El período de la música renacentista abarca el período comprendido entre 1400 y 1600 c.
Vamos a ver las características clave de la música renacentista, incluidos sus compositores, los instrumentos típicos utilizados, las formas sagradas y seculares y cómo sentó las bases del cambio para los períodos musicales que siguieron.
El Renacimiento
El La palabra «Renacimiento» es un término francés que significa «renacimiento».
Se utiliza para describir una era de nuevos descubrimientos y exploraciones desde c.1400-1600.
Este período fue una época de gran agitación política y social – eventos como la Reforma Protestante tuvieron un gran impacto en la vida en el mundo occidental.
También hubo un aumento en el pensamiento humanista, que desafió la supremacía de la iglesia.
También fue una época de gran desarrollo en música y artes. Se desarrollaron nuevos estilos y técnicas, mientras que también hubo un «renacimiento» del interés por la cultura antigua, ya que los artistas y compositores a menudo se inspiraban en la antigua Grecia y Roma.
Música renacentista secular y sacra
A menudo verá la música del período renacentista dividida en «sagrada» y «secular».
Si bien esta división tiene sus limitaciones, es bastante una forma útil de obtener una visión general del período.
Música sacra
La música del Renacimiento temprano estuvo dominada por la Misa en latín debido a la supremacía de la iglesia católica.
Como Como resultado, la música sacra era principalmente misas polifónicas y motetes en latín para uso en la iglesia.
El contrapunto modal fue la técnica de composición dominante (probablemente debido a su estrecha relación con el canto litúrgico llano).
Escuche a estos 2 ejemplos de música sacra del Renacimiento:
Lamentaciones I de Thomas Tallis
(Interpretada por The Tudor Consort (www.tudor-consort.org.nz) CC BY 2.5 a través de Wikimedia Commons)
Credo de la misa de 4 partes de William Byrd
(Realizado por Ensemble Morales (MusOpen.org) CC BY 3.0 a través de Wikimedia Commons)
Aunque hubo un movimiento constante de alejamiento de la iglesia a medida que aumentaba el pensamiento humanista, las iglesias siguieron siendo lugares muy importantes para la formación de músicos y cantantes.
A medida que avanzaba el período y la Reforma protestante se aceleraba, la música se componía para su uso en protestantes. iglesias, es decir, no en latín y no determinada por la estructura de la misa católica.
Música secular
La música secular en el Renacimiento temprano dependía mucho de las cortes, que podían financiar y apoyar a los músicos.
Canciones seculares, como los chans En adelante, el madrigal y el Lied alemán (pronunciado «Leed») fueron muy populares.
Escuche este madrigal de Monteverdi:
Cruda Amarilli de Monteverdi
(Del Quinto Libro de los Madrigales, 1ª pieza: Cruda Amarilli. Realizado por MIT Chamber Chorus, Cutter. CC BY 2.5 a través de Wikimedia Commons)
A medida que avanzaba el período, la música secular traspasó un poco más los límites y sentó las bases para la armonía funcional (mayor y menor teclas). Los compositores trataron de generar una emoción cada vez mayor en las piezas.
La música secular del Renacimiento era principalmente música vocal, pero la música instrumental se desarrolló por derecho propio (en lugar de ser solo un acompañamiento de la voz o de la danza). p.ej. fantasías y variaciones.
Los géneros vocales populares también influyeron en los compositores que usaban líneas de bajo simplificadas que resaltaban un número menor de armonías estrechamente relacionadas. Esto sentó las bases para las progresiones de acordes más complejas de la era barroca.
Escuche esta pieza de Josquin Des Prez llamada Mille Regretz.
Puede ver en la letra lo emotivo que es el tema y cómo esta profundidad tiene capturado en la música:
Mille Regretz de Josquin Des Prez
Original francés:
Mille regret de vous abandonner
Et d’eslonger vostre facce amoureuse
Jay si grand dueil et paine douloureuse
Quon me verra brief mes jours definer
Traducción al inglés:
Mil arrepentimientos por abandonarte,
y dejar atrás tu rostro amoroso,
Siento tanta tristeza y una angustia tan dolorosa,
eso me parece que mis días pronto disminuirán.
utilizado en Licencia Creative Commons 3.0)
Compositores del Renacimiento
Los compositores del Renacimiento temprano vinieron en su mayoría del norte de Francia o de los Países Bajos debido al fuerte sistema judicial, que apoyaba a los músicos en estos regiones ..
A finales del Renacimiento, Italia se convirtió en un centro musical cada vez más importante.
Estos son algunos de los compositores del Renacimiento más conocidos:
Compositores del Renacimiento temprano:
Guillaume Du Fay (1397-1474) – escribió música para la iglesia basada en el canto gregoriano existente.
John Taverner (1490-1545)
Thomas Tallis (1505-1585) – ¡compuso música durante los reinados de 4 monarcas! ! (Enrique VIII, Eduardo VI, María I e Isabel I). Su obra maestra es Spem in Alium – «Sing and Glorify», que tiene 40 partes separadas.
Compositores renacentistas posteriores:
Allegri (1582-1652) y Palestrina (1525-1594) – ambos produjeron vastas obras corales.
William Byrd (1543-1623)
Monteverdi (1567-1643): sus obras operísticas se inspiraron en el mundo clásico, relacionando estrechamente la poesía y la música y utilizando la música para despertar emociones.
Instrumentos del Renacimiento
El Renacimiento fue una época de grandes inventos y tuvo un gran impacto en la música en forma de nuevos instrumentos.
Los principales instrumentos asociados con la música del Renacimiento son:
Sackbut (un instrumento similar a un trombón)
Laúd
Viol da gamba
Instrumentos de teclado como clavecín y órgano
Características típicas de la música renacentista
Hay una serie de características típicas para escuchar en la música renacentista:
- Modos: la música renacentista retuvo el sistema medieval de modos
- Polifonía – diferentes líneas melódicas tocadas por diferentes instrumentos / voces al mismo tiempo
- Un fuerte sentido de estructura e integración de texturas.
- Escritura de partes imitativas (pero alejándose de las estrictas reglas del canon) .
Partituras del Renacimiento
La invención de la imprenta en c.1440 tuvo un impacto enorme en el mundo musical occidental (¡y en la sociedad en general!). Permitió que la música se copiara mucho más fácilmente, por lo que las partituras se volvieron más comunes.
La notación renacentista tiene algunas similitudes con las partituras modernas.
Eche un vistazo a este ejemplo:
Sin embargo, puedes ver que Hubo algunas diferencias notables en las partituras de Renaissance:
- sin barras de compás,
- se utilizaron principalmente semibrevas,
- solo se muestran líneas simples de polifonía en la partitura (no partituras combinando diferentes partes).
La distribución de partituras mediante el uso de la imprenta significó que las piezas se pudieran interpretar más ampliamente y se pudieran estudiar técnicas.
Espero que esto le haya brindado una descripción general básica del período y algunas recomendaciones útiles para escuchar.
