou nove anos – sua gravação do Segundo Concerto de Brahms com a Filarmônica de Berlim. Eu não sabia que era Gilels – ou mesmo um concerto de Brahms – apenas uma da enorme coleção de fitas cassete do meu pai. Mas era minha música favorita, e ainda hoje acho que é uma das gravações mais bonitas já feitas de um concerto para piano. A qualidade do tom e da linha, a inspiração e a beleza do som – tudo é tão perfeito. Na verdade, é bastante intimidante quando você tem que tocar o concerto sozinho. Ele toca o primeiro movimento muito devagar, e você pensa, OK, vou fazer o mesmo – o que é um grande erro porque ele é Gilels e você não. Você precisa daquele som dourado que Gilels possuía – mais do que qualquer pessoa na história – assim como uma ideia clara da estrutura e direção; e para isso você precisa de uma vida inteira de experiência. Além disso, se eu comparar minha mão com a dele, a dele provavelmente era duas vezes mais pesada que a minha. É como Oistrakh no violino, há aquela questão da carne, matéria pura criando o som. Se você tiver mãos extremamente finas, a qualidade do timbre provavelmente será mais clara do que a de Gilels.

Portanto, não tento imitar um artista como ele, mas tento manter em minha cabeça a grandeza de o que ele faz. É algo que sempre tento encontrar, não artificialmente, mas talvez apenas sentir. Então, ele é um modelo para mim nesse aspecto. ”

Emil Gilels também foi escolhido por Alice Sara Ott, Olli Mustonen, Lars Vogt.

Arthur Rubinstein (1887-1982)

Quem era ele? Um pianista polonês que deixou a Europa após a Primeira Guerra Mundial, estabelecendo-se nos Estados Unidos.

O que o torna grande? Suas interpretações da música de Chopin, às quais ele trouxe um tom brilhante e uma variedade infinita de fraseado.

Roger Woodward sobre como compartilhar o legado de Rubinstein

“Quando eu estava estudando na Academia Nacional de Chopin em Varsóvia, nossa classe às vezes encontrava os ilustres amigos do professor Drzewiecki, um dos quais era Arthur Rubinstein. Ele tocou para nós e alguns alunos tiveram o privilégio de tocar para ele. Todos na classe conhecia suas gravações, pois eram as interpretações clássicas de Chopin que Drzewiecki nos ensinou. Graça, equilíbrio e pesquisa meticulosa eram as marcas de sua arte, que mostrava maestria, mas também enorme modéstia e, ao contrário do que algumas “autoridades” tinha que dizer, uma técnica perfeita.

Os críticos de Rubinstein, e eram muitos, tendiam a esquecer o quão minucioso ele era na pesquisa do repertório que tocava. Onde outros posavam e apenas fingiam que haviam pesquisado o assunto, Rubinstein performances cheiravam a int egrity.

As primeiras das três gravações completas de Rubinstein em Mazurka foram um ponto alto para nós em nosso estudo de Chopin, embora para mim tenham sido suas performances nos Nocturnes que forneceram a chave para todos os outros Chopin. Eu continuo eternamente grato a Rubinstein por suas gravações e pelo que ele tinha a dizer sobre elas.

Rubinstein não foi abençoado com o virtuosismo absoluto de Rachmaninov ou Horowitz, mas desenvolveu um domínio de legato cantabile e tempo rubato second para nenhum. Isso é evidente em performances “ao vivo” milagrosas antes da guerra, como sua gravação histórica dos concertos para piano de Chopin com Sir John Barbirolli, embora suas performances do mesmo tipo com Witold Rowicki tenham sido ainda mais bonitas – completamente inesquecíveis.

Nunca esquecerei sua bondade e generosidade para com nossa classe, e seu charme, modéstia e pesquisa escrupulosa. Embora eu continue sendo um estudante por toda a minha vida e continue a ouvir suas muitas gravações maravilhosas, me considero afortunado por compartilhar experiências tão ricas com meus próprios alunos. ”

Arthur Rubinstein também foi escolhido por Simon Trpceski, Jayson Gillham e Margaret Fingerhut.

Sviatoslav Richter (1915-1997)

Quem era ele? Um pianista russo de ascendência alemã que se tornou o músico preeminente da URSS.

O que o torna excelente? Técnica sólida como uma rocha combinada com uma variedade surpreendente de sons.

Barry Douglas Sobre a intensidade de Richter

“Eu ouvi Richter tocar muitas vezes na Inglaterra, França e América e o que eu amava nele era que ele era capaz de fazer o piano não soar como um piano – soava como uma orquestra ou às vezes como um coro.Além disso, qualquer coisa que ele fizesse no instrumento sempre parecia totalmente certo. Não pareciam com suas ideias; parecia a única maneira de fazer isso. Todo artista deve ter como objetivo, se for sério, remover-se da equação e ir ao coração ou à essência da música. Poucos artistas podem fazer isso, mas para Richter era totalmente natural.

Ele também era um músico muito sério: depois dos shows, ele frequentemente decidia que precisava praticar, e voltava para casa e ensaiava para outro duas horas. Ele também insistiu que cada programa de recital contivesse pelo menos uma nova peça. Portanto, seu repertório era vasto. Eu não acho que suas gravações de estúdio foram tão bem-sucedidas: elas realmente não o representavam. São as gravações ao vivo que são incríveis. Todo mundo fala sobre o recital de Sofia de 1958, onde ele interpreta Feux Follets de Liszt e Quadros de Mussorgsky em uma Exposição. Ainda assim, suas gravações das sonatas de Beethoven também são inigualáveis, sem mencionar o repertório russo – as pequenas peças de Tchaikovsky – e Prokofiev, que escreveu sua Sétima Sonata para ele.

Quando eu era no Concurso Tchaikovsky em 1984 ele me mandou mensagens através de outras pessoas dizendo como ele me achava fantástico, o que foi muito fofo. Eu gostaria de ter tido a chance de conhecê-lo melhor.

Sempre vou admirar Richter. Um artista performático não deve copiar, mas você pode se inspirar na essência do que alguém representou, e é isso que eu faço com ele. Eu sei muito bem dentro de mim que estou tentando entender o que Richter tinha, que é uma incrível, ardente e ardente intensidade de paixão pela música – foi isso que apareceu quando ele tocou. Ele era absolutamente obcecado e possuído pela música. ”

Sviatoslav Richter também foi escolhido por Howard Shelley, Anna Goldsworthy e Piotr Anderszewski.

Vladimir Horowitz (1903-1989)

Quem era ele? Um pianista russo que partiu para o Ocidente aos 21 anos, onde foi descrito como um “tornado desencadeado das estepes”. Mais famoso por suas performances de repertório de piano romântico e, surpreendentemente, Scarlatti, ele voltou à Rússia para um triunfante recital de despedida em 1986.

O que o torna grande? Virtuosismo espumante e uso extraordinário de cores de tons, combinados com um talento para emocionar seu público, criando um furor em seus recitais ao vivo.

Ingolf Wunder Sobre os dons divinos de Horowitz

“Horowitz combinou o pianismo de alta classe com um gosto único em música e interpretação. O que o tornou único foi sua habilidade de esculpir seus sentimentos e humores a partir das estruturas e do material harmônico da partitura. Acho que ouvi Horowitz pela primeira vez quando tinha 14 anos. Fiquei simplesmente surpreso com seu tom e a variedade de cores que ele podia produzir. E ele sempre tocou como sua mão foi construída, nunca traindo seu gosto e sua visão da música. Ele sempre foi ele mesmo, e tudo o que tocou tornou-se seu. Seu toque nunca é medíocre, ou funciona ou não. Mas se funcionar, é simplesmente divino – incomparável com qualquer coisa que você já ouviu.

De certa forma, Horowitz é o produto de uma época que produziu tantos pianistas excelentes. Acredito que a maneira de pensar e nossa vida mudou desde então. Agora os músicos podem entrar na Internet e ouvir quase todas as gravações de qualquer peça; naquela época, eles foram forçados a pensar por si próprios. As pequenas coisas receberam maior importância porque não era possível ir a qualquer lugar instantaneamente. Não era necessariamente sobre quem pode tocar o mais rápido ou qualquer outro aspecto competitivo, era mais sobre a música. Ainda existem alguns músicos que são como Horowitz e aqueles antigos grandes, e essa é a escola para a qual devemos voltar. ”

Vladimir Horowitz também foi escolhido por Freddy Kempf, Gerard Willems, Konstantin Scherbakov.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Quem era ele? Pianista e compositor nascido na Rússia, que se formou no Conservatório de Moscou na mesma turma do compositor Alexander Scriabin. Entre suas composições está o Concerto para Piano nº 2, muitas vezes eleito a peça de música clássica mais popular de todos os tempos. Ele deixou a Rússia em 1917, embarcando na carreira de pianista em turnê para se sustentar e a sua família. Ele se tornou um cidadão americano pouco antes de morrer.

O que o torna excelente? Uma técnica de dedo quase sobre-humana limpa, que lhe permitiu manter a clareza mesmo nas
passagens mais complicadas. Isso se deveu em parte às suas famosas mãos grandes, capazes de medir 30 centímetros, ou 13 (C1 a A2) no piano. Ele também tinha um belo tom de canto, comparado ao do violinista Fritz Kreisler, permitindo-lhe extrair infinita doçura de uma melodia.

Leslie Howard é o maior pianista a fazer um disco

“O que é notável sobre a forma de tocar de Rachmaninov é como ela é honesta.Nada se interpõe entre sua forma de tocar e sua ideia de por que valia a pena gravar a peça musical. Seu toque nunca é confuso, nunca é exigente e há uma completa ausência de truques baratos – bastante incomum para a época em que ele estava gravando. Acho que ele é o maior pianista de sua idade e tenho certeza de que é o melhor pianista que já gravou um disco.

Claro, sua técnica é extraordinária, mas o dom de toda boa técnica é você ‘ não está ciente disso quando você está ouvindo. Se você o ouvir tocar Si oiseau j’étais de Henselt, por exemplo, parece a peça de salão mais charmosa. Mas se você já se sentou para tocá-lo, saberá perfeitamente que é um terror absoluto.

Rachmaninov também tem uma maneira de lidar com o ritmo que o torna instantaneamente reconhecível. Às vezes ele o faz tocando um ritmo que não é exatamente o que está na partitura, mas sai soando como deveria estar na partitura. Veja sua gravação com Fritz Kreisler da Opus 30 No 3 Sonata of Beethoven, por exemplo. Você ouve cada nota e cada nota é tão importante quanto todas as outras, que é como Beethoven deve ser tocado, mas raramente é.

Sendo um compositor, Rachmaninov também possuía uma mente musical formidável. Ele dissecou cada peça antes de colocar as mãos no teclado. E ele podia fazer isso porque suas habilidades composicionais eram muito refinadas.

Às vezes acho que quando ele toca sua própria música, ele é menos cuidadoso – quase como se ele não achasse que deveria haver tanto alarido sobre dele. Mas quando você ouve o quão nada relaxado, no sentido emocional, é a maneira como ele toca sua própria música, isso desencoraja os pianistas de se afundar nisso, como muitos deles fazem. Então, se você quiser tocar romântico, ele pode fazer isso também, e novamente penso em uma das gravações com Kreisler da Grieg Sonata nº 3. O segundo movimento é dolorosamente maravilhoso e a maneira como ele toca a melodia é completamente diferente da maneira como Kreisler toca. Faz com que a peça pareça mais agitada do que realmente é – é uma gravação incrível!

Há uma razão pela qual Rachmaninov não gravou mais, e isso é por causa das relações tensas que ele tinha com as pessoas em a Victor Talking Machine Company, que achava que ele estava ganhando muito dinheiro com suas gravações e que recusou muitas das coisas que ofereceu para gravar. Por exemplo, ele daria uma gravação gratuita do Primeiro Concerto para Piano de Beethoven, contanto que o deixassem gravar suas Danças Sinfônicas orquestrais, e recusaram a oferta.

A razão pela qual a gravação que fazemos O fato de ele tocar seu Terceiro Concerto é, para muitos ouvidos, um pouco inadequado porque ele teve que voltar e gravar o primeiro lado novamente quatro meses depois. Ele fez cortes no último momento porque o produtor Charles Connell o magoou, dizendo que ele não sabia tocar piano e também não sabia compor. Em suma, ele tornou tudo profundamente desagradável para Rachmaninov. Portanto, temos de agradecer a este Sr. Connell por não ter a Sonata Liszt, a Sonata Hammerklavier, a Sonata Waldstein e a Sonata Chopin B menor. Das gravações que temos, é muito difícil escolher uma favorita, mas eu absolutamente amo sua gravação do Carnaval de Schumann. Acho que é tocar piano perfeito do início ao fim. ”

Sergei Rachmaninov também foi escolhido por Stephen Kovacevich, Denis Matsuev e Alexey Yemtsov.

Por que existem tantos grandes pianistas russos?

Desde o século 19, houve uma educação musical infantil muito sistemática na Rússia, que começou com a fundação do Conservatório Imperial de Moscou. Rachmaninov veio estudar lá aos 14 anos. Ele morava na casa de Nikolai Zverev, que havia criado um internato para jovens estudantes, que deveriam praticar seis horas por dia, além do estudo escolar. .

Essa escola se transformou na Escola Central de Música na era soviética e o sistema se expandiu por todo o país. Hoje, na Rússia, há uma educação musical séria para crianças, começando quando são grandes o suficiente para alcançar as teclas. Vladimir Ashkenazy, Grigory Sokolov e Mikhail Pletnev são produtos dessa escola soviética bastante rígida.

Então, as crianças estudam por sete ou oito anos em uma escola especial de música e, aos 15, vão para a faculdade de música por três anos. E isso tudo antes de se matricularem no Conservatório.

Então, se uma criança for talentosa, aos 16 anos ela pode tocar basicamente de tudo. Isso significa que quando os alunos russos vêm para o Conservatório, eles já são pianistas profissionais. Eles quase não têm limites técnicos para superar e podem apenas se concentrar em se tornar um artista. Portanto, não é apenas ter aulas de piano com um professor – é uma educação musical sistemática e totalmente gratuita. Os gênios nascem em todos os lugares, mas apenas na Rússia são criados dessa maneira.

Elena Kuznetsova
Reitora de Piano, Conservatório de Moscou