Co czyni go wspaniałym? Zaangażowanie w zgłębianie intelektualnej i duchowej głębi dzieła przy jednoczesnym wystrzeganiu się technicznych brawurów.

Jonathan Biss O żywym brzmieniu Schnabela

„Gdybym zapytał, którego pianistę kocham najbardziej, nigdy nie byłbym w stanie odpowiedzieć –– zbyt wiele możliwości! Ale jeśli chodzi o to, kto mnie zainspirował, to proste: Artur Schnabel. Mój pierwszy kontakt z jego nagrania sonat Beethovena pojawiły się, gdy byłem nastolatkiem i szybko doprowadziły do obsesji na punkcie tych utworów, które, jak spodziewam się, będą trwać przez resztę mojego życia. Nie mogłem zrozumieć, jak mógł przekazać tak wiele znaczeń – nawet duchowości – między dwojgiem nuty, czyli jak udało mu się wydobyć z tego instrumentu kluczy i młotków dźwięk, który był tak prężny, odporny na grawitację, żywy. Te dwa cele – wydać dźwięk, który żyje i znaleźć muzykę nie tylko w nutach, ale wokół nich – nadal są dla mnie najważniejsze, prawie dwie dekady później.

Kiedy poszedłem na studia do Leona Fleishera, Byłem wzruszony, gdy z takim samym podziwem mówił o Schnabelu, swoim własnym nauczycielu. Własne pomysły Fleishera na temat muzyki są fascynujące i jest niezrównanie elokwentny w ich wyrażaniu, ale często po prostu opowiadał nam to, co Schnabel powiedział mu o tym czy tamtym utworze, tonem głosu, który sugerował, że nie ma lepszego autorytet. Lubię myśleć, że mogłem się czegoś nauczyć dzięki tej linii i każdego dnia staram się wnieść do mojej muzyki coś z oddania, zrozumienia, a przede wszystkim miłości, która emanuje z każdej nuty, którą zagrał mężczyzna.

Wilhelm Kempff (1895-1991)

Wybrany przez Cypriena Latsarisa, Michaela Endresa, Davida Fraya i Eldara Nebolsina.

Kim on był? Niemiecki pianista, który skupił się na mistrzostwach niemieckiej muzyki i grał koncerty jeszcze do osiemdziesiątki.

Co czyni go wspaniałym? Rytmiczna inwencja i talent do wydobywania liryzmu, uroku i spontaniczności w muzyce, zwłaszcza w intymnych utworach lub pasażach.

Cyprien Latsaris na koncercie Kempffa

„Po raz pierwszy usłyszałem Kempffa na żywo w Paryżu, kiedy miałem około 13 lat, a potem kupiłem kilka jego nagrań Beethovena i Brahmsa. Nie miał on najlepszej techniki pianistycznej, ale był bardzo wyjątkowy. Stworzył kilka wzniosłych, boskich muzycznych momentów, które przeniosły nas w stronę nieba. Jestem pewien, że dziś odniósłby taki sam sukces na koncercie, ponieważ najważniejszym czynnikiem dla muzyka jest posiadanie wyjątkowej osobowości, a on miał tę cechę.

Miał również wpływ na to, co robię przy fortepianie, doprowadzając mnie do wejścia w drugi stan, stan duchowy, zanim zacząłem grać. Jest tak wiele jego nagrań, które cenię, ponieważ Kempff przoduje w Beethovenie , Brahmsa, Schumanna, Schuberta i Bacha, ale w szczególności nazwałbym Kl avierstücke Brahmsa, średnie sonaty Beethovena i koncerty nr 2 & 4, transkrypcje Bacha i Schuberta Klavierstücke. ”

Alfred Brendel (ur. 1931)

Wybrany przez Paula Lewisa, Stevena Osborne’a, Imogen Cooper i Till Fellner.

Kim on jest? Austriacki pianista i pedagog mieszkający obecnie w Londynie, który nagrał cztery kompletne zestawy sonat Beethovena.

Co czyni go wspaniałym? Rygorystyczne trzymanie się partytury bez wydawania się suchym lub akademickim oraz talent do znajdowania nieoczekiwanych momentów humoru, szczególnie
w repertuarze klasycznym.

Paul Lewis O nauce u Brendela

„Miałem lekcje z Alfredem Brendelem w latach 90. i był on wielką inspiracją. Mówił o muzyce, a ja myślałem:” Tak, to naprawdę ma sens „. A potem siadał i demonstrował różne rzeczy i wtedy naprawdę zapalała się żarówka. Po raz pierwszy spotkałem go, gdy miałem 20 lat w Guildhall School of Music. Pamiętam, że byłem bardzo zdenerwowany i onieśmielony. Widząc sylwetkę okularów i włosy przechodzące przez korytarz, przypominam sobie, że pomyślałem: „ O mój Boże, to on! ” Zagrałem dla niego sonatę Haydna i od samego początku było jasne, że interesuje go tylko muzyka. . Tylko to się liczy. Możesz martwić się o siebie, ale to nie jest ważne, ponieważ on nie martwi się ani trochę, poza tym, co grasz. To zgadzało się z wrażeniem, jakie miałem o nim, zanim go poznałem, z jego koncertów i nagrań – że był to niesamowicie poważny muzyk. Praca z nim przez te lata była wielką inspiracją i przywilejem. ”

Glenn Gould (1932-1982)

Wybrany autorzy: Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say i Jean-Efflam Bavouzet.

Kim on był?Bardzo ekscentryczny kanadyjski pianista, który w wieku 31 lat po znakomitej karierze koncertowej porzucił scenę, aby skupić się na nagraniach i eksperymentalnych projektach.

Co czyni go wspaniałym? Niesamowita umiejętność rzeźbienia wielu linii muzyki polifonicznej, takiej jak muzyka Bacha, z niezrównaną klarownością. I pozorna niezdolność do popełnienia błędu technicznego.

Pascal Rogé na Gould the odtwarzacza

„Po raz pierwszy usłyszałem, że Gould grał dość późno, ponieważ w młodości w Konserwatorium Paryskim był zupełnie nieznany. Żaden z moich kolegów ani nauczycieli nie wymienił jego nazwiska – aż do 1966 roku, kiedy poznałem Bruno Monsaingeona, który poprzez swoje wspaniałe filmy dokumentalne ujawnił mi i francuskiej publiczności Goulda. Trudno powiedzieć co sprawia, że gra Goulda jest tak wyjątkowa, ponieważ wszystko w jego grze jest wyjątkowe. Można wspomnieć o dotyku, frazowaniu, artykulacji… Ale najważniejsza jest koncepcja, architektura, osobiste i „twórcze” podejście do każdego utworu, który gra Jest twórcą, znacznie więcej niż tłumaczem: za każdym razem, gdy słyszysz utwór grany przez Goulda, odkrywasz go po raz pierwszy. Zawsze odwołuję się do jego wersetu: „Jeśli nie jesteś przekonany, że możesz zagrać utwór w zupełnie nowy i wyjątkowy sposób, nie graj w to. ”To skrajna afirmacja, ale tak pełne prawdy! Przykładem są jego dwa nagrania Wariacji Goldbergowskich, przykład geniuszu Goulda, który potrafił nawet „odtworzyć” samego siebie. Oba są arcydziełami i jego spuścizną dla wszystkich muzyków na całym świecie. Zawsze jestem pod wrażeniem, kiedy pianiści ośmielają się grać (a nawet dotykać) tego utworu po Gouldie. Czy są całkowicie nieprzytomni, czy całkowicie pretensjonalni?

W Bach jest zupełnie niezrównany. W rzeczywistości nie jestem w stanie usłyszeć, zaakceptować ani wyobrazić sobie innej interpretacji Bacha niż jego. Chciałabym powiedzieć, że wywarł na mnie wpływ, ale nikt nie jest na tyle obłąkany, by spróbować naśladować grę Goulda! Mimo to pamiętam, kiedy nagrałem dla francuskiej telewizji całą książkę First Book of Bach’s Well-Tempered Clavier. To był projekt wymyślony dla niego przez Monsaingeon, ale Gould zmarł, zanim zdążył go sfilmować… I to ja zostałem wybrany, aby go „zastąpić”. Czy potrafisz sobie wyobrazić presję?

Myślę, że spuścizną Goulda dla każdego artysty jest „ wolność tworzenia ” wobec każdego kompozytora, ale jednocześnie poszanowanie logiki muzyki i ducha kompozytora – bardzo trudne równanie! ”

Kim on był? Francuski pianista i profesor Conservatoire de Paris. Nazywano go „poetą fortepianu” za mistrzostwo w lirycznych dziełach Chopina, Schumanna i Debussy’ego, dokonując przełomowych nagrań i drobiazgowych wydań ich muzyki.

Co czyni go wielkim? osobisty, subiektywny styl, który faworyzuje intuicję i wyczucie nad precyzyjną techniką, co skutkuje bujną, transcendentną muzykalnością.

Stephen Hough O indywidualności Cortota

„Cortot jest czasami wspominany jako pianista, który zagrał wiele niewłaściwych dźwięków. To niesprawiedliwe – nie tylko dlatego, że miał olśniewającą technikę palcami, ale dlatego, że nigdy nie pozwolił, by dążenie do dokładności odwróciło jego uwagę od szerszego obrazu. Jego pomyłki można czasem usłyszeć nawet w pierwszych nutach utworów, ale te omylne momenty są dla mnie ujmujące: pianista jest pochłonięty duchową inspiracją i nie jest świadomy związanego z tym fizycznego ryzyka. Cortot był wielkim wirtuozem, świadomym siły podniecenia i dreszczyku emocji, jaką ma romantyczna muzyka fortepianowa, ale w jego muzycznym towarzystwie nigdy nie czujesz się manipulowany. Czujesz, że nawet jego najbardziej ekstrawaganckie wybory interpretacyjne pochodzą z całkowitej wewnętrznej szczerości; on nie siedzi w świetle reflektorów, zmuszając cię do patrzenia na niego, ale raczej trzyma pochodnię, prowadzącą do oświecenia.

Nieustannie słucham jego nagrań, zwłaszcza Chopina i Schumanna z lat dwudziestych XX wieku. i lata 30. Jego połączenie całkowitej swobody interpretacyjnej (czasem z nutą ekscentryczności) i wnikliwego wglądu w życzenia kompozytora jest moim zdaniem wyjątkowe. Są artyści, którzy zachwycają słuchaczy swoją dziką i odważną indywidualnością, są inni, którzy odkrywają dla nas napisaną partyturę z wnikliwością i szacunkiem – ale jest niewielu, którzy potrafią zrobić jedno i drugie. Cortot miał wizję, która wykraczała poza akademickie czy teatralne i sięgała szerszego horyzontu twórczości, skąd sami kompozytorzy mogli czerpać inspirację. ”

Alfred Cortot został również wybrany przez Alfreda Brendela, Benjamina Grosvenora i Stanislava Ioudenitcha.

Emil Gilels (1916-1985)

Kim on był? Urodzony w Odessie pianista, który przeniósł się do Moskwy w 1935 roku, stając się wraz z Richterem czołowym sowieckim pianistą swoich czasów. On i skrzypek David Ojstrach byli jednymi z pierwszych radzieckich muzyków, którym pozwolono koncertować na Zachodzie.

Co czyni go wielkim?Jego „złoty” dźwięk – umiejętność wykonywania najbardziej obciążających fragmentów bez uszczerbku dla jego wypolerowanego tonu lub głębi uczucia.

Cédric Tiberghie O wielkości Gilelsa

„Gilels ma tę mieszankę fantastycznej jakości brzmienia i umiejętności sprawiania, że wszystko wydaje się proste, kiedy go słuchasz. Nawet kiedy gra proste preludium Bacha lub Bacha-Siloti Preludium h-moll, myślisz, że łatwo jest zagrać, ale potem kupujesz muzykę i myślisz: „O mój Boże, to niemożliwe!”

Po raz pierwszy usłyszałem Gilelsa, gdy miałem osiem lub dziewięć lat – jego nagranie drugiego koncertu Brahmsa z Berlińską Filharmonią. Nie zdawałem sobie sprawy, że to Gilels – a nawet koncert Brahmsa – tylko jedna z ogromnej kolekcji kaset mojego taty. Ale to była moja ulubiona muzyka i nadal myślę, że jest to jedno z najpiękniejszych nagrań koncertu fortepianowego, jakie kiedykolwiek powstały. Jakość brzmienia i linii, inspiracja i piękno dźwięku – wszystko jest idealne. Właściwie to dość onieśmielające, kiedy trzeba samemu zagrać koncert. On gra pierwszą część tak wolno, a ty myślisz: OK, zrobię to samo – co jest dużym błędem, ponieważ on jest Gilelsem, a ty nie. Potrzebujesz tego złotego dźwięku, który posiadał Gilels – bardziej niż ktokolwiek w historii – a także jasnej koncepcji struktury i kierunku; a do tego potrzebujesz doświadczenia na całe życie. Poza tym, jeśli porównuję moją rękę z jego, jego była prawdopodobnie dwa razy cięższa od mojej. To jest jak Ojstrach na skrzypcach, jest kwestia ciała, czystej materii tworzącej dźwięk. Jeśli masz wyjątkowo cienkie dłonie, jakość tonu prawdopodobnie będzie wyraźniejsza niż w przypadku Gilelsa.

Więc nie próbuję naśladować takiego artysty, jak on, ale staram się zachować w głowie wspaniałość co on robi. To jest coś, co zawsze staram się znaleźć, nie sztucznie, ale może tylko po to, by poczuć. Więc jest dla mnie wzorem pod tym względem. ”

Emila Gilelsa wybrali również Alice Sarę Ott, Olli Mustonen, Lars Vogt.

Arthur Rubinstein (1887-1982)

Kim on był? Polski pianista, który po I wojnie światowej opuścił Europę i osiedlił się w USA.

Co czyni go wielkim? Jego interpretacje muzyki Chopina, do których wniósł świecący ton i nieskończoną różnorodność fraz.

Roger Woodward o dzieleniu się spuścizną Rubinsteina

„Kiedy studiowałem w Akademii Narodowej im. Fryderyka Chopina w Warszawie, nasza klasa czasami spotykała wybitnych przyjaciół Profesora Drzewieckiego, z których jednym był Artur Rubinstein. Grał dla nas i niektórzy studenci mieli zaszczyt grać u niego. Wszyscy na zajęciach znał jego nagrania, bo były to klasyczne interpretacje Chopina, których nauczył nas Drzewiecki. Wdzięk, opanowanie i wnikliwe poszukiwania były cechami jego sztuki, która wykazywała mistrzostwo, ale też ogromną skromność i wbrew temu, co niektórzy „autorytety” musiał powiedzieć, bezbłędna technika.

Krytycy Rubinsteina, a było ich wielu, często zapominali, jak dokładnie badał repertuar, który grał. Podczas gdy inni pozowali i tylko udawali, że zbadali ich temat, Rubinstein występy pachniały int egrity.

Najwcześniejsze z trzech kompletnych nagrań Mazurka Rubinsteina dostarczyło nam szczytowego punktu w naszych studiach nad Chopinem, chociaż dla mnie to właśnie jego wykonania Nokturnów były kluczem dla wszystkich innych Chopinów. Jestem wiecznie wdzięczny Rubinsteinowi za jego nagrania i za to, co o nich powiedział.

Rubinstein nie był obdarzony czystą wirtuozerią Rachmaninowa czy Horowitza, ale rozwinął mistrzostwo legato cantabile i tempa rubato second do żadnego. Widać to w tak cudownych przedwojennych wykonaniach „na żywo”, jak jego historyczne nagranie Koncertów fortepianowych Chopina z sir Johnem Barbirollim, chociaż jego wykonanie tego samego z Witoldem Rowickim było jeszcze piękniejsze – zupełnie niezapomniane.

Nigdy nie zapomnę jego dobroci i hojności dla naszej klasy, jego uroku, skromności i skrupulatnych badań. Chociaż przez całe życie jestem studentem i nadal słucham jego wielu wspaniałych nagrań, uważam, że mam szczęście dzielić się tak bogatymi doświadczeniami z moimi własnymi uczniami. ”

Arthur Rubinstein został również wybrany przez Simona Trpceskiego, Jaysona Gillhama i Margaret Fingerhut.

Sviatoslav Richter (1915-1997)

Kim on był? Rosyjski pianista niemieckiego pochodzenia, który stał się wybitnym muzykiem ZSRR.

Co czyni go wielkim? Solidna technika połączona z zadziwiającą różnorodnością brzmień.

Barry Douglas O intensywności Richtera

„Słyszałem, jak Richter gra wiele razy w Anglii, Francji i Ameryce uwielbiałem w nim to, że potrafił sprawić, by fortepian brzmiał nie jak fortepian – brzmiał jak orkiestra, a czasem jak chór.Poza tym wszystko, co robił przy instrumencie, zawsze wydawało się całkowicie słuszne. To nie wyglądało na jego pomysły; wydawało się, że to jedyny sposób, aby to zrobić. Każdy artysta, jeśli jest poważny, powinien dążyć do usunięcia się z równania i skierowania do serca, czyli istoty muzyki. Niewielu artystów może to zrobić, ale dla Richtera było to całkowicie naturalne.

Był też bardzo poważnym muzykiem: po koncertach często decydował, że musi ćwiczyć i wracał do domu i ćwiczył dla innego dwie godziny. Podkreślił również, że każdy program recitalowy zawiera przynajmniej jeden nowy utwór. Więc jego repertuar był szeroki. Nie sądzę, żeby jego nagrania studyjne odniosły taki sukces: tak naprawdę go nie reprezentowały. To nagrania na żywo są niesamowite. Wszyscy mówią o recitalu w Sofii z 1958 roku, na którym na wystawie gra Feux Follets Liszta i Pictures Musorgskiego. Jednak jego nagrania sonat Beethovena również nie mają sobie równych, nie wspominając o repertuarze rosyjskim – małych utworach Czajkowskiego – i Prokofiewie, który napisał dla niego Siódmą Sonatę.

Kiedy byłem na Konkursie im. Piotra Czajkowskiego w 1984 roku wysłał do mnie wiadomości za pośrednictwem innych osób, mówiąc, że uważał mnie za fantastycznego, co było bardzo słodkie. Żałuję, że nie mogłem go lepiej poznać.

Zawsze będę podziwiał Richtera. Artysta-performer nie może kopiować, ale możesz zainspirować się esencją tego, za czym ktoś się opowiadał i to właśnie z nim robię. W głębi duszy wiem, że staram się pojąć to, co miał Richter, czyli niesamowitą, ognistą, palącą intensywność pasji do muzyki – oto, co spotkało go, gdy grał. Miał absolutną obsesję i opętanie przez muzykę. ”

Światosław Richter został również wybrany przez Howarda Shelleya, Annę Goldsworthy i Piotra Anderszewskiego.

Vladimir Horowitz (1903-1989)

Kim on był? Urodzony w Rosji pianista, który wyjechał na Zachód w wieku 21 lat, gdzie został opisany jako „tornado uwolnione ze stepów”. Najbardziej znany z wykonania romantycznego repertuaru fortepianowego i, co zaskakujące, Scarlattiego, wrócił do Rosji triumfalnie. pożegnalny recital w 1986 roku.

Co czyni go wspaniałym? Błyskotliwa wirtuozeria i niezwykłe użycie koloru w połączeniu z talentem do porywania publiczności, wywołując furię podczas swoich koncertów.

Ingolf Wunder O boskich darach Horowitza

„Horowitz połączył wysokiej klasy pianizm z wyjątkowym gustem muzycznym i interpretacyjnym. Tym, co uczyniło go wyjątkowym, była umiejętność wykuwania uczuć i nastrojów ze struktur i harmonijnego materiału partytury. Wydaje mi się, że po raz pierwszy usłyszałem Horowitza, gdy miałem 14 lat. Byłem po prostu zdumiony jego tonem i różnorodnością kolorów, jakie mógł uzyskać. I zawsze grał tak, jak zbudowano jego rękę, nigdy nie zdradzając swojego gustu i poglądów na muzykę. Zawsze był sobą i wszystko, czego dotknął, stało się jego własnym. Jego gra nigdy nie jest przeciętna, albo działa, albo nie. Ale jeśli to działa, jest po prostu boskie – nieporównywalne z niczym, co kiedykolwiek słyszałeś.

W pewnym sensie Horowitz jest wytworem czasów, które wydały tak wielu wspaniałych pianistów. Wierzę, że od tamtego czasu zmienił się sposób myślenia i nasze życie. Teraz muzycy mogą wejść do Internetu i usłyszeć prawie każde nagranie dowolnego utworu; wtedy byli zmuszeni do samodzielnego myślenia. Małe rzeczy miały większe znaczenie, ponieważ nie można było nigdzie iść natychmiast. Niekoniecznie chodziło o to, kto może zagrać najszybciej, czy jakikolwiek inny aspekt rywalizacji, chodziło bardziej o muzykę. Wciąż jest kilku muzyków, którzy są jak Horowitz i ci dawni mistrzowie, i to jest szkoła, do której
powinniśmy wrócić. ”

Vladimir Horowitz został również wybrany przez Freddy’ego Kempfa, Gerarda Willemsa, Konstantina Scherbakova.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Kim on był? Urodzony w Rosji pianista i kompozytor, który ukończył Konserwatorium Moskiewskie w tej samej klasie, co kompozytor Alexander Skriabin. Wśród jego kompozycji znajduje się II Koncert fortepianowy, często uznawany za najpopularniejszy utwór muzyki klasycznej wszechczasów. Opuścił Rosję w 1917 roku, rozpoczynając karierę koncertowego pianisty, aby utrzymać siebie i swoją rodzinę. Został obywatelem USA na krótko przed śmiercią.

Co czyni go wielkim? Niemal nadludzko czysta technika palcami, która pozwoliła mu zachować przejrzystość nawet w najbardziej sękatych fragmentach. Było to częściowo spowodowane jego słynnymi dużymi dłońmi, mogącymi rozciągać się na 12 cali lub 13 (C1 do A2) na fortepianie. Miał też pięknie śpiewający ton, porównywalny do skrzypka Fritza Kreislera, pozwalający mu wykręcić z melodii nieskończoną słodycz.

Leslie Howard o największym pianistce, jaki kiedykolwiek nagrał płytę

„Niezwykłe w grze Rachmaninowa jest jej szczerość.Nic nie staje między jego grą a jego wyobrażeniem o tym, dlaczego warto nagrać ten utwór. Jego gra nigdy nie jest zagracona, nigdy nie jest wybredna i nie ma w nim tanich sztuczek – dość niezwykłe jak na czas, kiedy nagrywał. Myślę, że jest największym pianistą w swoim wieku i jestem pewien, że jest najlepszym pianistą, który kiedykolwiek nagrał płytę.

Oczywiście, jego technika jest niezwykła, ale darem całej dobrej techniki jest to, że ty ' nie zdajesz sobie z tego sprawy, kiedy jej słuchasz. Jeśli na przykład usłyszysz, jak gra Si oiseau j’étais Henselta, brzmi to jak najbardziej czarujący utwór z salonu. Ale jeśli kiedykolwiek usiadłeś, żeby to zagrać, wiesz doskonale, że to absolutny terror.

Rachmaninov ma również sposób radzenia sobie z rytmem, dzięki czemu jest natychmiast rozpoznawalny. Czasami robi to, grając rytm, który nie jest dokładnie tym, co jest w partyturze, ale wydaje się, że brzmi to tak, jak powinno być w partyturze. Weźmy na przykład jego nagranie z Fritzem Kreislerem z Opus 30 No 3 Sonata of Beethoven. Słyszysz każdą nutę i każda nuta jest tak samo ważna jak każda inna, tak powinno być grane Beethovena, ale rzadko tak jest.

Będąc kompozytorem, Rachmaninow posiadał także potężny muzyczny umysł. Analizował każdy kawałek, zanim położył dłonie na klawiaturze. Mógł to zrobić, ponieważ jego umiejętności kompozytorskie były tak wyrafinowane.

Czasami myślę, że kiedy gra swoją własną muzykę, jest mniej ostrożny – prawie tak, jakby nie do końca sądził, że powinno być tyle zamieszania mu. Ale kiedy słyszysz, jak zupełnie nieskładny, w sensie emocjonalnym, jest jego gra własnej muzyki, zniechęca to pianistów do zanurzania się w niej, jak wielu z nich to robi. Potem, jeśli chcesz romantycznej gry, to też może to zrobić i znowu myślę o jednym z nagrań z Kreislerem z Sonaty nr 3 Griega. Część druga jest przejmująco cudowna, a sposób, w jaki gra, jest zupełnie inny niż sposób Kreisler to gra. To sprawia, że ten utwór brzmi bardziej obficie niż w rzeczywistości – to pęknięcie nagrania!

Jest powód, dla którego Rachmaninow nie nagrał więcej, a to z powodu napiętych relacji, jakie miał z ludźmi w Victor Talking Machine Company, który uważał, że zarabia za dużo pieniędzy na swoje nagrania i który odrzucił wiele z rzeczy, które proponował nagrać. Na przykład zamierzał dać bezpłatne nagranie Pierwszego Koncertu fortepianowego Beethovena, o ile pozwolą mu nagrać jego orkiestrowe tańce symfoniczne, a oni odrzucili ofertę.

Powód, dla którego nagrywamy Fakt, że grał swój trzeci koncert, jest dla wielu osób trochę nieodpowiedni, ponieważ cztery miesiące później musiał wrócić i ponownie nagrać pierwszą stronę. Włożył w to cięcia w ostatniej chwili, ponieważ producent Charles Connell zasmucił go, mówiąc, że nie może grać na pianinie ani komponować. Krótko mówiąc, sprawił, że cała sprawa była dla Rachmaninowa bardzo nieprzyjemna. Mamy więc podziękować panu Connellowi, że nie miał Sonaty Liszta, Sonaty Hammerklavier, Sonaty Waldsteina i Sonaty h-moll Chopina. Z nagrań, które mamy, bardzo trudno jest wybrać ulubione, ale absolutnie uwielbiam jego nagranie Carnaval Schumanna. Myślę, że to doskonała gra na pianinie od początku do końca. ”

Siergiej Rachmaninow został również wybrany przez Stephena Kovacevicha, Denisa Matsueva i Alexeya Yemtsova.

Dlaczego jest tak wielu wielkich rosyjskich pianistów?

Od XIX wieku w Rosji prowadzona jest bardzo systematyczna edukacja muzyczna dzieci, która rozpoczęła się wraz z założeniem Moskiewskiego Konserwatorium Cesarskiego. Rachmaninow przyjechał tam na studia w wieku 14 lat. Mieszkał w domu Nikołaja Zwieriewa, który założył szkołę z internatem dla młodych uczniów, którzy oprócz nauki szkolnej musieli ćwiczyć sześć godzin dziennie. .

Ta szkoła przekształciła się w Centralną Szkołę Muzyczną w czasach radzieckich, a system rozszerzył się na cały kraj. Obecnie w Rosji istnieje poważna edukacja muzyczna dla dzieci, począwszy od kiedy są wystarczająco duże, aby sięgnąć po klawisze. Vladimir Ashkenazy, Grigorij Sokolov i Michaił Pletniew są produktami tej dość surowej radzieckiej szkoły.

Dzieci uczą się więc przez siedem lub osiem lat w specjalnej szkole muzycznej, a w wieku 15 lat idą do szkoły muzycznej na trzy lata. I to wszystko, zanim zapiszą się do Conservatorium.

Więc jeśli dziecko jest utalentowane, w wieku 16 lat może grać w zasadzie we wszystko. Oznacza to, że kiedy rosyjscy studenci przyjeżdżają do Konserwatorium, są już zawodowymi pianistami. Nie mają prawie żadnych technicznych granic do pokonania i mogą po prostu skupić się na zostaniu artystą. Nie chodzi więc o lekcje gry na fortepianie z nauczycielem – to systematyczna i całkowicie bezpłatna edukacja muzyczna. Geniusze rodzą się wszędzie, ale tylko w Rosji są w ten sposób wychowywani.

Elena Kuznetsova
Dziekan fortepianu Konserwatorium Moskiewskiego