Was macht ihn großartig? Eine Verpflichtung, die intellektuellen und spirituellen Tiefen eines Werks auszuloten und gleichzeitig technische Tapferkeit zu vermeiden.
Jonathan Biss über Schnabels lebendigen Klang
„Wenn ich gefragt würde, welchen Pianisten ich am meisten liebte, könnte ich nie antworten – zu viele Möglichkeiten! Aber wenn es darum geht, wer mich inspiriert hat, ist das einfach: Artur Schnabel. Meine erste Begegnung mit seiner Aufnahmen der Beethoven-Sonaten kamen in meinen frühen Teenagerjahren und führten schnell zu einer Besessenheit mit jenen Werken, von denen ich erwarte, dass sie für den Rest meines Lebens Bestand haben. Ich konnte nicht verstehen, wie er so viel Bedeutung vermitteln konnte – sogar Spiritualität – zwischen zwei Noten, oder wie er es geschafft hat, aus diesem Instrument von Tasten und Hämmern einen Klang zu erzeugen, der so lebhaft, schwerkraftresistent und lebendig war. Diese beiden Ziele – einen lebendigen Klang zu erzeugen und Musik nicht nur in den Noten zu finden, sondern auch um sie herum – sind für mich fast zwei Jahrzehnte später immer noch wichtig.
Als ich bei Leon Fleisher studierte, Ich war berührt, als er mit der gleichen Ehrfurcht von Schnabel, seinem eigenen Lehrer, sprach. Fleishers eigene Vorstellungen von Musik sind überzeugend und er drückt sie unvergleichlich eloquent aus, aber es war oft so, dass er uns einfach erzählte, was Schnabel ihm über dieses oder jenes Stück erzählt hatte, in einem Tonfall, der darauf hinwies, dass es keinen größeren gab Behörde. Ich mag es zu glauben, dass ich durch diese Linie etwas gelernt habe, und ich versuche jeden Tag, etwas von der Hingabe, dem Verständnis und vor allem der Liebe in meine Musik zu bringen, die von jeder Note ausgeht, die der Mann gespielt hat. “
Wilhelm Kempff (1895-1991)
Ausgewählt von Cyprien Latsaris, Michael Endres, David Fray und Eldar Nebolsin.
Wer war er? Ein deutscher Pianist, der sich auf die Größen der deutschen Musik konzentrierte und bis weit in die achtziger Jahre Konzerte spielte.
Was macht ihn großartig? Rhythmischer Erfindungsreichtum und ein Talent, die Lyrik, den Charme und die Spontanität der Musik hervorzuheben, insbesondere in intimen Stücken oder Passagen.
Cyprien Latsaris On Kempff im Konzert
„Ich habe Kempff zum ersten Mal in Paris leben hören, als ich ungefähr 13 Jahre alt war, und dann habe ich einige seiner Beethoven- und Brahms-Aufnahmen gekauft. Er hatte nicht die beste pianistische Technik, aber er war etwas ganz Besonderes. Er schuf Einige erhabene, göttliche musikalische Momente, die uns in den Himmel trieben. Ich bin sicher, er wäre heute im Konzert genauso erfolgreich gewesen, denn der wichtigste Faktor für einen Musiker ist, eine ganz besondere Persönlichkeit zu haben, und er hatte diese Eigenschaft / p>
Er hat auch beeinflusst, was ich am Klavier mache, indem er mich dazu gebracht hat, mich vor dem Spielen in einen zweiten Zustand zu versetzen, einen spirituellen Zustand. Es gibt so viele Aufnahmen von ihm, die ich schätze, wie Kempff in Beethoven glänzt , Brahms, Schumann, Schubert und Bach. Aber insbesondere würde ich den Kl nennen avierstücke von Brahms, die Beethoven-Mittelsonaten und Konzerte Nr. 2 & 4, die Bach-Transkriptionen und die Schubert-Klavierstücke. „
Alfred Brendel (geb. 1931)
Ausgewählt von Paul Lewis, Steven Osborne, Imogen Cooper und Till Fellner.
Wer ist er? Ein österreichischer Pianist und Lehrer aus London, der vier komplette Sätze der Beethoven-Sonaten aufgenommen hat.
Was macht ihn großartig? Strenge Einhaltung der Partitur, ohne jemals trocken oder akademisch zu klingen, und ein Händchen dafür, unerwartete Momente des Humors zu finden, insbesondere im klassischen Repertoire.
Paul Lewis Über das Studium bei Brendel
„Ich hatte in den 1990er Jahren Unterricht bei Alfred Brendel und er war eine großartige Inspiration. Er sprach über Musik und ich dachte:“ Ja, das macht wirklich Sinn. “ Und dann setzte er sich und demonstrierte Dinge, und dann ging die Glühbirne wirklich aus. Das erste Mal traf ich ihn, als ich 20 Jahre alt war an der Guildhall School of Music. Ich erinnere mich, dass ich mich sehr nervös und eingeschüchtert fühlte. Als ich die Silhouette der Brille und die Haare sah, die durch den Flur kamen, erinnere ich mich, dass ich dachte: „Oh mein Gott, er ist es!“ Ich spielte eine Haydn-Sonate für ihn und es war von Anfang an klar, dass er sich nur für die Musik interessierte . Das ist alles was zählt. Sie mögen sich Sorgen um sich selbst machen, aber das ist nicht wichtig, weil er sich nicht im geringsten Sorgen macht, außer was Sie spielen. Das stimmte mit dem Eindruck überein, den ich von ihm hatte, bevor ich ihn traf, von seinen Konzerten und Aufnahmen – dem eines unglaublich ernsthaften Musikers. Es war eine große Inspiration und ein Privileg, in diesen Jahren mit ihm zusammenzuarbeiten. “
Glenn Gould (1932-1982)
Auserwählt von Pascal Rogé, Vladimir Ashkenazy, Fazil Say und Jean-Efflam Bavouzet.
Wer war er?Ein sehr exzentrischer kanadischer Pianist, der nach einer herausragenden Konzertkarriere im Alter von 31 Jahren die Bühne meidete, um sich auf Aufnahmen und experimentelle Projekte zu konzentrieren.
Was macht ihn großartig? Eine erstaunliche Fähigkeit, die verschiedenen Linien polyphoner Musik wie Bachs mit unübertroffener Klarheit zu formen. Und eine scheinbare Unfähigkeit zu technischen Fehlern.
Pascal Rogé über Gould the Recreator
„Ich hörte Gould zum ersten Mal ziemlich spät spielen, seitdem In meiner Jugend am Pariser Konservatorium war er völlig unbekannt. Keiner meiner Kollegen oder Lehrer erwähnte jemals seinen Namen – bis ich 1966 Bruno Monsaingeon traf, der Gould mir und dem französischen Publikum durch seine wunderbaren Dokumentarfilme offenbarte. Es ist schwer zu sagen Was Goulds Spiel so besonders macht, da alles in seinem Spiel etwas Besonderes ist. Man kann die Berührung, die Phrasierung, die Artikulation erwähnen … Aber am wichtigsten ist die Konzeption, die Architektur, die persönliche und „kreative“ Herangehensweise an jedes einzelne Stück, das er spielt Er ist ein Schöpfer, viel mehr als ein Dolmetscher: Jedes Mal, wenn Sie ein Stück von Gould hören, entdecken Sie das Stück zum ersten Mal. Ich beziehe mich immer auf seine Zeile: „Wenn Sie nicht überzeugt sind, können Sie ein Stück spielen Eine völlig neue und einzigartige Art, spielen Sie sie nicht. «Es ist eine extreme Bestätigung, aber so voller Wahrheit! Ein typisches Beispiel sind seine beiden Aufnahmen der Goldberg-Variationen, ein Beispiel für Goulds Genie, sich selbst „neu erschaffen“ zu können. Sie sind beide Meisterwerke und sein Erbe für alle Musiker der Welt. Ich bin immer überwältigt, wenn Pianisten es wagen, dieses Stück nach Gould zu spielen (oder sogar zu berühren). Sind sie völlig bewusstlos oder absolut anmaßend?
In Bach ist er völlig unübertroffen. Tatsächlich kann ich keine andere Interpretation von Bach als seine hören, akzeptieren oder begreifen. Ich möchte sagen, dass er mich beeinflusst hat, aber niemand ist so verstört, dass er versucht, Goulds Spiel nachzuahmen! Trotzdem erinnere ich mich, als ich für das französische Fernsehen das komplette erste Buch von Bachs Wohltemperiertem Klavier aufnahm. Es war ein Projekt, das Monsaingeon für ihn konzipiert hatte, aber Gould starb, bevor er es filmen konnte … Und ich war derjenige, der ausgewählt wurde, um ihn zu „ersetzen“. Können Sie sich den Druck vorstellen?
Ich denke, das Erbe von Gould für jeden Künstler ist „die Freiheit der Schöpfung“ gegenüber jedem Komponisten, aber gleichzeitig die Logik der Musik und den Geist des Komponisten zu respektieren – eine sehr herausfordernde Gleichung! ”
Wer war er? Ein französischer Pianist und Professor am Conservatoire de Paris. Er wurde als „Dichter des Klaviers“ bezeichnet, weil er die lyrischen Werke von Chopin, Schumann und Debussy beherrschte und wegweisende Aufnahmen und sorgfältige Ausgaben ihrer Musik produzierte.
Was macht ihn großartig? persönlicher, subjektiver Stil, der Intuition und Gefühl gegenüber präziser Technik bevorzugt und zu Darbietungen üppiger, transzendenter Musikalität führt.
Stephen Hough über Cortots Individualität
„Cortot wird manchmal als der Pianist bezeichnet, der viele falsche Noten gespielt hat. Das ist unfair – nicht nur, weil er eine schillernde Fingertechnik hatte, sondern weil er nie zuließ, dass das Streben nach Genauigkeit ihn vom Gesamtbild ablenkte. Seine Fehler sind manchmal schon in den ersten Noten zu hören, aber ich finde diese fehlbaren Momente reizend: Der Pianist wird von spiritueller Inspiration verzehrt und ist sich der damit verbundenen physischen Risiken nicht bewusst. Cortot war ein großer Virtuose, der sich der Kraft bewusst war, die romantische Klaviermusik zu erregen und zu begeistern, aber man fühlt sich in seiner musikalischen Gesellschaft nie manipuliert. Sie haben das Gefühl, dass selbst seine extravagantesten Interpretationsentscheidungen von völliger innerer Ehrlichkeit herrühren. Er sitzt nicht im Rampenlicht und zwingt Sie, ihn anzusehen, sondern hält eine Fackel in der Hand, die Sie zur Erleuchtung führt.
Ich werde nie müde, seine Aufnahmen zu hören, insbesondere die von Chopin und Schumann aus den 1920er Jahren und 30er Jahre. Seine Kombination aus völliger Interpretationsfreiheit (manchmal mit einem Hauch von Exzentrizität) und tiefgreifenden Einsichten in die Wünsche des Komponisten ist meiner Ansicht nach einzigartig. Es gibt Künstler, die die Zuhörer mit ihrer wilden und gewagten Individualität begeistern, und es gibt andere, die die schriftliche Partitur mit Einsicht und Ehrfurcht für uns aufdecken – aber es gibt nur wenige, die beides können. Cortot hatte eine Vision, die über das akademische oder theatralische hinaus zu einem breiteren Horizont der Kreativität führte, von wo aus die Komponisten selbst Inspiration haben könnten. “
Alfred Cortot wurde auch von Alfred Brendel, Benjamin Grosvenor und Stanislav Ioudenitch ausgewählt.
Emil Gilels (1916-1985)
Wer war er? Ein in Odessa geborener Pianist, der 1935 nach Moskau zog und zusammen mit Richter der führende sowjetische Pianist seiner Zeit wurde. Er und der Geiger David Oistrakh gehörten zu den ersten sowjetischen Musikern, die im Westen konzertieren durften.
Was macht ihn großartig?Sein „goldener“ Klang – eine Fähigkeit, die anstrengendsten Passagen auszuführen, ohne seinen brünierten Ton oder seine Gefühlstiefe zu beeinträchtigen.
Cédric Tiberghie Über die Größe von Gilels
„Gilels hat diese Mischung aus fantastischer Tonqualität und der Fähigkeit, alles einfach erscheinen zu lassen, wenn Sie ihm zuhören. Selbst wenn er ein einfaches Bach-Präludium oder das Bach-Siloti-Präludium in h-Moll spielt, denken Sie, es ist einfach zu spielen, aber dann kaufen Sie die Musik und sagen: „Oh mein Gott, das ist unmöglich!“ p>
Ich habe Gilels zum ersten Mal gehört, als ich acht oder neun Jahre alt war – seine Aufnahme des zweiten Brahms-Konzerts mit den Berliner Philharmonikern. Ich wusste nicht, dass es Gilels – oder sogar ein Brahms-Konzert – war, nur eine der riesigen Kassetten meines Vaters. Aber es war meine Lieblingsmusik und bis heute denke ich, dass es eine der schönsten Aufnahmen ist, die jemals von einem Klavierkonzert gemacht wurden. Die Qualität von Ton und Linie, die Inspiration und die Schönheit des Klangs – alles ist so perfekt. Es ist eigentlich ziemlich einschüchternd, wenn Sie das Konzert selbst spielen müssen. Er spielt den ersten Satz so langsam und du denkst, OK, ich werde das Gleiche tun – was ein großer Fehler ist, weil er Gilels ist und du nicht. Sie brauchen diesen goldenen Klang, den Gilels besaß – mehr als jeder andere in der Geschichte – sowie eine klare Vorstellung von der Struktur und Richtung; und dafür brauchen Sie ein Leben lang Erfahrung. Wenn ich meine Hand mit seiner vergleiche, war seine wahrscheinlich doppelt so schwer wie meine. Es ist wie bei Oistrakh auf der Geige, da ist die Frage nach Fleisch, reiner Materie, die den Klang erzeugt. Wenn Sie extrem dünne Hände haben, ist die Klangqualität wahrscheinlich klarer als die von Gilels.
Ich versuche also nicht, einen Künstler wie ihn nachzuahmen, aber ich versuche, die Größe von in meinem Kopf zu behalten was er macht. Es ist etwas, das ich immer zu finden versuche, nicht künstlich, sondern vielleicht nur zu fühlen. In dieser Hinsicht ist er ein Vorbild für mich. “
Emil Gilels wurde auch von Alice Sara Ott, Olli Mustonen und Lars Vogt ausgewählt.
Arthur Rubinstein (1887-1982)
Wer war er? Ein polnischer Pianist, der Europa nach dem Ersten Weltkrieg verlassen hat und sich in den USA niedergelassen hat.
Was macht ihn großartig? Seine Interpretationen der Musik von Chopin, zu der er einen leuchtenden Ton und eine endlose Vielfalt an Phrasen brachte.
Roger Woodward über das Teilen des Erbes von Rubinstein
„Als ich an der Chopin National Academy in Warschau studierte, traf unsere Klasse manchmal Professor Drzewieckis berühmte Freunde, von denen einer Arthur Rubinstein war. Er spielte für uns und einige Studenten hatten das Privileg, für ihn zu spielen. Jeder in der Klasse kannte er seine Aufnahmen, da es sich um die klassischen Chopin-Interpretationen handelte, die Drzewiecki uns beigebracht hatte. Anmut, Ausgeglichenheit und gründliche Forschung waren die Kennzeichen seiner Kunst, die Meisterschaft, aber auch enorme Bescheidenheit zeigte und im Gegensatz zu einigen „Autoritäten“ stand. musste sagen, eine makellose Technik.
Rubinsteins Kritiker, und es gab viele, vergaßen oft, wie gründlich er das Repertoire recherchierte, das er spielte. Wo andere posierten und nur so taten, als hätten sie ihr Thema recherchiert, Rubinsteins Aufführungen stanken nach int egrity.
Die früheste von Rubinsteins drei vollständigen Mazurka-Aufnahmen war für uns ein Höhepunkt in unserem Studium von Chopin, obwohl für mich seine Aufführungen der Nocturnes den Schlüssel zu allen anderen Chopins darstellten. Ich bin Rubinstein auf ewig dankbar für seine Aufnahmen und was er dazu zu sagen hat.
Rubinstein war nicht mit der bloßen Virtuosität von Rachmaninov oder Horowitz gesegnet, aber er entwickelte eine Beherrschung von Legato Cantabile und Tempo Rubato Second Zu keiner. Dies zeigt sich in solch wundersamen Live-Auftritten aus der Vorkriegszeit wie seiner historischen Aufnahme der Chopin-Klavierkonzerte mit Sir John Barbirolli, obwohl seine Auftritte mit Witold Rowicki noch schöner waren – absolut unvergesslich. P. >
Ich werde seine Freundlichkeit und Großzügigkeit gegenüber unserer Klasse sowie seinen Charme, seine Bescheidenheit und seine sorgfältige Forschung nie vergessen. Obwohl ich mein ganzes Leben lang Student bin und weiterhin seine vielen wunderbaren Aufnahmen höre, schätze ich mich glücklich, so reiche Erfahrungen mit meinen eigenen Studenten teilen zu können. “
rthur Rubinstein wurde auch von Simon Trpceski, Jayson Gillham und Margaret Fingerhut ausgewählt.
Sviatoslav Richter (1915-1997)
Wer war er? Ein russischer Pianist deutscher Abstammung, der zum herausragenden Musiker der UdSSR wurde.
Was macht ihn großartig? Rock-Solid-Technik kombiniert mit einer erstaunlichen Klangvielfalt.
Barry Douglas Über die Intensität von Richter
„Ich hörte Richter spielen Viele Male in England, Frankreich und Amerika und was ich an ihm liebte, war, dass er das Klavier nicht wie ein Klavier klingen ließ – es klang wie ein Orchester oder manchmal wie ein Chor.Außerdem schien alles, was er am Instrument tat, immer völlig richtig zu sein. Es schien nicht seine Idee zu sein; es schien der einzige Weg zu sein, dies zu tun. Jeder Künstler sollte, wenn er es ernst meint, darauf abzielen, sich aus der Gleichung zu entfernen und zum Herzen oder zur Essenz der Musik zu gehen. Das können nur sehr wenige Künstler, aber für Richter war das völlig natürlich.
Er war auch ein sehr ernsthafter Musiker: Nach Konzerten entschied er oft, dass er üben musste, und ging nach Hause und übte für einen anderen zwei Stunden. Er bestand auch darauf, dass jedes Konzertprogramm mindestens ein neues Stück enthält. Sein Repertoire war also riesig. Ich denke nicht, dass seine Studioaufnahmen so erfolgreich waren: Sie repräsentierten ihn nicht wirklich. Es sind die Live-Aufnahmen, die erstaunlich sind. Alle sprechen über das Sofia-Konzert von 1958, in dem er Liszts Feux Follets und Mussorgskys Bilder auf einer Ausstellung spielt. Dennoch sind seine Aufnahmen der Beethoven-Sonaten unübertroffen, ganz zu schweigen vom russischen Repertoire – den kleinen Stücken von Tschaikowsky – und Prokofjew, der seine Siebte Sonate für ihn geschrieben hat.
Als ich es war Beim Tschaikowsky-Wettbewerb 1984 sandte er mir durch andere Nachrichten, in denen er sagte, wie fantastisch er mich fand, was sehr süß war. Ich wünschte, ich hätte die Gelegenheit gehabt, ihn besser kennenzulernen.
Ich werde immer zu Richter aufschauen. Ein darstellender Künstler darf nicht kopieren, aber Sie können sich von der Essenz dessen inspirieren lassen, wofür jemand stand, und das mache ich mit ihm. Ich weiß sehr tief in mir selbst, dass ich versuche zu verstehen, was Richter hatte, was eine erstaunliche, feurige, brennende Intensität der Leidenschaft für Musik ist – das ist es, was ihm beim Spielen aufgefallen ist. Er war absolut besessen und besessen von Musik. “
Sviatoslav Richter wurde auch von Howard Shelley, Anna Goldsworthy und Piotr Anderszewski ausgewählt.
Vladimir Horowitz (1903-1989)
Wer war er? Ein in Russland geborener Pianist, der im Alter von 21 Jahren in den Westen ging, wo er als „Tornado aus der Steppe“ beschrieben wurde. Am bekanntesten für seine Aufführungen des romantischen Klavierrepertoires und überraschenderweise Scarlatti, kehrte er triumphierend nach Russland zurück Abschiedsabend 1986.
Was macht ihn großartig? Funkelnde Virtuosität und außergewöhnliche Verwendung von Klangfarben, kombiniert mit dem Talent, sein Publikum zu begeistern und bei seinen Live-Konzerten für Furore zu sorgen.
Ingolf Wunder Über die gottähnlichen Gaben von Horowitz
„Horowitz verband erstklassigen Pianismus mit einem einzigartigen Musik- und Interpretationsgeschmack. Was ihn einzigartig machte, war seine Fähigkeit, seine Gefühle und Stimmungen aus den Strukturen und dem harmonischen Material der Partitur herauszuarbeiten. Ich glaube, ich habe Horowitz zum ersten Mal gehört, als ich 14 war. Ich war nur erstaunt über seinen Ton und die Vielfalt der Farben, die er produzieren konnte. Und er spielte immer, während seine Hand gebaut wurde, und verriet nie seinen Geschmack und seine Sicht der Musik. Er war immer er selbst und alles, was er berührte, wurde sein eigenes. Sein Spiel ist niemals mittelmäßig, es funktioniert entweder oder es funktioniert nicht. Aber wenn es funktioniert, ist es einfach gottähnlich – unvergleichlich mit allem, was Sie jemals gehört haben.
In gewisser Weise ist Horowitz das Produkt einer Zeit, die so viele großartige Pianisten hervorgebracht hat. Ich glaube, die Denkweise und unser Leben haben sich seitdem verändert. Jetzt können Musiker ins Internet gehen und fast jede Aufnahme eines Stücks hören. damals waren sie gezwungen, selbst zu denken. Kleine Dinge wurden wichtiger, weil es nicht möglich war, sofort irgendwohin zu gehen. Es ging nicht unbedingt darum, wer den schnellsten oder einen anderen Wettbewerbsaspekt spielen kann, es ging mehr um die Musik. Es gibt immer noch ein paar Musiker, die wie Horowitz und diese alten Größen sind, und das ist die Schule, in die wir zurückkehren sollten. “
Vladimir Horowitz wurde auch von Freddy Kempf, Gerard Willems und Konstantin Scherbakov ausgewählt.
Sergei Rachmaninov (1873-1943)
Wer war er? Ein in Russland geborener Pianist und Komponist, der das Moskauer Konservatorium in derselben Klasse wie der Komponist Alexander Scriabin absolvierte. Zu seinen Kompositionen gehört das Klavierkonzert Nr. 2, das oft zum beliebtesten klassischen Musikstück aller Zeiten gewählt wird. Er verließ Russland 1917 und begann eine Karriere als Touring-Pianist, um sich und seine Familie zu ernähren. Kurz vor seinem Tod wurde er US-Bürger.
Was macht ihn großartig? Eine fast übermenschlich saubere Fingertechnik, die es ihm ermöglichte, auch in den knotigsten Passagen Klarheit zu bewahren. Dies war teilweise auf seine berühmt großen Hände zurückzuführen, die 12 Zoll überspannen konnten, oder auf einen 13. (C1 bis A2) am Klavier. Er hatte auch einen wunderschönen Gesangston, der mit dem des Geigers Fritz Kreisler verglichen wurde und es ihm ermöglichte, einer Melodie unendliche Süße zu entreißen.
Leslie Howard über den größten Pianisten, der jemals eine Platte aufgenommen hat
„Bemerkenswert an Rachmaninovs Spiel ist, wie ehrlich es ist.Zwischen seinem Spiel und seiner Vorstellung, warum das Musikstück eine Aufnahme wert war, kommt nichts. Sein Spiel ist nie überladen, es ist nie pingelig und es gibt überhaupt keine billigen Tricks – ziemlich ungewöhnlich für die Zeit, die er aufgenommen hat. Ich denke, er ist der größte Pianist seiner Zeit und ich bin sicher, er ist der beste Pianist, der jemals eine Platte aufgenommen hat.
Natürlich ist seine Technik außergewöhnlich, aber das Geschenk aller guten Technik ist, dass Sie ‚ Ich bin mir dessen nicht bewusst, wenn du es hörst. Wenn Sie ihn zum Beispiel Si oiseau j’étais von Henselt spielen hören, klingt es wie das charmanteste Salonstück. Aber wenn Sie sich jemals hingesetzt haben, um es zu spielen, werden Sie genau wissen, dass es ein absoluter Terror ist.
Rachmaninov hat auch eine Art, mit Rhythmus umzugehen, die ihn sofort erkennbar macht. Manchmal spielt er einen Rhythmus, der nicht genau in der Partitur enthalten ist, aber er klingt so, wie er in der Partitur hätte sein sollen. Nehmen wir zum Beispiel seine Aufnahme mit Fritz Kreisler aus der Sonette Opus 30 Nr. 3 von Beethoven. Sie hören jede einzelne Note und jede einzelne Note ist genauso wichtig wie jede andere, so wie Beethoven gespielt werden sollte, aber selten.
Als Komponist besaß Rachmaninov auch einen beeindruckenden musikalischen Verstand. Er sezierte jedes Stück, bevor er seine Hände auf die Tastatur legte. Und er konnte das tun, weil seine kompositorischen Fähigkeiten so verfeinert waren.
Ich denke manchmal, wenn er seine eigene Musik spielt, ist er weniger vorsichtig – fast so, als ob er nicht ganz der Meinung wäre, dass so viel Aufhebens darum gemacht werden sollte ihm. Aber wenn man hört, wie völlig schlampig im emotionalen Sinne sein Spiel seiner eigenen Musik ist, hält es Pianisten davon ab, sich darin zu suhlen, wie es so viele von ihnen tun. Wenn Sie dann romantisch spielen möchten, kann er das auch, und ich denke wieder an eine der Aufnahmen mit Kreisler der Grieg-Sonate Nr. 3. Der zweite Satz ist herzzerreißend wunderbar und die Art, wie er die Melodie spielt, ist völlig anders als die Art und Weise Kreisler spielt es. Es lässt das Stück ereignisreicher klingen als es tatsächlich ist – es ist ein Knaller einer Aufnahme!
Es gibt einen Grund, warum Rachmaninov nicht mehr aufgenommen hat, und das liegt an den angespannten Beziehungen, die er zu den Leuten hatte die Victor Talking Machine Company, die dachte, er würde zu viel Geld für seine Aufnahmen bekommen, und die viele der Dinge ablehnte, die er zur Aufnahme anbot. Zum Beispiel wollte er eine kostenlose Aufnahme von Beethovens erstem Klavierkonzert geben, solange sie ihn seine orchestralen sinfonischen Tänze aufnehmen ließen, und sie lehnten das Angebot ab.
Der Grund, warum wir die Aufnahme machen Dass er sein drittes Konzert spielt, ist für viele ein bisschen unzureichend, weil er vier Monate später zurückgehen und die erste Seite erneut aufnehmen musste. Er hat es im letzten Moment gekürzt, weil der Produzent Charles Connell ihm Kummer bereitete und sagte, er könne nicht Klavier spielen und auch nicht komponieren. Kurz gesagt, er machte das Ganze für Rachmaninov zutiefst unangenehm. Wir haben Herrn Connell zu verdanken, dass er nicht die Liszt-Sonate, die Hammerklavier-Sonate, die Waldstein-Sonate und die Chopin-h-Moll-Sonate hat. Von den Aufnahmen, die wir haben, ist es sehr schwierig, einen Favoriten auszuwählen, aber ich liebe seine Aufnahme von Schumanns Karneval. Ich denke, das ist perfektes Klavierspiel von Anfang bis Ende. “
Sergei Rachmaninov wurde auch von Stephen Kovacevich, Denis Matsuev und Alexey Yemtsov ausgewählt. P. >
Warum gibt es so viele große russische Pianisten?
Seit dem 19. Jahrhundert gibt es in Russland eine sehr systematische musikalische Ausbildung für Kinder, die mit der Gründung des Moskauer Kaiserlichen Konservatoriums begann. Rachmaninov kam dort im Alter von 14 Jahren zum Studium. Er lebte im Haus von Nikolai Zverev, der ein Internat für junge Schüler eingerichtet hatte, die neben ihrem Schulstudium sechs Stunden pro Tag üben mussten.
Diese Schule verwandelte sich in der Sowjetzeit in eine zentrale Musikschule, und das System wurde im ganzen Land erweitert. Heute gibt es in Russland eine ernsthafte musikalische Ausbildung für Kinder, beginnend mit dem Zeitpunkt, an dem sie groß genug sind, um die Schlüssel zu erreichen. Vladimir Ashkenazy, Grigory Sokolov und Mikhail Pletnev sind Produkte dieser ziemlich strengen sowjetischen Schule.
Kinder lernen also sieben oder acht Jahre an einer speziellen Musikschule, dann besuchen sie mit 15 Jahren drei Jahre lang die Musikhochschule. Und das ist alles, bevor sie sich für das Conservatorium anmelden.
Wenn ein Kind talentiert ist, kann es mit 16 Jahren im Grunde alles spielen. Das heißt, wenn russische Studenten an das Konservatorium kommen, sind sie bereits professionelle Pianisten. Sie haben fast keine technischen Grenzen zu überwinden und können sich nur darauf konzentrieren, Künstler zu werden. Es ist also nicht nur Klavierunterricht bei einem Lehrer, sondern eine systematische und völlig kostenlose Musikausbildung. Genies werden überall geboren, aber nur in Russland werden sie auf diese Weise gepflegt.
Elena Kuznetsova
Dekanin für Klavier, Moskauer Konservatorium
