Paesi Bassi (1872-1911) Modifica

Mondrian nacque ad Amersfoort, provincia di Utrecht nei Paesi Bassi, il secondo dei figli dei suoi genitori. Discendeva da Christian Dirkzoon Monderyan, che viveva all’Aia già nel 1670. La famiglia si trasferì a Winterswijk quando suo padre, Pieter Cornelius Mondrian, fu nominato dirigente scolastico in una scuola elementare locale. Mondrian è stato introdotto all’arte sin dalla tenera età. Suo padre era un insegnante di disegno qualificato e, con suo zio Fritz Mondrian (allievo di Willem Maris della Scuola di artisti dell’Aia), il giovane Piet dipingeva e disegnava spesso lungo il fiume Gein.

Dopo una rigida educazione protestante, nel 1892, Mondrian entrò all’Accademia di Belle Arti di Amsterdam. Era già qualificato come insegnante. Ha iniziato la sua carriera come insegnante nella scuola primaria, ma ha anche praticato la pittura. La maggior parte del suo lavoro di questo periodo è naturalistico o impressionista, costituito principalmente da paesaggi. Queste immagini pastorali del suo paese natale raffigurano mulini a vento, campi e fiumi, inizialmente alla maniera impressionista olandese della Scuola dell’Aia e poi in una varietà di stili e tecniche che attestano la sua ricerca di uno stile personale. Questi dipinti sono rappresentativi e illustrano l’influenza che vari movimenti artistici ebbero su Mondrian, tra cui il puntinismo e i colori vividi del fauvismo.

In mostra al Gemeentemuseum Den Haag ci sono una serie di dipinti di questo periodo, comprese opere post-impressioniste come The Red Mill e Trees in Moonrise. Un altro dipinto, Evening (Avond) (1908), raffigurante un albero in un campo al tramonto, fa addirittura presagire sviluppi futuri utilizzando una tavolozza composta quasi interamente da rosso, giallo e blu. Sebbene Avond sia solo limitatamente astratto, è il primo dipinto di Mondrian a enfatizzare i colori primari.

I primi dipinti di Mondrian che mostrano un grado di astrazione sono una serie di tele dal 1905 al 1908 che raffigurano scene scure di alberi indistinti e case riflesse nell’acqua ferma. Sebbene il risultato induca lo spettatore a concentrarsi sulle forme piuttosto che sul contenuto, questi dipinti sono ancora saldamente radicati nella natura e è solo la conoscenza dei successi successivi di Mondrian che porta a cercare in queste opere le radici della sua futura astrazione.

L ‘arte di Mondrian era intimamente legata ai suoi studi spirituali e filosofici. Nel 1908 , si interessò al movimento teosofico lanciato da Helena Petrovna Blavatsky alla fine del XIX secolo, e al 1909 entrò a far parte della filiale olandese della Società Teosofica. Il lavoro di Blavatsky e un movimento spirituale parallelo, l’Antroposofia di Rudolf Steiner, influenzò in modo significativo l’ulteriore sviluppo della sua estetica. Blavatsky credeva che fosse possibile raggiungere una conoscenza della natura più profonda di quella fornita dai mezzi empirici, e gran parte di Mondrian Il suo lavoro per il resto della sua vita fu ispirato dalla sua ricerca di quella conoscenza spirituale. Nel 1918 scrisse “Ho preso tutto dalla Dottrina Segreta”, riferendosi a un libro scritto da Blavatsky. Nel 1921, in una lettera a Steiner, Mondrian sostenne che il suo neoplasticismo era “l’arte del prevedibile futuro per tutti i veri antroposofisti e teosofi”. Negli anni successivi rimase un teosofo impegnato, sebbene credesse anche che la sua corrente artistica, il neoplasticismo, sarebbe finalmente diventato parte di una spiritualità ecumenica più ampia.

Mondrian e il suo lavoro successivo furono profondamente influenzati dal 1911 Moderne Kunstkring mostra del cubismo ad Amsterdam. La sua ricerca di semplificazione è mostrata in due versioni di Still Life with Ginger Pot (Stilleven met Gemberpot). La versione del 1911 è cubista; nella versione del 1912 gli oggetti sono ridotti a una forma rotonda con triangoli e rettangoli.

Parigi (1911-1914) Modifica

Nel 1911, Mondrian si trasferì a Parigi e cambiò il suo nome, lasciando una “a” da Mondrian, per sottolineare la sua partenza dai Paesi Bassi, e la sua integrazione nell’avanguardia parigina. Mentre a Parigi, l’influenza dello stile cubista di Pablo Picasso e Georges Braque apparve quasi immediatamente nell’opera di Mondrian. Dipinti come Il mare (1912) ei suoi vari studi sugli alberi di quell’anno contengono ancora una misura di rappresentazione, ma , sempre più, sono dominati da forme geometriche e piani ad incastro. Mentre Mondrian era ansioso di assorbire l’influenza cubista nel suo lavoro, sembra chiaro che vedeva il cubismo come un “porto di scalo” nel suo viaggio artistico, piuttosto che come una destinazione .

Paesi Bassi (1914-1918) Modifica

A differenza dei cubisti, Mondrian tentò ancora di conciliare la sua pittura con le sue attività spirituali e nel 1913 iniziò a fondere la sua arte e la sua teoria teosofica. studia una teoria che segna la sua definitiva rottura dalla pittura rappresentativa. Mentre Mondrian era in visita nei Paesi Bassi nel 1914, iniziò la prima guerra mondiale, costringendolo a rimanere lì per tutta la durata del conflitto. Durante questo periodo rimase presso gli artisti di Laren ” colon y, dove ha incontrato Bart van der Leck e Theo van Doesburg, che stavano entrambi intraprendendo i propri viaggi personali verso l’astrazione. L’uso da parte di Van der Leck dei soli colori primari nella sua arte influenzò notevolmente Mondrian. Dopo un incontro con Van der Leck nel 1916, Mondrian scrisse: “La mia tecnica che era più o meno cubista, e quindi più o meno pittorica, rientrava nel influenza del suo metodo preciso. “Con Van Doesburg, Mondrian fondò De Stijl (The Style), una rivista del gruppo De Stijl, in cui pubblicò per la prima volta saggi che definivano la sua teoria, che chiamò neoplasticismo.

Mondrian pubblicò “De Nieuwe Beelding in de schilderkunst” (“La nuova plastica nella pittura”) in dodici fascicoli tra il 1917 e il 1918. Questo fu il suo primo grande tentativo di esprimere la sua teoria artistica per iscritto. Mondrian “il migliore e più spesso citato espressione di questa teoria, tuttavia, viene da una lettera che scrisse ad HP Bremmer nel 1914:

costruisco linee e combinazioni di colori su una superficie piana, in per esprimere la bellezza generale con la massima consapevolezza. La natura (o, ciò che vedo) mi ispira, mi mette, come con qualsiasi pittore, in uno stato emotivo in modo che venga il bisogno di fare qualcosa, ma io voglio avvicinarmi il più possibile alla verità e astrarre tutto da che, fino a raggiungere il fondamento (pur sempre solo un fondamento esterno!) delle cose … credo sia possibile che, attraverso linee orizzontali e verticali costruite con consapevolezza, ma non con calcolo, guidate da alta intuizione, e portate all’armonia e al ritmo , queste forme basilari di bellezza, integrate se necessario da altre linee dirette o curve, possono diventare un’opera d’arte, tanto forte quanto vera.

Parigi (1918-1938) Modifica

uando la prima guerra mondiale finì nel 1918, Mondrian tornò in Francia, dove rimarrà fino al 1938. Immerso nella cultura dell’innovazione artistica parigina del dopoguerra, fiorì e abbracciò pienamente l’arte della pura astrazione per il resto della sua vita. Mondrian iniziò a produrre dipinti a griglia alla fine del 1919 e nel 1920 iniziò ad apparire lo stile per cui divenne famoso.

Nei primi dipinti di questo stile, le linee che delineano le forme rettangolari sono relativamente sottili, e sono grigie, non nere. Anche le linee tendono a t o svaniscono quando si avvicinano al bordo del dipinto, invece di fermarsi bruscamente. Le forme stesse, più piccole e più numerose che nei dipinti successivi, sono riempite di colori primari, nero o grigio, e quasi tutte sono colorate; ne rimangono solo pochi bianchi.

Durante la fine del 1920 e il 1921, i dipinti di Mondrian arrivano a quella che per gli osservatori casuali è la loro forma definitiva e matura. Spesse linee nere ora separano le forme, che sono più grandi e meno di numero e più moduli vengono lasciati bianchi.Tuttavia, questo non fu il culmine della sua evoluzione artistica. Sebbene le raffinatezze diventassero più sottili, il lavoro di Mondrian continuò ad evolversi durante i suoi anni a Parigi.

Nei dipinti del 1921, molte linee nere, anche se non tutte, si interrompono a una distanza apparentemente arbitraria dal bordo della tela, sebbene le divisioni tra le forme rettangolari rimangano intatte. Anche qui le forme rettangolari rimangono per lo più colorate. Con il passare degli anni e l’ulteriore evoluzione del lavoro di Mondrian, ha iniziato a estendere tutte le linee fino ai bordi del tela, e iniziò a usare sempre meno forme colorate, privilegiando invece il bianco.

Queste tendenze sono particolarmente evidenti nelle opere a “losanga” che Mondrian iniziò a produrre con regolarità a metà degli anni ’20. I quadri a “losanga” sono tele quadrate inclinate di 45 gradi, in modo da avere una forma a rombo. Tipico di questi è Schilderij n. 1: losanga con due linee e blu (1926). Una delle tele più minimali di Mondrian, questo dipinto è costituito solo da due linee perpendicolari nere e una piccola forma triangolare blu. Le linee si estendono fino ai bordi della tela, quasi dando l’impressione che il dipinto sia un frammento di un’opera più grande.

Sebbene la visione del dipinto sia ostacolata dal vetro che lo protegge e dal tributo che l’età e la manipolazione hanno ovviamente subito sulla tela, un attento esame di questo dipinto inizia a rivelare qualcosa del metodo dell’artista. Il dipinto non è composto da piani di colore perfettamente piatti, come ci si potrebbe aspettare. Le pennellate sottili sono evidenti ovunque. L’artista sembra aver utilizzato tecniche diverse per i vari elementi. Il nero le linee sono gli elementi più piatti, con la minima quantità di profondità. Le forme colorate hanno le pennellate più evidenti, tutte che corrono in una direzione. Le più interessanti, tuttavia, sono le forme bianche, che chiaramente sono state dipinte a strati, usando il pennello str okes correre in direzioni diverse. Questo genera un maggiore senso di profondità nelle forme bianche così che sembrano sopraffare le linee ei colori, cosa che in effetti stavano facendo, poiché i dipinti di Mondrian di questo periodo venivano sempre più dominati dallo spazio bianco.

Nel 1926, Katherine Dreier, co-fondatrice della Society of Independent Artists di New York (insieme a Marcel Duchamp e Man Ray), visitò lo studio di Piet Mondrian a Parigi e acquistò una delle sue composizioni di diamanti, Painting I . Ciò è stato poi mostrato durante una mostra organizzata dalla Society of Independent Artists al Brooklyn Museum – la prima grande mostra di arte moderna in America dopo l’Armory Show. Ha dichiarato nel catalogo che “l’Olanda ha prodotto tre grandi pittori che, sebbene un’espressione logica del proprio paese, è salito al di sopra di esso grazie al vigore della loro personalità: il primo era Rembrandt, il secondo era Van Gogh e il terzo è Mondrian. “

Con il passare degli anni, le linee cominciò ad avere la precedenza sulle forme in Mo dipinti di ndrian. Negli anni ’30, iniziò a usare linee più sottili e doppie più frequentemente, punteggiate da alcune piccole forme colorate, se non del tutto. Le doppie battute eccitavano particolarmente Mondrian, perché credeva che offrissero ai suoi dipinti un nuovo dinamismo che era ansioso di esplorare. L’introduzione della doppia linea nel suo lavoro è stata influenzata dal lavoro del suo amico e contemporaneo Marlow Moss.

Dal 1934 al 1935, tre dipinti di Mondrian furono esposti come parte della mostra “Abstract and Concrete”. “mostre nel Regno Unito a Oxford, Londra e Liverpool.

Londra e New York (1938-1944) Modifica

Nel settembre 1938, Mondrian lasciò Parigi di fronte all’avanzare del fascismo e si trasferì a Londra. Dopo che i Paesi Bassi furono invasi e Parigi cadde nel 1940, lasciò Londra per Manhattan nel New York City, dove rimarrà fino alla sua morte. Alcune delle opere successive di Mondrian sono difficili da collocare in termini di sviluppo artistico perché c’erano parecchie tele in cui iniziò Parigi o Londra e completato solo mesi o anni dopo a Manhattan. Le opere finite di questo periodo successivo sono visivamente impegnate, con più linee di qualsiasi sua opera dagli anni ’20, collocate in una disposizione sovrapposta dall’aspetto quasi cartografico. Trascorreva molte lunghe ore a dipingere da solo fino a quando le sue mani si riempivano di vesciche, ea volte piangeva o si ammalava.

Mondrian produsse Composizione a losanghe con quattro linee gialle (1933), un semplice dipinto che innovò denso e colorato. linee invece di quelle nere. Dopo quell’unico dipinto, questa pratica rimase assopita nell’opera di Mondrian fino al suo arrivo a Manhattan, momento in cui iniziò ad abbracciarla con abbandono.In alcuni esempi di questa nuova direzione, come Composizione (1938) / Place de la Concorde (1943), sembra aver preso da Parigi dipinti a linee nere incompiuti e li ha completati a New York aggiungendo brevi linee perpendicolari di diversi colori, correndo tra le linee nere più lunghe, o da una linea nera al bordo della tela. Le aree appena colorate sono spesse, quasi colmano il divario tra linee e forme, ed è sorprendente vedere il colore in un dipinto di Mondrian che è sconfinato dal nero. Altre opere mescolano lunghe linee di rosso tra le familiari linee nere, creando un nuovo senso di profondità con l’aggiunta di uno strato colorato sopra quello nero. Il suo dipinto Composizione n. 10, 1939-1942, caratterizzato da colori primari, fondo bianco e linee di griglia nere definiscono chiaramente l’approccio radicale ma classico di Mondrian al rettangolo.

Il 23 settembre 1940 Mondrian lasciò l’Europa per New York a bordo della nave Cunard White Star Lines RMS Samaria, in partenza da Liverpool. Le nuove tele che Mondrian ha iniziato a Manhattan sono ancora più sorprendenti, e indicano l’inizio di un nuovo idioma interrotto dalla morte dell’artista. New York City (1942) è un complesso reticolo di linee rosse, blu e gialle, che occasionalmente si intrecciano per creare un maggiore senso di profondità rispetto ai suoi lavori precedenti. Una versione incompiuta del 1941 di quest’opera utilizza strisce di nastro di carta dipinta, che l’artista può riorganizzare a piacimento per sperimentare diversi disegni.

Il suo dipinto Broadway Boogie-Woogie (1942-1943) al Museum of Modern Art a Manhattan è stato molto influente nella scuola di pittura geometrica astratta. Il pezzo è composto da una serie di quadrati luccicanti di colore brillante che saltano fuori dalla tela, poi sembrano luccicare, attirando lo spettatore in quelle luci al neon. In questo dipinto e nell’incompiuto Victory Boogie Woogie (1942-1944), Mondrian sostituì le vecchie linee continue con linee create da piccoli rettangoli adiacenti di colore, creati in parte utilizzando piccoli pezzi di nastro di carta in vari colori. Rettangoli di colore illimitati più grandi punteggiano il disegno, alcuni con rettangoli concentrici più piccoli al loro interno. Mentre le opere di Mondrian degli anni ’20 e ’30 tendono ad avere un’austerità quasi scientifica, si tratta di dipinti luminosi e vivaci, che riflettono la musica allegra che li ha ispirati e la città in cui sono stati realizzati.

In questi lavori finali, le forme hanno infatti usurpato il ruolo delle linee, aprendo un’altra nuova porta allo sviluppo di Mondrian come astrattista. I dipinti di Boogie-Woogie furono chiaramente più un cambiamento rivoluzionario che evolutivo, rappresentando lo sviluppo più profondo nel lavoro di Mondrian dal suo abbandono dell’arte figurativa nel 1913.

Nel 2008 il programma televisivo olandese Andere Tijden ha trovato l’unico filmato noto con Mondrian. La scoperta del filmato è stata annunciata alla fine di un programma di ricerca biennale sul Victory Boogie Woogie. La ricerca ha rilevato che il dipinto era in ottime condizioni e che Mondrian ha dipinto il composizione in una sessione. Si è anche scoperto che la composizione è stata cambiata radicalmente da Mondrian poco prima della sua morte utilizzando piccoli pezzi di nastro colorato.

Wall worksModifica

Quando i 47 anni -il vecchio Piet Mondrian lasciò i Paesi Bassi per la Parigi sfrenata per la seconda e ultima volta nel 1919, si accinse subito a fare del suo studio un ambiente favorevole per i dipinti che aveva in mente che avrebbero espresso sempre più i principi delle neoplasie ticismo di cui scriveva da due anni. Per nascondere i difetti strutturali dello studio in modo rapido ed economico, ha attaccato grandi cartelli rettangolari, ciascuno in un unico colore o tonalità neutra. Quadrati e rettangoli di carta colorata più piccoli, composti insieme, hanno accentuato le pareti. Poi è arrivato un intenso periodo di pittura. Ancora una volta si è rivolto alle pareti, riposizionando i ritagli colorati, aumentandone il numero, alterando le dinamiche del colore e dello spazio, producendo nuove tensioni ed equilibri. In poco tempo, aveva stabilito un programma creativo in cui un periodo di pittura si alternava con un periodo di raggruppare sperimentalmente le carte più piccole sui muri, un processo che alimentò direttamente il successivo periodo di pittura. Era un modello che seguì per il resto della sua vita, durante i trasferimenti in tempo di guerra da Parigi all’Hampstead di Londra nel 1938 e 1940, attraverso l’Atlantico a Manhattan.

All’età di 71 anni nell’autunno del 1943, Mondrian si trasferì nel suo secondo e ultimo studio di Manhattan al 15 East 59th Street, e iniziò a ricreare l’ambiente h Negli anni aveva imparato che era più congeniale al suo modo di vivere modesto e più stimolante alla sua arte.Ha dipinto le alte pareti dello stesso bianco sporco che ha usato sul suo cavalletto e sui sedili, tavoli e contenitori che ha progettato e modellato meticolosamente con casse di mele e arance scartate. Lucidò la parte superiore di uno sgabello di metallo bianco nello stesso brillante rosso primario che applicò alla guaina di cartone che aveva realizzato per il radiofonografo che riversava il suo amato jazz da dischi ben viaggiati. I visitatori di questo ultimo studio raramente hanno visto più di una o due nuove tele, ma hanno scoperto, spesso con loro stupore, che otto grandi composizioni di pezzi di carta colorata che aveva appiccicato e riattaccato alle pareti in rapporti mutevoli costituivano insieme un ambiente che, paradossalmente e contemporaneamente, era cinetico e sereno, stimolante e riposante. Era lo spazio migliore, disse Mondrian, che avesse abitato. Rimase lì solo per pochi mesi, poiché morì nel febbraio 1944.

Dopo la sua morte, l’amico e sponsor di Mondrian a Manhattan, l’artista Harry Holtzman, e un altro amico pittore, Fritz Glarner, documentarono accuratamente lo studio su pellicola e in fotografie prima di aprirlo al pubblico per una mostra di sei settimane. Prima di smantellare lo studio, Holtzman (che era anche l’erede di Mondrian) ha tracciato con precisione le composizioni murali, preparato esattamente facsimili portatili dello spazio ciascuno aveva occupato e apposto a ciascuno i componenti originali superstiti del ritaglio. Queste composizioni Mondrian portatili sono diventate note come “The Wall Works”. Dalla morte di Mondrian, sono stati esposti due volte al Manhattan “s Museum of Modern Art (1983 e 1995-1996), una volta a SoHo alla Carpenter + Hochman Gallery (1984), una volta ciascuno alla Galerie Tokoro di Tokyo, Giappone (1993), la XXII Biennale di San Paolo (1994), l’Università del Michigan (1995), e – la prima volta in Europa – all’Akademie der Künste (Accademia delle arti), a Berlino (22 febbraio – 22 Aprile 2007).