네덜란드 (1872–1911) 편집

Mondrian은 네덜란드 위트레흐트 주 아 메르 스포 르트에서 태어났습니다. 두 번째 부모 “자녀. 그는 1670 년에 헤이그에 살았던 Christian Dirkzoon Monderyan의 후손입니다. 그의 아버지 인 Pieter Cornelius Mondrian이 지역 초등학교의 교장으로 임명되었을 때 가족은 Winterswijk로 이사했습니다. 몬드리안은 어릴 때부터 예술에 소개되었습니다. 그의 아버지는 자격을 갖춘 그림 교사였으며 그의 삼촌 인 Fritz Mondrian (헤이그 예술가 학교의 Willem Maris의 제자)과 함께 어린 Piet은 종종 Gein 강을 따라 그림을 그리고 그렸습니다.

이후 엄격한 프로테스탄트 양육으로 1892 년에 몬드리안은 암스테르담의 미술 아카데미에 입학했습니다. 그는 이미 교사 자격을 갖추고있었습니다. 그는 초등 교육 교사로 경력을 시작했지만 그림도 연습했습니다. 이시기의 그의 작품 대부분은 자연 주의적이거나 인상적이며 주로 풍경으로 구성됩니다. 그의 모국에 대한 이러한 목가적 이미지는 풍차, 들판 및 강을 묘사하는데, 처음에는 헤이그 학교의 네덜란드 인상파 방식으로 그리고 개인 스타일에 대한 검색을 증명하는 다양한 스타일과 기술로 묘사됩니다. 이 그림은 재현 적이며 점묘법과 포비 즘의 생생한 색상을 포함하여 몬드리안에 대한 다양한 예술적 움직임이 미친 영향을 보여줍니다.

Gementemuseum Den Haag에 전시 된 많은 그림은이시기에, Post-Impressionist는 The Red Mill and Trees in Moonrise와 같은 작품을 포함합니다. 또 다른 그림 인 Evening (Avond) (1908)은 황혼의 들판에있는 나무를 묘사하고 있으며, 거의 전부가 빨강, 노랑, 파랑으로 구성된 팔레트를 사용하여 미래의 발전을 촉진합니다. Avond는 제한적으로 추상적 인 작품이지만 원색을 강조한 최초의 몬드리안 그림입니다.

Mondrian의 초기 그림은 추상화는 1905 년부터 1908 년까지의 일련의 캔버스로, 잔잔한 물에 반사 된 희미한 나무와 집의 희미한 장면을 묘사합니다. 그 결과 시청자가 콘텐츠에 대한 형식에 집중하기 시작하지만 이러한 그림은 여전히 자연에 확고하게 뿌리를두고 있습니다. 이 작품에서 그의 미래 추상화의 뿌리를 찾는 것은 몬드리안의 후기 업적에 대한 지식뿐입니다.

몬드리안의 예술은 그의 영적, 철학적 연구와 밀접한 관련이 있습니다. 1908 년 , 그는 19 세기 후반에 Helena Petrovna Blavatsky가 시작한 신지학 운동에 관심을 갖게되었고 1909 그는 Theosophical Society의 네덜란드 지부에 가입했습니다. Blavatsky의 작업과 평행 한 영적 운동 인 Rudolf Steiner의 Anthroposophy는 그의 미학의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. Blavatsky는 경험적 수단과 많은 몬드리안에서 제공하는 것보다 자연에 대한 더 깊은 지식을 얻을 수 있다고 믿었습니다. “그의 남은 생애를위한 그의 일은 그 영적 지식에 대한 그의 탐구에서 영감을 받았습니다. 1918 년에 그는 Blavatsky가 쓴 책을 언급하면서 “나는 비밀 교리에서 모든 것을 얻었습니다”를 썼습니다. 1921 년 슈타이너에게 보낸 편지에서 몬드리안은 자신의 신 생물주의가 “모든 진정한인지 학자와 신지 학자에게 예상 할 수있는 미래의 예술”이라고 주장했습니다. 그는 자신의 예술적 흐름 인 신 생물주의가 결국 더 큰 에큐메니칼 영성의 일부가 될 것이라고 믿었지만 이후 몇 년 동안 헌신적 인 신지 학자로 남았습니다.

몬드리안과 그의 후기 작품은 1911 년에 깊은 영향을 받았습니다. 암스테르담에서 열린 Cubism의 Moderne Kunstkring 전시회. 단순화에 대한 그의 검색은 Still Life with Ginger Pot (Stilleven이 Gemberpot을 만났습니다)의 두 가지 버전에 표시됩니다. 1911 버전은 Cubist입니다. 1912 버전에서는 개체가 삼각형과 직사각형이있는 둥근 모양으로 축소되었습니다.

파리 (1911–1914) 편집

1911 년 몬드리안은 파리로 이주하여 네덜란드에서 떠남을 강조하기 위해 몬드리안에서 “a”를 빼고 이름을 변경했습니다. 그리고 그의 파리 아방가르드와의 통합. 파리에있는 동안 파블로 피카소와 조르주 브라크의 입체파 스타일의 영향은 거의 즉시 몬드리안의 작품에 나타났습니다. The Sea (1912)와 같은 그림과 그해의 다양한 나무 연구에는 여전히 표현의 척도가 포함되어 있지만 몬드리안은 자신의 작품에 입체파의 영향을 흡수하기를 열망했지만, 그는 입체파를 목적지가 아닌 그의 예술적 여정에서 “호출의 항구”로 보았다는 것이 분명해 보입니다. .

네덜란드 (1914–1918) 편집

입체파와 달리 몬드리안은 여전히 자신의 그림을 영적 추구와 조화 시키려고 시도했으며 1913 년에 그의 예술과 신지학을 융합하기 시작했습니다. 몬드리안이 1914 년 네덜란드를 방문하는 동안 제 1 차 세계 대전이 시작되어 분쟁 기간 동안 그곳에 머물러야했습니다.이 기간 동안 그는 라렌 예술가들에 머물 렀습니다. ” 콜론 y에서 그는 Bart van der Leck과 Theo van Doesburg를 만났습니다. 둘 다 추상화를 향한 개인적인 여정을 겪고있었습니다. Van der Leck의 작품에서 원색만을 사용하는 것은 Mondrian에 큰 영향을 미쳤습니다. 1916 년 Van der Leck과의 만남 이후 Mondrian은 “나의 기술은 다소 입체파 였고 따라서 다소 화보적인 기술은 Van Doesburg와 함께 몬드리안은 De Stijl Group의 저널 인 De Stijl (The Style)을 창립하여 자신의 이론을 정의하는 에세이를 처음 출판했으며이를 신 생물주의라고 불렀습니다.

몬드리안은 1917 년과 1918 년에 12 회에 걸쳐 “De Nieuwe Beelding in de schilderkunst”( “The New Plastic in Painting”)를 12 편으로 출판했습니다. 이것은 그의 예술 이론을 글로 표현하려는 그의 첫 번째 주요 시도였습니다. Mondrian의 최고 및 가장 많이 인용되는 그러나이 이론의 표현은 그가 1914 년에 HP Bremmer에 쓴 편지에서 비롯된 것입니다.

나는 평평한 표면에 선과 색상 조합을 만듭니다. 최대한의 의식으로 일반적인 아름다움을 표현하기 위해. 자연 (또는 내가 보는 것)은 나에게 영감을주고, 어떤 화가처럼 나를 감정 상태에 두어 무언가를 만들고 싶은 충동이 생기도록하지만, 가능한 한 진실에 가까워지고 모든 것을 추상화하고 싶습니다. 그것은 내가 사물의 기초 (여전히 외부 기초 일뿐!)에 도달 할 때까지… 계산이 아닌 인식으로 구성된 수평선과 수직선을 통해 높은 직관에 의해 주도되고 조화와 리듬을 가져올 수 있다고 믿습니다. , 필요한 경우 다른 직선이나 곡선으로 보완되는 이러한 기본 형태의 아름다움은 사실만큼 강하면서도 예술 작품이 될 수 있습니다.

파리 (1918–1938) 편집

1918 년 제 1 차 세계 대전이 끝났을 때 몬드리안은 프랑스로 돌아와 1938 년까지 머물 렀습니다. 전후 파리의 예술적 혁신 문화에 몰입 한 그는 번성하여 남은 생애 동안 순수 추상의 예술을 완전히 수용했습니다. Mondrian은 1919 년 후반에 격자 기반 그림을 제작하기 시작했고 1920 년에 그가 유명해진 스타일이 나타나기 시작했습니다.

이 스타일의 초기 그림에서 직사각형 형태를 나타내는 선은 다음과 같습니다. 비교적 얇고 검은 색이 아닌 회색입니다. o 갑작스럽게 멈추지 않고 그림의 가장자리에 다가 가면 희미 해집니다. 이후의 그림에서보다 작고 더 많은 형태 자체는 원색, 검은 색 또는 회색으로 채워져 있으며 거의 모두가 채색되어 있습니다. 일부만 흰색으로 남아 있습니다.

1920 년 후반과 1921 년에 몬드리안의 그림은 평범한 관찰자에게 최종적이고 성숙한 형태에 도달했습니다. 이제 굵은 검은 색 선이 형태를 구분합니다. 숫자가 적고 더 많은 양식이 흰색으로 남습니다.그러나 이것은 그의 예술적 진화의 정점은 아닙니다. 세련미가 더 미묘 해졌지만 몬드리안의 작업은 파리에있는 동안 계속해서 발전했습니다.

1921 년 그림에서는 전부는 아니지만 많은 검은 선이 겉보기에 임의의 거리에서 짧게 멈 춥니 다. 직사각형 형태 사이의 구분은 그대로 남아 있지만 여기에서도 직사각형 형태는 대부분 채색되어 있습니다. 세월이 흐르고 몬드리안의 작업이 더욱 발전함에 따라 그는 모든 선을 가장자리까지 확장하기 시작했습니다. 캔버스, 그는 점점 더 적은 색의 형태를 사용하기 시작했고 대신 흰색을 선호했습니다.

이러한 경향은 몬드리안이 1920 년대 중반에 규칙적으로 제작하기 시작한 “마름모꼴”작품에서 특히 분명합니다. “마름모꼴”그림은 45도 기울어 진 정사각형 캔버스로 다이아몬드 모양을하고 있습니다. 대표적인 예는 Schilderij No. 1 : Lozenge With Two Lines and Blue (1926)입니다. 몬드리안 캔버스 중 가장 미니멀 한 캔버스 중 하나 인이 그림은 두 개의 검은 색 수직선과 작은 파란색 삼각형 형태로만 구성되어 있습니다. 선은 캔버스 가장자리까지 뻗어있어 그림이 마치 더 큰 작품의 파편.

유리를 보호하는 유리와 캔버스에 대한 나이와 취급에 따른 대가로 인해 그림에 대한 자신의 시각이 방해를 받지만이 그림에 대한 면밀한 검토 작가의 방식이 드러나기 시작한다. 그림은 예상대로 완벽하게 평평한 색면으로 구성되어 있지 않다. 전체적으로 미묘한 붓놀림이 뚜렷하다. 작가는 다양한 요소에 대해 다른 기법을 사용한 것으로 보인다. 선은 깊이가 가장 적은 가장 평평한 요소입니다. 색상이있는 양식은 모두 한 방향으로 실행되는 가장 분명한 브러시 스트로크를 가지고 있습니다. 그러나 가장 흥미로운 것은 브러시 str을 사용하여 레이어로 명확하게 칠해진 흰색 양식입니다. 다른 방향으로 달리는 okes. 이시기에 몬드리안의 그림이 점점 더 공백에 의해 지배되기 시작함에 따라 이것은 흰색 형태에 더 큰 깊이 감을 생성하여 그들이 실제로하고있는 선과 색을 압도하는 것처럼 보입니다.

1926 년, 뉴욕시 독립 예술가 협회 (Marcel Duchamp 및 Man Ray와 함께)의 공동 창립자 인 Katherine Dreier는 파리에있는 Piet Mondrian의 스튜디오를 방문하여 그의 다이아몬드 작품 중 하나 인 Painting I을 인수했습니다. 이것은 무기고 쇼 이후 미국에서 처음으로 현대 미술의 주요 전시 인 브루클린 박물관의 독립 예술가 협회가 주최 한 전시회에서 공개되었습니다. 그녀는 카탈로그에서 “네덜란드는 다음과 같은 세 명의 위대한 화가를 배출했습니다. 자신의 나라를 논리적으로 표현했지만 개성의 활력을 통해 그 위에 올라 섰습니다. 첫 번째는 렘브란트, 두 번째는 반 고흐, 세 번째는 몬드리안입니다. “

세월이 흘러 감에 따라 라인 Mo의 형식보다 우선하기 시작했습니다. ndrian의 그림. 1930 년대에 그는 더 얇은 선과 이중 선을 더 자주 사용하기 시작했으며, 조금이라도 작은 색의 형태로 구두점을 찍었습니다. 이중 선은 특히 몬드리안을 흥분 시켰습니다. 몬드리안은 자신의 그림에 그가 탐구하고자하는 새로운 역 동성을 제공한다고 믿었 기 때문입니다. 그의 작품에서 이중선의 도입은 그의 친구이자 동시대 말로우 모스의 작품의 영향을 받았습니다.

1934 년부터 1935 년까지 몬드리안의 그림 중 세 점이 “Abstract and Concrete”의 일부로 전시되었습니다. “영국 옥스포드, 런던, 리버풀 전시회.

런던과 뉴욕 (1938–1944) 편집

1938 년 9 월 몬드리안은 파시즘의 진전을 앞두고 파리를 떠나 런던으로 이주했습니다. 1940 년 네덜란드가 침공하고 파리가 함락 된 후 그는 런던을 떠나 맨해튼으로 이동했습니다. 그가 죽을 때까지 남아있을 뉴욕시. 몬드리안의 후기 작품 중 일부는 그가 시작한 캔버스가 꽤 많았 기 때문에 그의 예술적 발전 측면에서 배치하기가 어렵습니다. 파리 또는 런던이며 몇 달 또는 몇 년 후 맨해튼에서 완공되었습니다. 이 후기의 완성 된 작품은 시각적으로 바쁘다. 1920 년대 이후 그의 어떤 작품보다 선이 더 많아 거의지도 제작과 같은 중첩 배치로 배치된다. 그는 손에 물집이 생길 때까지 오랜 시간 동안 혼자 그림을 그렸고 때로는 울거나 아프게 만들었습니다.

Mondrian은 두꺼운 색을 혁신 한 단순한 그림 인 Lozenge Composition With Four Yellow Lines (1933)를 제작했습니다. 검은 선 대신 선. 그 한 그림 이후,이 관행은 그가 맨해튼에 도착할 때까지 몬드리안의 작업에서 휴면 상태로 남아 있었으며, 그 때 그는 포기로 그것을 받아들이 기 시작했습니다.컴포지션 (1938) / 콩코르 드 광장 (1943)과 같은이 새로운 방향의 일부 예에서 그는 파리에서 미완성 된 검은 선 그림을 가져 와서 다른 색의 짧은 수직선을 추가하여 뉴욕에서 완성한 것으로 보입니다. 긴 검은 색 선 사이 또는 검은 색 선에서 캔버스 가장자리까지 이어집니다. 새로 채색 된 영역은 두껍고 선과 형태 사이의 간격을 거의 메우고 있으며, 검은 색으로 경계가없는 몬드리안 그림에서 색을 보는 것은 놀랍습니다. 다른 작품은 익숙한 검은 선 사이에 긴 붉은 선이 섞여있어 검은 선 위에 컬러 레이어를 추가하여 새로운 깊이 감을 자아냅니다. 그의 그림 구성 No. 10, 1939–1942는 원색, 흰색 바탕 및 검은 색 격자 선이 특징 인 몬드리안의 급진적이지만 고전적인 직사각형 접근 방식을 명확하게 정의했습니다.

1940 년 9 월 23 일 Mondrian은 리버풀에서 출발하는 Cunard White Star Lines 배 RMS Samaria에 탑승 한 뉴욕. 몬드리안이 맨해튼에서 시작한 새로운 캔버스는 더욱 놀랍고 아티스트의 죽음으로 인해 짧아 진 새로운 관용구의 시작을 나타냅니다. New York City (1942)는 빨간색, 파란색 및 노란색 선의 복잡한 격자로, 이전 작품보다 더 깊은 깊이 감을주기 위해 가끔 인터레이스됩니다. 이 작품의 미완성 버전 인 1941 년 버전은 페인트 칠한 종이 테이프를 사용하여 아티스트가 원하는대로 재 배열하여 다양한 디자인을 실험 할 수 있습니다.

그의 그림 Broadway Boogie-Woogie (1942–43), The Museum of Modern Art 맨해튼에서 기하학적 추상 회화 학교에 큰 영향을 미쳤습니다. 작품은 캔버스에서 튀어 나온 다음 반짝이는 것처럼 보이는 여러 개의 반짝이는 밝은 색상의 사각형으로 구성되어 시청자를 네온 불빛으로 끌어들입니다. 이 그림과 미완성 된 Victory Boogie Woogie (1942–1944)에서 Mondrian은 이전의 실선을 여러 색상의 작은 종이 테이프 조각을 사용하여 부분적으로 만든 작은 인접한 직사각형 색상으로 만든 선으로 대체했습니다. 더 큰 무한 사각형 색상은 디자인을 강조하고 일부는 내부에 더 작은 동심 사각형이 있습니다. 1920 년대와 1930 년대 몬드리안의 작품은 거의 과학적으로 긴박한 경향이 있지만 밝고 생생한 그림으로 영감을받은 경쾌한 음악과 작품이 만들어진 도시를 반영합니다.

이 최종 작품에서 형식은 실제로 선의 역할을 빼앗아 추상화 주의자로서의 몬드리안 발전을위한 또 다른 새로운 문을 열었습니다. Boogie-Woogie 그림은 1913 년에 표현 예술을 포기한 이후 Mondrian의 작품에서 가장 심오한 발전을 대표하는 진화적인 것보다 훨씬 더 혁명적 인 변화였습니다.

2008 년 네덜란드 TV 프로그램 Andere Tijden은 Mondrian과 함께 유일하게 알려진 영화 장면을 발견했습니다.이 영화 장면의 발견은 Victory Boogie Woogie에 대한 2 년 간의 연구 프로그램 끝에 발표되었습니다. 연구 결과 그림은 매우 양호한 상태이고 Mondrian은 몬드리안이 죽기 직전에 작은 컬러 테이프를 사용하여 구성을 근본적으로 변경 한 것도 발견되었습니다.

Wall worksEdit

47 년 -구 피에트 몬드리안은 1919 년에 두 번째이자 마지막으로 네덜란드를 떠나 자유 분방 한 파리로 떠났다. 그는 자신의 스튜디오를 네오 플라스의 원리를 점점 더 많이 표현할 수있는 그림을위한 양육 환경으로 즉시 만들었습니다. 그가 2 년 동안 글을 써온 ticism. 스튜디오의 구조적 결함을 신속하고 저렴하게 숨기기 위해 그는 각각 단색 또는 중성 색조의 커다란 직사각형 플래 카드를 붙였습니다. 함께 구성된 작은 색종이 정사각형과 직사각형이 벽을 강조한 다음 강렬한 페인팅 기간이 시작되었습니다. 그는 다시 벽을 언급하고, 컬러 컷 아웃의 위치를 변경하고, 번호를 추가하고, 색상과 공간의 역학을 변경하고, 새로운 긴장과 평형을 생성했습니다. 오래지 않아 그는 그림의 기간이 기간과 번갈아가는 창의적인 일정을 수립했습니다. 벽에있는 작은 종이를 실험적으로 재편성하는 과정은 다음 그림의시기에 직접적으로 영향을 미쳤습니다. 그는 1938 년과 1940 년에 파리에서 런던의 햄 스테 드로의 전쟁 이동을 통해 남은 생애 동안 따랐던 패턴이었습니다. 대서양에서 맨해튼까지.

1943 년 가을 71 세의 나이에 몬드리안은 15 East 59th Street에있는 두 번째이자 마지막 맨해튼 스튜디오로 옮겨 환경을 재현하려고합니다. 수년에 걸쳐 배운 것은 그의 겸손한 삶의 방식에 가장 적합하고 그의 예술에 가장 자극적이었습니다.그는 자신의 이젤과 좌석, 테이블 및 보관 케이스에 사용했던 것과 동일한 미색을 버려진 오렌지와 사과 상자로 꼼꼼하게 디자인하고 제작 한 것과 같은 회색 벽을 높은 벽에 그렸습니다. 그는 그의 사랑스러운 재즈를 잘 여행 한 기록에서 쏟아내는 라디오 음반을 위해 만든 판지 덮개에 적용한 것과 동일한 빛나는 원색 빨간색으로 흰색 금속 의자의 상단을 광택 처리했습니다. 이 마지막 스튜디오를 방문한 사람들은 한두 개의 새로운 캔버스를 거의 보지 못했지만, 종종 놀랍게도 그가 끊임없이 변화하는 관계에서 벽에 붙인 색종이 조각 8 개를 다시 붙였다는 사실을 발견했습니다. 역설적이면서 동시에 운동적이고 고요하며 자극적이고 편안한 환경. 몬드리안은 그가 살았던 최고의 공간이라고 말했다. 그는 1944 년 2 월에 세상을 떠난 후 불과 몇 달 동안 그곳에있었습니다.

죽은 후 몬드리안의 친구이자 후원자 인 맨해튼, 예술가 Harry Holtzman, 그리고 또 다른 화가 친구 인 Fritz Glarner가 신중하게 기록했습니다. 6 주 동안 공개되기 전에 영화와 스틸 사진으로 스튜디오를 공개했습니다. 스튜디오를 해체하기 전에 Holtzman (몬드리안의 후계자이기도 함)은 벽 구성을 정확하게 추적하고 공간의 정확한 휴대용 팩시밀리를 준비했습니다. 원래 남아있는 컷 아웃 구성 요소를 점유하고 부착했습니다. 이러한 휴대용 몬드리안 작품은 “The Wall Works”로 알려지게되었습니다. 몬드리안의 죽음 이후 맨해튼 근대 미술관 (1983 년과 1995-96 년)에서 두 번, Carpenter + Hochman Gallery (1984)의 SoHo에서 한 번, 일본 도쿄의 Galerie Tokoro에서 각각 한 번씩 전시되었습니다. (1993), 상파울루 XXII 비엔날레 (1994), 미시간 대학교 (1995), 그리고 – 유럽에서 처음으로 – 베를린의 아카데미 데르 쿤 스테 (예술 아카데미)에서 (2 월 22 일 – 22 일) 2007 년 4 월).