Cosa lo rende eccezionale? Un impegno a scandagliare le profondità intellettuali e spirituali di un’opera, evitando le dimostrazioni di bravura tecnica.

Jonathan Biss sul suono vivo di Schnabel

“Se mi chiedessero quale pianista ho amato di più, non potrei mai rispondere – troppe possibilità! Ma se è una questione di chi mi ha ispirato, è facile: Artur Schnabel. La mia prima esposizione al suo le registrazioni delle sonate di Beethoven sono arrivate nella mia prima adolescenza, e hanno portato rapidamente a un’ossessione per quelle opere che mi aspetto durino per il resto della mia vita. Non riuscivo a capire come potesse trasmettere così tanto significato – spiritualità, anche – tra due note, o come è riuscito a produrre da questo strumento di chiavi e martelli un suono così vivace, resistente alla gravità, vivo. Quei due obiettivi: creare un suono che viva e trovare musica non solo nelle note, ma intorno a loro – sono ancora le primarie per me, quasi due decenni dopo.

Quando sono andato a studiare con Leon Fleisher, Mi ha commosso sentirlo parlare di Schnabel, la sua insegnante, con lo stesso tipo di soggezione. Le idee di Fleisher sulla musica sono avvincenti, ed è incomparabilmente eloquente nell’esprimerle, ma spesso ci diceva semplicemente quello che Schnabel gli aveva detto su questo o quello pezzo, con un tono di voce che suggeriva che non c’era niente di più grande. autorità. Mi piace pensare di aver imparato qualcosa attraverso questo lignaggio, e ogni giorno cerco di portare nella mia musica qualcosa della devozione, della comprensione e, soprattutto, dell’amore, che emana da ogni nota che l’uomo ha suonato. “

Wilhelm Kempff (1895-1991)

Scelto da Cyprien Latsaris, Michael Endres, David Fray e Eldar Nebolsin.

Chi era? Un pianista tedesco che si è concentrato sui grandi della musica tedesca e ha suonato concerti fino ai suoi ottant’anni.

Cosa lo rende eccezionale? Inventiva ritmica e talento nel far emergere il lirismo, il fascino e la spontaneità della musica, in particolare in brani o passaggi intimi.

Cyprien Latsaris On Kempff in concerto

“Ho sentito Kempff dal vivo a Parigi quando avevo circa 13 anni e poi ho comprato alcune sue registrazioni di Beethoven e Brahms. Non aveva la tecnica pianistica migliore, ma era molto speciale. Ha creato alcuni momenti musicali sublimi e divini che ci hanno trasportato verso il cielo. Sono sicuro che avrebbe avuto altrettanto successo in concerto oggi, perché il fattore più importante per un musicista è avere una personalità molto speciale, e aveva quella caratteristica.

Ha anche influenzato ciò che faccio al pianoforte facendomi mettere me stesso in un secondo stato, uno stato spirituale, prima di suonare. Ci sono così tante sue registrazioni che apprezzo, poiché Kempff eccelle a Beethoven , Brahms, Schumann, Schubert e Bach, ma in particolare chiamerei Kl avierstücke di Brahms, le sonate medie di Beethoven e i concerti n. 2 & 4, le trascrizioni di Bach e la Schubert Klavierstücke. “

Alfred Brendel (nato nel 1931)

Scelto da Paul Lewis, Steven Osborne, Imogen Cooper e Till Fellner.

Chi è? Un pianista e insegnante austriaco ora residente a Londra, che ha registrato quattro set completi delle sonate di Beethoven.

Cosa lo rende eccezionale? Rigorosa aderenza alla partitura senza mai sembrare arida o accademica, e un talento per trovare momenti di umorismo inaspettati, in particolare
nel repertorio classico.

Paul Lewis Sullo studio di Brendel

“Ho preso lezioni con Alfred Brendel negli anni ’90, ed è stato una grande ispirazione. Parlava di musica e io pensavo:” Sì, ha davvero senso “. E poi si sedeva e mostrava le cose, ed era allora che la lampadina si spegneva davvero. La prima volta che l’ho incontrato è stato quando avevo 20 anni alla Guildhall School of Music. Ricordo di essermi sentito molto nervoso e intimidito. Vedendo la sagoma degli occhiali e dei capelli che attraversavano la sala, ricordo di aver pensato: “Oh mio Dio, è lui!” Gli ho suonato una sonata di Haydn ed era chiaro fin dall’inizio che era interessato solo alla musica . Questo è tutto ciò che conta. Potresti sentirti preoccupato per te stesso, ma non è questa la cosa importante perché lui non è minimamente preoccupato per nulla tranne che per quello che stai giocando. Ciò corrispondeva all’impressione che avevo avuto di lui prima di incontrarlo, dai suoi concerti e registrazioni – quella di un musicista dalla mentalità incredibilmente seria. È stata una grande ispirazione e un privilegio lavorare con lui in quegli anni. “

Glenn Gould (1932-1982)

Scelto di Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say e Jean-Efflam Bavouzet.

Chi era?Un pianista canadese estremamente eccentrico che, dopo una carriera concertistica stellare, ha evitato il palco all’età di 31 anni per concentrarsi su registrazioni e progetti sperimentali.

Cosa lo rende grande? Una prodigiosa capacità di scolpire le molteplici linee della musica polifonica, come quella di Bach, con una chiarezza insuperabile. E un’apparente incapacità di errore tecnico.

Pascal Rogé su Gould il recreatore

“Ho sentito Gould suonare per la prima volta piuttosto tardi, da allora nella mia giovinezza al Conservatorio di Parigi era completamente sconosciuto. Nessuno dei miei colleghi o insegnanti ha mai menzionato il suo nome – fino a quando nel 1966 ho incontrato Bruno Monsaingeon, che ha rivelato Gould a me e al pubblico francese attraverso i suoi meravigliosi documentari. È difficile dirlo ciò che rende il modo di suonare di Gould così speciale, dal momento che tutto nel suo modo di suonare è speciale. Si può citare il tocco, il fraseggio, l’articolazione … Ma la cosa più importante è la concezione, l’architettura, l’approccio personale e “creativo” ad ogni singolo pezzo che suona . È un creatore, molto più che un interprete: ogni volta che ascolti un brano suonato da Gould, lo scopri per la prima volta. Mi riferisco sempre alla sua frase: “Se non sei convinto puoi suonare un pezzo in un modo completamente nuovo e unico, non suonarlo. “È un’affermazione estrema, ma così pieno di verità! Un esempio calzante sono le sue due registrazioni delle Variazioni Goldberg, un esempio del genio di Gould nel riuscire persino a “ricreare” se stesso. Sono entrambi capolavori e la sua eredità per tutti i musicisti del mondo. Rimango sempre sbalordito quando i pianisti osano suonare (o addirittura toccare) questo pezzo dopo Gould. Sono totalmente inconsapevoli o del tutto pretenziosi?

In Bach è completamente impareggiabile. In effetti, non sono in grado di ascoltare, accettare o concepire un’interpretazione di Bach diversa dalla sua. Vorrei dire che ha avuto un’influenza su di me, ma nessuno è abbastanza squilibrato da provare a imitare il modo di suonare di Gould! Tuttavia, ricordo quando ho registrato per la TV francese il primo libro completo del Clavicembalo ben temperato di Bach. Era un progetto ideato per lui da Monsaingeon, ma Gould è morto prima che potesse filmarlo … E sono stato io a “rimpiazzarlo”. Riuscite a immaginare la pressione?

Penso che l’eredità di Gould per qualsiasi artista sia “la libertà di creazione” nei confronti di qualsiasi compositore, ma allo stesso tempo rispettando la logica della musica e lo spirito del compositore – un’equazione molto impegnativa! “

Chi era? Pianista francese e professore al Conservatorio di Parigi. È stato definito un “poeta del pianoforte” per la sua padronanza delle opere liriche di Chopin, Schumann e Debussy, producendo registrazioni storiche e edizioni meticolose della loro musica.

Cosa lo rende eccezionale? stile personale e soggettivo che privilegia l’intuizione e il sentimento rispetto a una tecnica precisa, dando vita a performance di musicalità lussureggiante e trascendente.

Stephen Hough sull’individualità di Cortot

“Cortot è talvolta ricordato come il pianista che suonava molte note sbagliate. Questo è ingiusto, non solo perché aveva una tecnica delle dita abbagliante, ma perché non ha mai permesso che la ricerca della precisione lo distrasse dal quadro più ampio. A volte i suoi errori possono essere ascoltati anche nelle prime note dei pezzi, ma trovo che questi momenti fallibili siano accattivanti: il pianista è consumato dall’ispirazione spirituale e ignaro dei rischi fisici che comporta. Cortot era un grande virtuoso, consapevole del potere di eccitare ed emozionare che ha la musica romantica per pianoforte, ma non ti senti mai manipolato nella sua compagnia musicale. Senti che anche le sue scelte interpretative più stravaganti derivano dalla completa onestà interiore; non è seduto sotto i riflettori che ti costringe a guardarlo, ma piuttosto tiene in mano una torcia, portandoti avanti verso l’illuminazione.

Non mi stanco mai di ascoltare le sue registrazioni, in particolare quelle di Chopin e Schumann degli anni ’20 e anni ’30. La sua combinazione di assoluta libertà interpretativa (a volte con un tocco di eccentricità) e penetrante intuizione nei desideri del compositore è unica, a mio avviso. Ci sono artisti che deliziano gli ascoltatori con la loro individualità selvaggia e audace, e ce ne sono altri che scoprono la partitura scritta per noi con perspicacia e riverenza, ma pochi possono fare entrambe le cose. Cortot aveva una visione che vedeva oltre l’accademico o il teatro verso un orizzonte più ampio di creatività da cui gli stessi compositori avrebbero potuto trarre ispirazione. “

Alfred Cortot è stato scelto anche da Alfred Brendel, Benjamin Grosvenor e Stanislav Ioudenitch.

Emil Gilels (1916-1985)

Chi era? Un pianista nato a Odessa che si trasferì a Mosca nel 1935, diventando, insieme a Richter, il principale pianista sovietico del suo tempo. Lui e il violinista David Oistrakh furono tra i primi musicisti sovietici autorizzati a suonare in Occidente.

Cosa lo rende eccezionale?Il suo suono “dorato”: la capacità di eseguire i passaggi più faticosi senza compromettere il suo tono brunito o la profondità del sentimento.

Cédric Tiberghie Sulla grandezza di Gilels

“Gilels ha questa miscela di fantastica qualità sonora e la capacità di far sembrare tutto semplice quando lo ascolti. Anche quando suona un semplice preludio di Bach, o il preludio di Bach-Siloti in si minore, pensi che sia semplice da suonare, ma poi compri la musica e dici, ‘Oh mio dio, questo è impossibile!’

Ho ascoltato Gilels per la prima volta quando avevo otto o nove anni: la sua registrazione del secondo concerto di Brahms con la Filarmonica di Berlino. Non sapevo che fosse Gilels – o anche un concerto di Brahms – solo una della vasta collezione di cassette di mio padre. Ma era la mia musica preferita, e ancora oggi penso che sia una delle registrazioni più belle mai realizzate di un concerto per pianoforte. La qualità del tono e della linea, l’ispirazione e la bellezza del suono: tutto è così perfetto. In realtà è abbastanza intimidatorio quando devi suonare il concerto da solo. Suona il primo movimento così lentamente e tu pensi, OK, farò lo stesso, il che è un grosso errore perché lui è Gilels e tu no. Hai bisogno di quel suono dorato che Gilels possedeva – più di chiunque altro nella storia – così come un’idea chiara della struttura e della direzione; e per questo hai bisogno di una vita di esperienza. Inoltre, se confronto la mia mano con la sua, la sua era probabilmente due volte più pesante della mia. È come Oistrakh al violino, c’è la questione della carne, la materia pura che crea il suono. Se hai mani estremamente sottili, la qualità del tono sarà probabilmente più chiara di quella di Gilels.

Quindi non cerco di imitare un artista come lui, ma cerco di mantenere nella mia testa la grandezza di cosa fa. È qualcosa che cerco sempre di trovare, non artificialmente, ma forse solo per sentire. Quindi è un modello per me sotto questo aspetto. “

Emil Gilels è stato scelto anche da Alice Sara Ott, Olli Mustonen, Lars Vogt.

Arthur Rubinstein (1887-1982)

Chi era? Un pianista polacco che ha lasciato l’Europa dopo la prima guerra mondiale, stabilendosi negli Stati Uniti.

Cosa lo rende eccezionale? Le sue interpretazioni della musica di Chopin, alle quali ha portato un tono brillante e un’infinita varietà di fraseggi.

Roger Woodward sulla condivisione dell’eredità di Rubinstein

“Quando studiavo all’Accademia Nazionale Chopin di Varsavia, la nostra classe a volte incontrava gli illustri amici del professor Drzewiecki, uno dei quali era Arthur Rubinstein. Suonava per noi e alcuni studenti hanno avuto il privilegio di suonare per lui. Tutti in classe conosceva le sue registrazioni, in quanto erano le interpretazioni classiche di Chopin che Drzewiecki ci aveva insegnato. Grazia, compostezza e ricerca approfondita erano i tratti distintivi della sua arte, quella che mostrava maestria ma anche enorme modestia e, contrariamente a quanto alcune “autorità” aveva da dire, una tecnica impeccabile.

I critici di Rubinstein, e ce n’erano molti, tendevano a dimenticare quanto fosse accurato nella ricerca del repertorio che suonava. Dove altri posavano e facevano solo finta di aver ricercato il loro soggetto, quello di Rubinstein spettacoli puzzavano di int egrity.

La prima delle tre registrazioni complete di Mazurka di Rubinstein ci ha fornito un punto culminante nel nostro studio di Chopin, sebbene per me siano state le sue esecuzioni dei Notturni a fornire la chiave di tutti gli altri Chopin. Resto eternamente grato a Rubinstein per le sue registrazioni e per quello che aveva da dire al riguardo.

Rubinstein non è stato benedetto dal puro virtuosismo di Rachmaninov o Horowitz, ma ha sviluppato una padronanza del legato cantabile e del tempo rubato secondo a nessuno. Ciò è evidente in tali miracolose esibizioni “dal vivo” prebelliche come la sua storica registrazione dei concerti per pianoforte di Chopin con Sir John Barbirolli, sebbene le sue esecuzioni dello stesso genere con Witold Rowicki fossero ancora più belle – completamente indimenticabili.

Non dimenticherò mai la sua gentilezza e generosità verso la nostra classe, e il suo fascino, modestia e scrupolosa ricerca. Sebbene rimanga uno studente per tutta la vita e continui ad ascoltare le sue numerose e meravigliose registrazioni, mi considero fortunato a condividere esperienze così ricche con i miei studenti. “

Arthur Rubinstein è stato scelto anche da Simon Trpceski, Jayson Gillham e Margaret Fingerhut.

Sviatoslav Richter (1915-1997)

Chi era? Un pianista russo di origini tedesche che è diventato il musicista preminente dell’URSS.

Cosa lo rende eccezionale? Tecnica solida come una roccia combinata con una sorprendente varietà di suoni.

Barry Douglas Sull’intensità di Richter

“Ho sentito Richter suonare molte volte in Inghilterra, Francia e America e ciò che amavo di lui era che era in grado di far suonare il pianoforte non come un pianoforte – suonava come un’orchestra o talvolta come un coro.Inoltre, qualsiasi cosa facesse allo strumento sembrava sempre perfettamente giusta. Non sembravano le sue idee; sembrava l’unico modo per farlo. Ogni artista dovrebbe mirare, se è serio, a rimuovere se stesso dall’equazione e andare al cuore o all’essenza della musica. Pochissimi artisti possono farlo, ma per Richter era del tutto naturale.

Era anche un musicista molto serio: dopo i concerti spesso decideva che aveva bisogno di esercitarsi, e tornava a casa e si esercitava per un altro due ore. Ha anche insistito sul fatto che ogni programma di recital contenga almeno un nuovo brano. Quindi il suo repertorio era vasto. Non credo che le sue registrazioni in studio abbiano avuto così tanto successo: non lo rappresentavano davvero. Sono le registrazioni dal vivo che sono sorprendenti. Tutti parlano del recital di Sofia del 1958 dove interpreta Feux Follets di Liszt e Pictures at an Exhibition di Mussorgsky. Tuttavia, anche le sue registrazioni delle sonate di Beethoven non sono seconde a nessuno, per non parlare del repertorio russo – i piccoli pezzi di Čajkovskij – e di Prokofiev, che ha scritto per lui la sua Settima Sonata.

al Concorso Tchaikovsky nel 1984 mi ha inviato messaggi tramite altri dicendo quanto pensava che fossi fantastico, il che è stato molto dolce. Vorrei aver avuto la possibilità di conoscerlo meglio.

Guarderò sempre Richter. Un artista che si esibisce non deve copiare, ma puoi essere ispirato dall’essenza di ciò che qualcuno rappresentava, ed è quello che faccio con lui. So molto profondamente dentro di me che sto cercando di afferrare ciò che Richter aveva, che è un’incredibile, ardente, ardente intensità di passione per la musica – questo è ciò che è emerso quando suonava. Era assolutamente ossessionato e posseduto dalla musica. “

Sviatoslav Richter è stato scelto anche da Howard Shelley, Anna Goldsworthy e Piotr Anderszewski.

Vladimir Horowitz (1903-1989)

Chi era? Un pianista di origine russa che partì per l’Occidente all’età di 21 anni, dove fu descritto come un “tornado scatenato dalle steppe”. Famoso soprattutto per le sue esibizioni di repertorio pianistico romantico e, sorprendentemente, Scarlatti, tornò in Russia per un trionfante recital di addio nel 1986.

Che cosa lo rende eccezionale? virtuosismo scintillante e uso straordinario del colore dei toni, combinati con un talento per emozionare il suo pubblico, creando furore ai suoi recital dal vivo.

Ingolf Wunder Sui doni divini di Horowitz

“Horowitz combinava un pianismo di alta classe con un gusto unico per la musica e l’interpretazione. Ciò che lo ha reso unico era la sua capacità di cesellare i suoi sentimenti e stati d’animo dalle strutture e dal materiale armonico della partitura. Penso di aver sentito Horowitz per la prima volta quando avevo 14 anni. Ero semplicemente sbalordito dal suo tono e dalla varietà di colori che poteva produrre. E suonava sempre come la sua mano era costruita, senza mai tradire il suo gusto e la sua visione della musica. Era sempre se stesso e tutto ciò che toccava diventava suo. Il suo modo di suonare non è mai mediocre, o funziona o no. Ma se funziona, è semplicemente divino, incomparabile con qualsiasi cosa tu abbia mai sentito.

In un certo senso, Horowitz è il prodotto di un tempo che ha prodotto così tanti grandi pianisti. Credo che da allora il modo di pensare e la nostra vita siano cambiati. Ora i musicisti possono andare su Internet e ascoltare quasi tutte le registrazioni di qualsiasi pezzo; allora erano costretti a pensare da soli. Alle piccole cose veniva data maggiore importanza perché non era possibile andare da nessuna parte all’istante. Non riguardava necessariamente chi può suonare il più veloce o qualsiasi altro aspetto competitivo, era più sulla musica. Ci sono ancora alcuni musicisti come Horowitz e quei vecchi grandi, e questa è la scuola in cui
dovremmo tornare. “

Vladimir Horowitz è stato scelto anche da Freddy Kempf, Gerard Willems, Konstantin Scherbakov.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Chi era? Pianista e compositore nato in Russia, diplomato al Conservatorio di Mosca nella stessa classe del compositore Alexander Scriabin. Tra le sue composizioni c’è il Concerto per pianoforte n. 2, spesso votato come il pezzo di musica classica più popolare di tutti i tempi. Lasciò la Russia nel 1917, intraprendendo una carriera come pianista itinerante per sostenere se stesso e la sua famiglia. È diventato cittadino americano poco prima della sua morte.

Cosa lo rende eccezionale? Una tecnica con le dita quasi sovrumane, che gli ha permesso di mantenere la lucidità anche nei passaggi più nodosi. Ciò era in parte dovuto alle sue famose mani grandi, in grado di coprire 12 pollici, o un 13 ° (da C1 a A2) sul pianoforte. Aveva anche un tono di canto meravigliosamente, paragonato a quello del violinista Fritz Kreisler, che gli permetteva di estrarre una dolcezza infinita da una melodia.

Leslie Howard sul più grande pianista che abbia mai fatto un disco

“La cosa straordinaria del modo di suonare di Rachmaninov è quanto sia onesto.Niente si frappone tra il suo modo di suonare e la sua idea del perché valesse la pena registrare il brano musicale. Il suo modo di suonare non è mai disordinato, non è mai pignolo e c’è una completa assenza di trucchi economici – abbastanza insolito per il tempo che stava registrando. Penso che sia il più grande pianista della sua età e sono sicuro che sia il miglior pianista che abbia mai realizzato un disco.

Certo, la sua tecnica è straordinaria, ma il dono di ogni buona tecnica è che tu ” non te ne accorgi quando lo ascolti. Se lo senti suonare Si oiseau j’étais di Henselt, per esempio, sembra il pezzo da salotto più affascinante. Ma se ti sei mai seduto per suonarlo, saprai perfettamente che è un terrore assoluto.

Rachmaninov ha anche un modo di affrontare il ritmo che lo rende immediatamente riconoscibile. A volte lo fa suonando un ritmo che non è esattamente quello che è nella partitura, ma esce come quello che avrebbe dovuto essere nella partitura. Prendi la sua registrazione con Fritz Kreisler dell’Opus 30 No 3 Sonata of Beethoven, per esempio. Senti ogni singola nota e ogni singola nota è importante quanto ogni altra, ed è così che dovrebbe essere suonato Beethoven, ma raramente lo è.

Essendo un compositore, Rachmaninov possedeva anche una formidabile mente musicale. Ha sezionato ogni pezzo prima di mettere le mani sulla tastiera. E poteva farlo perché le sue capacità compositive erano così raffinate.

A volte penso che quando suona la sua musica sia meno attento, quasi come se non pensasse che ci dovrebbe essere così tanto clamore su lui. Ma quando senti quanto sia del tutto instabile, in senso emotivo, il suo modo di suonare la sua musica, scoraggia i pianisti dal crogiolarsi in essa, come fanno molti di loro. Poi, se vuoi suonare romantico, può farlo anche lui, e di nuovo penso a una delle registrazioni con Kreisler della Sonata n. 3 di Grieg. Il secondo movimento è straordinariamente meraviglioso e il modo in cui suona la melodia è completamente diverso dal modo in cui Kreisler lo riproduce. Rende il pezzo più ricco di eventi di quanto non sia in realtà: è un cracker di una registrazione!

C’è un motivo per cui Rachmaninov non ha registrato di più, e questo a causa dei rapporti tesi che aveva con le persone a la Victor Talking Machine Company, che pensava di ottenere troppi soldi per le sue registrazioni, e che rifiutò molte delle cose che si offriva di registrare. Ad esempio, stava per dare una registrazione gratuita del primo concerto per pianoforte di Beethoven, a condizione che gli permettessero di registrare le sue danze sinfoniche orchestrali, e hanno rifiutato l’offerta.

Il motivo per cui la registrazione che facciamo avere lui che suona il suo terzo concerto è, a molte orecchie, un po ‘inadeguato perché ha dovuto tornare indietro e registrare di nuovo la prima parte quattro mesi dopo. Ci ha inserito delle parti all’ultimo momento perché il produttore Charles Connell gli ha dato fastidio, dicendo che non sapeva suonare il piano e non sapeva nemmeno comporre. In breve, ha reso l’intera cosa profondamente spiacevole per Rachmaninov. Quindi dobbiamo ringraziare questo signor Connell per non avere la Sonata di Liszt, la Sonata Hammerklavier, la Sonata di Waldstein e la Sonata in si minore di Chopin. Delle registrazioni che abbiamo, è molto difficile scegliere un preferito, ma adoro la sua registrazione del Carnevale di Schumann. Penso che sia perfetto suonare il piano dall’inizio alla fine. “

Sergei Rachmaninov è stato scelto anche da Stephen Kovacevich, Denis Matsuev e Alexey Yemtsov.

Perché ci sono così tanti grandi pianisti russi?

Dal 19 ° secolo in Russia c’è stata un’educazione musicale molto sistematica per bambini, che è iniziata con la fondazione del Conservatorio imperiale di Mosca. Rachmaninov è venuto a studiare lì all’età di 14 anni. Viveva a casa di Nikolai Zverev, che aveva creato un collegio per giovani studenti, a cui era richiesto di esercitarsi sei ore al giorno, oltre allo studio scolastico. .

Quella scuola si trasformò nella Central Music School nell’era sovietica e il sistema si espanse in tutto il paese. Oggi in Russia c’è una seria educazione musicale per i bambini a partire da quando sono abbastanza grandi da raggiungere le chiavi. Vladimir Ashkenazy, Grigory Sokolov e Mikhail Pletnev sono prodotti di questa scuola sovietica piuttosto severa.

Quindi i bambini studiano per sette o otto anni in una scuola di musica speciale, poi a 15 anni vanno al college di musica per tre anni. E questo è tutto prima che si iscrivano al Conservatorio.

Quindi, se un bambino ha talento, all’età di 16 anni può suonare praticamente tutto. Ciò significa che quando gli studenti russi vengono al Conservatorio, sono già pianisti professionisti. Non hanno quasi limiti tecnici da superare e possono concentrarsi solo sul diventare un artista. Quindi non è solo come prendere lezioni di piano con un insegnante: è un’istruzione musicale sistematica e totalmente gratuita. I geni nascono ovunque, ma solo in Russia vengono allevati in questo modo.

Elena Kuznetsova
Decano di pianoforte, Conservatorio di Mosca