Qu’est-ce qui le rend génial? Un engagement à sonder les profondeurs intellectuelles et spirituelles d’une œuvre, tout en évitant les démonstrations de bravoure technique.

Jonathan Biss Sur le son vivant de Schnabel

« Si on me demandait quel pianiste j’aimais le plus, je ne pourrais jamais répondre – trop de possibilités! Mais s’il s’agit de savoir qui m’a inspiré, c’est facile: Artur Schnabel. Ma première exposition à son les enregistrements des Sonates de Beethoven sont arrivés au début de mon adolescence et ont rapidement conduit à une obsession pour ces œuvres que je m’attends à durer toute ma vie. Je ne pouvais pas comprendre comment il pouvait transmettre tant de sens – la spiritualité, même – entre deux notes, ou comment il a réussi à produire à partir de cet instrument de touches et de marteaux un son qui était si flottant, résistant à la gravité, vivant. Ces deux objectifs – faire un son qui vit, et trouver de la musique non seulement dans les notes, mais autour d’eux – sont toujours primordiaux pour moi, près de deux décennies plus tard.

Quand je suis allé étudier avec Leon Fleisher, J’ai été touché de l’entendre parler de Schnabel, son propre professeur, avec le même genre de respect. Les propres idées de Fleisher sur la musique sont convaincantes, et il est d’une éloquence incomparable pour les exprimer, mais c’est souvent qu’il nous disait simplement ce que Schnabel lui avait dit à propos de cette pièce ou de cela, sur un ton qui suggérait qu’il n’y avait pas de plus grand autorité. J’aime penser que j’ai peut-être appris quelque chose à travers cette lignée, et chaque jour, j’essaie d’apporter à ma musique quelque chose de la dévotion, de la compréhension et, surtout, de l’amour, qui émane de chaque note jouée par l’homme. « 

Wilhelm Kempff (1895-1991)

Choisi par Cyprien Latsaris, Michael Endres, David Fray et Eldar Nebolsin.

Qui était-il? Un pianiste allemand qui s’est concentré sur les grands de la musique allemande et qui a joué des concerts jusque dans les années quatre-vingt.

Qu’est-ce qui le rend génial? Inventivité rythmique et talent pour faire ressortir le lyrisme, le charme et la spontanéité de la musique, en particulier dans des pièces ou des passages intimistes.

Cyprien Latsaris On Kempff en concert

« J’ai entendu Kempff vivre à Paris pour la première fois quand j’avais environ 13 ans, puis j’ai acheté quelques enregistrements de Beethoven et Brahms. Il n’avait pas la meilleure technique pianistique, mais il était très spécial. Il a créé des moments musicaux sublimes et divins qui nous ont transportés vers les cieux. Je suis sûr qu’il aurait eu autant de succès en concert aujourd’hui, car le facteur le plus important pour un musicien est d’avoir une personnalité très particulière, et il avait cette caractéristique.

Il a aussi influencé ce que je fais au piano en me faisant me mettre dans un état second, un état spirituel, avant de jouer. Il y a tellement de ses enregistrements que je chéris, car Kempff excelle à Beethoven , Brahms, Schumann, Schubert et Bach. Mais, en particulier, je nommerais le Kl avierstücke de Brahms, les sonates moyennes de Beethoven et les Concertos nos 2 & 4, les transcriptions de Bach et le Schubert Klavierstücke. « 

Alfred Brendel (né en 1931)

Choisi par Paul Lewis, Steven Osborne, Imogen Cooper et Till Fellner.

Qui est-il? Un pianiste et professeur autrichien maintenant basé à Londres, qui a enregistré quatre ensembles complets des sonates de Beethoven.

Qu’est-ce qui le rend génial? Une adhésion rigoureuse à la partition sans jamais paraître sèche ou académique, et un talent pour trouver des moments d’humour inattendus, en particulier
dans le répertoire classique.

Paul Lewis En étudiant avec Brendel

« J’ai eu des cours avec Alfred Brendel dans les années 1990, et il a été une grande inspiration. Il parlait de musique et je pensais: » Ouais, ça a vraiment du sens « . Et puis il s’asseyait et montrait des choses, et c’est alors que l’ampoule s’est vraiment allumée. La première fois que je l’ai rencontré, c’était quand j’avais 20 ans à la Guildhall School of Music. Je me souviens m’être senti très nerveux et intimidé. En voyant la silhouette des lunettes et des cheveux traverser la salle, je me souviens avoir pensé: «  Oh mon dieu, c’est lui!  » J’ai joué une sonate de Haydn pour lui et il était clair dès le début qu’il ne s’intéressait qu’à la musique . C’est tout ce qui compte. Vous vous sentez peut-être inquiet pour vous-même, mais ce n’est pas le plus important car il ne s’inquiète pas du tout, sauf de ce que vous jouez. Cela correspondait à l’impression que j’avais eue de lui avant de le rencontrer, de ses concerts et enregistrements – celle d’un musicien incroyablement sérieux. Ce fut une grande inspiration et un privilège de travailler avec lui au cours de ces années. »

Glenn Gould (1932-1982)

Élu par Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say et Jean-Efflam Bavouzet.

Qui était-il?Un pianiste canadien très excentrique qui, après une brillante carrière de concertiste, a évité la scène à l’âge de 31 ans pour se concentrer sur les enregistrements et les projets expérimentaux.

Qu’est-ce qui le rend génial? Une capacité prodigieuse à sculpter les multiples lignes de la musique polyphonique, comme celle de Bach, avec une clarté inégalée. Et une apparente incapacité pour erreur technique.

Pascal Rogé sur Gould le récréateur

« J’ai d’abord entendu Gould jouer assez tard, depuis dans ma jeunesse au Conservatoire de Paris, il était complètement inconnu. Aucun de mes collègues ou professeurs n’a jamais mentionné son nom – jusqu’à ce qu’en 1966 je rencontre Bruno Monsaingeon, qui me révéla Gould ainsi qu’au public français à travers ses merveilleux documentaires. C’est difficile à dire ce qui rend le jeu de Gould si spécial, puisque tout dans son jeu est spécial. On peut mentionner le toucher, le phrasé, l’articulation… Mais le plus important est la conception, l’architecture, l’approche personnelle et «créative» de chaque pièce qu’il joue . Il est un créateur, bien plus qu’un interprète: chaque fois que vous entendez un morceau joué par Gould, vous découvrez le morceau pour la première fois. Je me réfère toujours à sa ligne: «Si vous n’êtes pas convaincu, vous pouvez jouer un morceau en une manière complètement nouvelle et unique, ne la jouez pas.  » C’est une affirmation extrême, mais si plein de vérité! Un exemple typique est ses deux enregistrements des Variations de Goldberg, un exemple du génie de Gould en étant même capable de se «recréer». Ce sont à la fois des chefs-d’œuvre et son héritage pour tous les musiciens du monde. Je suis toujours époustouflé quand des pianistes osent jouer (ou même toucher) ce morceau après Gould. Sont-ils totalement inconscients ou totalement prétentieux?

Dans Bach, il est totalement inégalé. En fait, je suis incapable d’entendre, d’accepter ou de concevoir une autre interprétation de Bach que la sienne. Je voudrais dire qu’il a eu une influence sur moi, mais personne n’est assez dérangé pour essayer d’imiter le jeu de Gould! Pourtant, je me souviens quand j’ai enregistré pour la télévision française le premier livre complet du Clavier bien tempéré de Bach. C’était un projet conçu pour lui par Monsaingeon, mais Gould est mort avant d’avoir pu le filmer… Et c’est moi qui ai été choisi pour le «remplacer». Pouvez-vous imaginer la pression?

Je pense que l’héritage de Gould pour tout artiste est «la liberté de création» envers n’importe quel compositeur, mais en même temps en respectant la logique de la musique et l’esprit du compositeur – une équation très difficile! »

Qui était-il? Un pianiste français et professeur au Conservatoire de Paris. Il a été qualifié de « poète du piano » pour sa maîtrise des œuvres lyriques de Chopin, Schumann et Debussy, produisant des enregistrements marquants et des éditions méticuleuses de leur musique.

Qu’est-ce qui le rend grand? style personnel et subjectif qui privilégie l’intuition et le ressenti par rapport à une technique précise, donnant lieu à des performances d’une musicalité luxuriante et transcendante.

Stephen Hough Sur l’individualité de Cortot

« On se souvient parfois de Cortot comme du pianiste qui a joué beaucoup de fausses notes. C’est injuste – pas seulement parce qu’il avait une technique de doigt éblouissante, mais parce qu’il n’a jamais permis de rechercher la précision pour le distraire de la vue d’ensemble. Ses erreurs peuvent parfois être entendues même dans les premières notes des morceaux, mais je trouve ces moments faillibles attachants: le pianiste est consommé par l’inspiration spirituelle et inconscient des risques physiques impliqués. Cortot était un grand virtuose, conscient du pouvoir d’excitation et d’émotion de la musique romantique pour piano, mais on ne se sent jamais manipulé dans sa compagnie musicale. Vous sentez que même ses choix d’interprétation les plus extravagants proviennent d’une honnêteté intérieure complète; il n’est pas assis sous les projecteurs vous obligeant à le regarder, mais tenant plutôt une torche, vous conduisant vers l’illumination.

Je ne me lasse pas d’entendre ses enregistrements, en particulier ceux de Chopin et Schumann des années 1920 et des années 30. Sa combinaison de liberté d’interprétation totale (parfois avec une touche d’excentricité) et de perspicacité pénétrante des souhaits du compositeur est à mon avis unique. Il y a des artistes qui ravissent les auditeurs avec leur individualité sauvage et audacieuse, et il y en a d’autres qui découvrent la partition écrite pour nous avec perspicacité et respect – mais rares sont ceux qui peuvent faire les deux. Cortot avait une vision qui voyait au-delà de l’académique ou du théâtral vers un horizon plus large de la créativité d’où les compositeurs eux-mêmes auraient très bien pu s’inspirer. »

Alfred Cortot a également été choisi par Alfred Brendel, Benjamin Grosvenor et Stanislav Ioudenitch.

Emil Gilels (1916-1985)

Qui était-il? Un pianiste né à Odessa qui a déménagé à Moscou en 1935, devenant, avec Richter, le principal pianiste soviétique de son temps. Lui et le violoniste David Oistrakh ont été parmi les premiers musiciens soviétiques autorisés à donner des concerts en Occident.

Qu’est-ce qui le rend grand?Son son « doré » – une capacité à exécuter les passages les plus éprouvants sans compromettre son ton bruni ou la profondeur de ses sentiments.

Cédric Tiberghie Sur la grandeur de Gilels

« Gilels a ce mélange d’une qualité sonore fantastique et d’une capacité à rendre tout simple lorsque vous l’écoutez. Même quand il joue un simple prélude de Bach, ou le Bach-Siloti Prelude en si mineur, vous pensez que c’est simple à jouer, mais ensuite vous achetez la musique et vous vous dites: «  Oh mon Dieu, c’est impossible!  »

J’ai entendu Gilels pour la première fois quand j’avais huit ou neuf ans – son enregistrement du deuxième concerto de Brahms avec l’Orchestre philharmonique de Berlin. Je n’étais pas au courant que c’était Gilels – ou même un concerto de Brahms – juste une des énormes collections de cassettes de mon père. Mais c’était ma musique préférée et je pense qu’aujourd’hui encore, c’est l’un des plus beaux enregistrements jamais réalisés à partir d’un concerto pour piano. La qualité du son et de la ligne, l’inspiration et la beauté du son – tout est si parfait. C’est en fait assez intimidant de jouer le concerto vous-même. Il joue le premier mouvement si lentement, et vous pensez, OK, je vais faire la même chose – ce qui est une grosse erreur car il est Gilels et vous ne l’êtes pas. Vous avez besoin de ce son doré que Gilels possédait – plus que quiconque dans l’histoire – ainsi que d’une idée claire de la structure et de la direction; et pour cela, vous avez besoin d’une vie d’expérience. De plus, si je compare ma main à la sienne, la sienne était probablement deux fois plus lourde que la mienne. C’est comme Oistrakh au violon, il y a cette question de chair, de matière pure qui crée le son. Si vous avez des mains extrêmement fines, la qualité du ton sera probablement plus claire que celle de Gilels.

Donc je n’essaye pas d’imiter un artiste comme lui, mais j’essaye de garder dans ma tête la grandeur de que fait-il. C’est quelque chose que j’essaie toujours de trouver, pas artificiellement, mais peut-être juste pour ressentir. C’est donc un modèle pour moi à cet égard. »

Emil Gilels a également été choisi par Alice Sara Ott, Olli Mustonen, Lars Vogt.

Arthur Rubinstein (1887-1982)

Qui était-il? Un pianiste polonais qui a quitté l’Europe après la Première Guerre mondiale pour s’installer aux États-Unis.

Qu’est-ce qui le rend génial? Ses interprétations de la musique de Chopin, auxquelles il a apporté un ton brillant et une variété infinie de phrasés.

Roger Woodward sur le partage de l’héritage de Rubinstein

« Lorsque j’étudiais à l’Académie nationale Chopin de Varsovie, notre classe rencontrait parfois les illustres amis du professeur Drzewiecki, dont Arthur Rubinstein. Il jouait pour nous et certains étudiants ont eu le privilège de jouer pour lui. Tout le monde dans la classe connaissait ses enregistrements, car c’étaient les interprétations classiques de Chopin que Drzewiecki nous avait enseignées. La grâce, l’équilibre et la recherche approfondie étaient les maîtres mots de son art, qui faisait preuve de maîtrise mais aussi d’énorme modestie et, contrairement à ce que certaines «  autorités  » avait à dire, une technique sans faille.

Les critiques de Rubinstein, et ils étaient nombreux, avaient tendance à oublier à quel point il était minutieux dans la recherche du répertoire qu’il jouait. Là où d’autres posaient et prétendaient seulement avoir recherché leur sujet, Rubinstein performances puantes de int egrity.

Le premier des trois enregistrements complets de Rubinstein sur Mazurka nous a fourni un point culminant dans notre étude de Chopin, même si pour moi ce sont ses interprétations des Nocturnes qui ont fourni la clé de tous les autres Chopin. Je reste éternellement reconnaissant à Rubinstein pour ses enregistrements et ce qu’il avait à dire à leur sujet.

Rubinstein n’était pas béni par la pure virtuosité de Rachmaninov ou Horowitz, mais il a développé une maîtrise du legato cantabile et du tempo rubato second à aucun. Cela est évident dans des performances «live» miraculeuses d’avant-guerre comme son enregistrement historique des Concertos pour piano de Chopin avec Sir John Barbirolli, bien que ses performances de la même chose avec Witold Rowicki étaient encore plus belles – complètement inoubliables.

Je n’oublierai jamais sa gentillesse et sa générosité envers notre classe, ainsi que son charme, sa modestie et sa recherche scrupuleuse. Bien que je reste étudiant toute ma vie et que je continue à écouter ses nombreux enregistrements merveilleux, je me considère chanceux de partager des expériences aussi riches avec mes propres étudiants. »

Arthur Rubinstein a également été choisi par Simon Trpceski, Jayson Gillham et Margaret Fingerhut.

Sviatoslav Richter (1915-1997)

Qui était-il? Un pianiste russe d’origine allemande qui est devenu le principal musicien de l’URSS.

Qu’est-ce qui le rend génial? Une technique à toute épreuve combinée à une étonnante variété de sons.

Barry Douglas À propos de l’intensité de Richter

« J’ai entendu Richter jouer plusieurs fois en Angleterre, en France et en Amérique et ce que j’aimais chez lui, c’est qu’il était capable de faire sonner le piano pas comme un piano – ça sonnait comme un orchestre ou parfois comme un chœur.De plus, tout ce qu’il faisait à l’instrument semblait toujours parfaitement juste. Cela ne ressemblait pas à ses idées; cela semblait être la seule façon de le faire. Chaque artiste doit viser, s’il est sérieux, à se retirer de l’équation et à aller au cœur ou à l’essence de la musique. Très peu d’artistes peuvent le faire, mais pour Richter, c’était tout à fait naturel.

C’était aussi un musicien très sérieux: après les concerts, il décidait souvent qu’il avait besoin de s’entraîner, et rentrait chez lui et s’entraînerait pour un autre deux heures. Il a également insisté pour que chaque programme de récital contienne au moins une nouvelle pièce. Son répertoire était donc vaste. Je ne pense pas que ses enregistrements en studio aient eu autant de succès: ils ne l’ont pas vraiment représenté. Ce sont les enregistrements live qui sont incroyables. Tout le monde parle du récital de Sofia de 1958 où il interprète les Feux Follets de Liszt et les Tableaux de Moussorgski lors d’une exposition. Pourtant, ses enregistrements des sonates de Beethoven sont également incomparables, sans parler du répertoire russe – les petits morceaux de Tchaïkovski – et de Prokofiev, qui a écrit sa septième sonate pour lui.

Quand j’étais au Concours Tchaïkovski en 1984, il m’a envoyé des messages par l’intermédiaire d’autres personnes disant à quel point il me trouvait fantastique, ce qui était très gentil. J’aurais aimé avoir la chance de mieux le connaître.

Je regarderai toujours Richter. Un artiste ne doit pas copier, mais vous pouvez être inspiré par l’essence de ce que quelqu’un représentait, et c’est ce que je fais avec lui. Je sais au plus profond de moi que j’essaie de comprendre ce que Richter avait, qui est une incroyable, ardente et brûlante intensité de passion pour la musique – c’est ce qui est ressorti quand il a joué. Il était absolument obsédé et possédé par la musique. »

Sviatoslav Richter a également été choisi par Howard Shelley, Anna Goldsworthy et Piotr Anderszewski.

Vladimir Horowitz (1903-1989)

Qui était-il? Un pianiste d’origine russe qui est parti pour l’Occident à 21 ans, où il a été décrit comme une « tornade déchaînée des steppes ». Le plus célèbre pour ses interprétations du répertoire de piano romantique et, étonnamment, Scarlatti, il est retourné en Russie pour un triomphant Récital d’adieu en 1986.

Ce qui le rend génial? Une virtuosité étincelante et une utilisation extraordinaire de la couleur des tons, combinés à un talent pour faire vibrer son public, créant un tollé lors de ses récitals en direct.

Ingolf Wunder À propos des dons divins d’Horowitz

« Horowitz a combiné un pianisme de grande classe avec un goût unique en matière de musique et d’interprétation. Ce qui le rendait unique était sa capacité à ciseler ses sentiments et ses humeurs hors des structures et du matériau harmonique de la partition. Je pense que j’ai entendu Horowitz pour la première fois à l’âge de 14 ans. J’étais juste étonné par son ton et la variété de couleurs qu’il pouvait produire. Et il jouait toujours comme sa main était construite, ne trahissant jamais son goût et sa vision de la musique. Il était toujours lui-même et tout ce qu’il touchait devenait le sien. Son jeu n’est jamais médiocre, ça marche ou ça ne marche pas. Mais si cela fonctionne, c’est tout simplement divin – incomparable avec tout ce que vous avez entendu.

D’une certaine manière, Horowitz est le produit d’une époque qui a produit tant de grands pianistes. Je crois que notre façon de penser et notre vie ont changé depuis. Désormais, les musiciens peuvent aller sur Internet et écouter presque tous les enregistrements de n’importe quel morceau; à l’époque, ils étaient obligés de penser par eux-mêmes. Les petites choses ont reçu une plus grande importance car il n’était pas possible d’aller n’importe où instantanément. Il ne s’agissait pas nécessairement de savoir qui pouvait jouer le plus rapidement ou de tout autre aspect compétitif, mais plutôt de la musique. Il y a encore quelques musiciens qui ressemblent à Horowitz et à ces vieux grands, et c’est l’école dans laquelle nous devrions revenir. »

Vladimir Horowitz a également été choisi par Freddy Kempf, Gerard Willems, Konstantin Scherbakov.

Sergei Rachmaninov (1873-1943)

Qui était-il? Pianiste et compositeur né en Russie, diplômé du Conservatoire de Moscou dans la même classe que le compositeur Alexandre Scriabine. Parmi ses compositions, le Concerto pour piano n ° 2, souvent voté comme la pièce de musique classique la plus populaire de tous les temps. Il quitte la Russie en 1917, se lance dans une carrière de pianiste en tournée afin de subvenir à ses besoins et à ceux de sa famille. Il est devenu citoyen américain peu de temps avant sa mort.

Qu’est-ce qui le rend grand? Une technique de doigt presque surhumainement propre, qui lui a permis de maintenir la clarté même dans les passages les plus noueux. Cela était en partie dû à ses fameuses grandes mains, capables de couvrir 12 pouces, ou une 13e (C1 à A2) au piano. Il avait également un ton magnifiquement chantant, assimilé à celui du violoniste Fritz Kreisler, lui permettant d’extraire une douceur infinie d’une mélodie.

Leslie Howard sur le plus grand pianiste jamais enregistré

« Ce qui est remarquable dans le jeu de Rachmaninov, c’est à quel point il est honnête.Rien ne s’interpose entre son jeu et son idée de pourquoi le morceau de musique valait la peine d’être enregistré. Son jeu n’est jamais encombré, il n’est jamais difficile et il y a une absence totale de trucs bon marché – assez inhabituel pour le moment où il a enregistré. Je pense qu’il est le plus grand pianiste de son âge et je suis sûr qu’il est le meilleur pianiste qui ait jamais fait un disque.

Bien sûr, sa technique est extraordinaire, mais le don de toute bonne technique est que vous ‘ vous n’en êtes pas conscient lorsque vous l’écoutez. Si vous l’entendez jouer Si oiseau j’étais de Henselt, par exemple, cela ressemble à la pièce de salon la plus charmante. Mais si vous vous êtes déjà assis pour le jouer, vous savez parfaitement que c’est une terreur absolue.

Rachmaninov a aussi une façon de gérer le rythme qui le rend instantanément reconnaissable. Parfois, il le fait en jouant un rythme qui ne correspond pas exactement à ce qui est dans la partition, mais cela ressemble à ce qui aurait dû être dans la partition. Prenons son enregistrement avec Fritz Kreisler de la Sonate Opus 30 No 3 de Beethoven, par exemple. Vous entendez chaque note et chaque note est aussi importante que toutes les autres, c’est ainsi que Beethoven devrait être joué, mais rarement.

En tant que compositeur, Rachmaninov possédait également un esprit musical formidable. Il a disséqué chaque morceau avant de mettre ses mains sur le clavier. Et il pouvait le faire parce que ses compétences en composition étaient si raffinées.

Je pense parfois que quand il joue sa propre musique, il est moins prudent – presque comme s’il ne pensait pas tout à fait qu’il devrait y avoir tant de bruit lui. Mais quand vous entendez à quel point son jeu de sa propre musique est totalement instable, au sens émotionnel, cela décourage les pianistes de s’y vautrer, comme beaucoup d’entre eux le font. Ensuite, si vous voulez un jeu romantique, il peut le faire aussi, et encore une fois je pense à l’un des enregistrements avec Kreisler de la Grieg Sonata No 3. Le deuxième mouvement est terriblement merveilleux et la façon dont il joue la mélodie est complètement différente de la façon dont Kreisler le joue. Cela rend la pièce plus mouvementée qu’elle ne l’est en réalité – c’est un cracker d’un enregistrement!

Il y a une raison pour laquelle Rachmaninov n’a pas enregistré plus, et c’est à cause des relations tendues qu’il avait avec les gens de la Victor Talking Machine Company, qui pensait gagner trop d’argent pour ses enregistrements, et qui a refusé de nombreuses choses qu’il proposait d’enregistrer. Par exemple, il allait donner un enregistrement gratuit du premier concerto pour piano de Beethoven, tant qu’ils le laisseraient enregistrer ses danses symphoniques orchestrales, et ils ont refusé l’offre.

La raison pour laquelle l’enregistrement que nous faisons avoir de lui jouer son Troisième Concerto est, à de nombreuses oreilles, un peu insuffisant parce qu’il a dû revenir en arrière et enregistrer à nouveau la première face quatre mois plus tard. Il y a mis des coupures au dernier moment parce que le producteur Charles Connell lui a donné du chagrin, disant qu’il ne pouvait pas jouer du piano et ne pouvait pas composer non plus. En bref, il a rendu tout cela profondément désagréable pour Rachmaninov. Nous devons donc remercier M. Connell de ne pas avoir eu la Sonate Liszt, la Sonate Hammerklavier, la Sonate Waldstein et la Sonate Chopin si mineur. Parmi les enregistrements que nous avons, il est très difficile de choisir un favori, mais j’adore son enregistrement du Carnaval de Schumann. Je pense que c’est parfait pour jouer du piano du début à la fin. »

Sergei Rachmaninov a également été choisi par Stephen Kovacevich, Denis Matsuev et Alexey Yemtsov.

Pourquoi y a-t-il tant de grands pianistes russes?

Depuis le XIXe siècle, l’éducation musicale des enfants est très systématique en Russie, qui a commencé avec la fondation du Conservatoire impérial de Moscou. Rachmaninov est venu étudier là-bas à l’âge de 14 ans. Il vivait chez Nikolai Zverev, qui avait créé un internat pour les jeunes élèves, qui devaient pratiquer six heures par jour, en dehors de leurs études scolaires. .

Cette école s’est transformée en École centrale de musique à l’époque soviétique, et le système s’est développé dans tout le pays. Aujourd’hui, en Russie, il existe une éducation musicale sérieuse pour les enfants à partir du moment où ils sont assez grands pour atteindre les touches. Vladimir Ashkenazy, Grigory Sokolov et Mikhail Pletnev sont des produits de cette école soviétique plutôt stricte.

Les enfants étudient donc pendant sept ou huit ans dans une école de musique spéciale, puis à 15 ans ils vont à l’école de musique pendant trois ans. Et c’est tout avant de s’inscrire au Conservatorium.

Donc, si un enfant a du talent, à 16 ans, il peut jouer pratiquement tout. Cela signifie que lorsque les étudiants russes viennent au Conservatoire, ils sont déjà des pianistes professionnels. Ils n’ont presque pas de limites techniques à surmonter et peuvent simplement se concentrer sur le fait de devenir un artiste. Ce n’est donc pas comme avoir des cours de piano avec un professeur – c’est une éducation musicale systématique et totalement gratuite. Les génies sont nés partout, mais ce n’est qu’en Russie qu’ils sont nourris de cette manière.

Elena Kuznetsova
Doyenne de piano, Conservatoire de Moscou