Holland (1872–1911) Rediger

Mondrian blev født i Amersfoort, provinsen Utrecht i Holland, den anden af hans forældres “børn. Han stammer fra Christian Dirkzoon Monderyan, der boede i Haag så tidligt som i 1670. Familien flyttede til Winterswijk, da hans far, Pieter Cornelius Mondrian, blev udnævnt til lærer på en lokal folkeskole. Mondrian blev introduceret til kunst fra en tidlig alder. Hans far var en kvalificeret tegningslærer, og sammen med sin onkel Fritz Mondrian (en elev af Willem Maris fra kunstskolen i Haag) malede og tegnede den yngste Piet ofte langs floden Gein.

Efter en streng protestantisk opdragelse, i 1892 gik Mondrian ind i Akademiet for kunst i Amsterdam. Han var allerede kvalificeret som lærer. Han begyndte sin karriere som lærer i grundskolen, men han praktiserede også maleri. Det meste af hans arbejde fra denne periode er naturalistisk eller impressionistisk og består stort set af landskaber. Disse pastorale billeder af hans hjemland skildrer vindmøller, marker og floder, oprindeligt på den hollandske impressionistiske måde ved Haagskolen og derefter i en række forskellige stilarter og teknikker, der vidner om hans søgen efter en personlig stil. Disse malerier er repræsentative, og de illustrerer den indflydelse, som forskellige kunstneriske bevægelser havde på Mondrian, herunder pointillisme og de levende farver fra Fauvisme.

Udstillet i Gemeentemuseum Den Haag er et antal malerier fra denne periode, herunder sådanne postimpressionistiske værker som The Red Mill and Trees in Moonrise. Et andet maleri, Evening (Avond) (1908), der skildrer et træ i et felt i skumringen, forstærker endda fremtidige udviklinger ved hjælp af en palet, der næsten udelukkende består af rød, gul og blå. Selvom Avond kun er begrænset abstrakt, er det det tidligste Mondrian-maleri, der fremhæver primære farver.

Mondrians tidligste malerier viser en grad af abstraktion er en række lærreder fra 1905 til 1908, der skildrer svage scener af utydelige træer og huse, der reflekteres i stille vand. Selvom resultatet får seeren til at begynde at fokusere på formerne over indholdet, er disse malerier stadig fast forankret i naturen, og det er kun kendskabet til Mondrians senere resultater, der får en til at søge i disse værker efter rødderne til hans fremtidige abstraktion.

Mondrians kunst var tæt knyttet til hans åndelige og filosofiske studier. I 1908 blev han interesseret i den teosofiske bevægelse, der blev lanceret af Helena Petrovna Blavatsky i slutningen af det 19. århundrede og i 1909 sluttede han sig til den hollandske gren af Theosophical Society. Blavatskys arbejde og en parallel åndelig bevægelse, Rudolf Steiners antroposofi, påvirkede i væsentlig grad den videre udvikling af hans æstetik. Blavatsky mente, at det var muligt at opnå en mere dybdegående viden om naturen end den, der tilvejebringes af empiriske midler, og meget af Mondrian “arbejde resten af sit liv var inspireret af hans søgen efter den åndelige viden. I 1918 skrev han “Jeg fik alt fra den hemmelige doktrin” med henvisning til en bog skrevet af Blavatsky. I 1921 argumenterede Mondrian i et brev til Steiner, at hans neoplastik var “kunsten i den overskuelige fremtid for alle sande antroposofer og teosofer”. Han forblev en engageret teosof i de efterfølgende år, skønt han også mente, at hans egen kunstneriske strøm, neoplastik, til sidst ville blive en del af en større, økumenisk spiritualitet.

Mondrian og hans senere arbejde blev dybt påvirket af 1911 Moderne Kunstkring udstilling af kubisme i Amsterdam. Hans søgen efter forenkling vises i to versioner af Still Life with Ginger Pot (Stilleven met Gemberpot). 1911-versionen er kubistisk; i 1912-versionen reduceres objekterne til en rund form med trekanter og rektangler.

Paris (1911–1914) Rediger

I 1911 flyttede Mondrian til Paris og skiftede navn og droppede en “a” fra Mondrian for at understrege hans afgang fra Holland, og hans integration i den parisiske avantgarde. Mens han var i Paris, fremkom indflydelsen af den kubistiske stil af Pablo Picasso og Georges Braque næsten øjeblikkeligt i Mondrians arbejde. Malerier som The Sea (1912) og hans forskellige studier af træer fra det år indeholder stadig et mål for repræsentation, men , i stigende grad domineres de af geometriske former og sammenflettede planer. Mens Mondrian var ivrig efter at absorbere den kubistiske indflydelse i sit arbejde, synes det klart, at han så kubismen som en “anløbshavn” på sin kunstneriske rejse snarere end som en destination .

Holland (1914–1918) Rediger

I modsætning til kubisterne forsøgte Mondrian stadig at forene sit maleri med sine åndelige sysler, og i 1913 begyndte han at smelte sin kunst og sin teosofiske undersøgelser af en teori, der signaliserede hans sidste pause fra repræsentationsmaleriet. Mens Mondrian besøgte Holland i 1914, begyndte første verdenskrig, der tvang ham til at forblive der i hele konfliktens varighed. I denne periode blev han hos Laren-kunstnerne ” kolon y, hvor han mødte Bart van der Leck og Theo van Doesburg, som begge gennemgik deres egne personlige rejser mod abstraktion. Van der Lecks brug af kun primære farver i hans kunst påvirkede i høj grad Mondrian. Efter et møde med Van der Leck i 1916 skrev Mondrian, “Min teknik, der var mere eller mindre kubistisk, og derfor mere eller mindre billedlig, kom under indflydelse af hans præcise metode. “Med Van Doesburg grundlagde Mondrian De Stijl (The Style), et tidsskrift for De Stijl Group, hvor han først offentliggjorde essays, der definerede hans teori, som han kaldte neoplastik.

Mondrian udgav “De Nieuwe Beelding in de schilderkunst” (“Den nye plast i maleriet”) i tolv runder i løbet af 1917 og 1918. Dette var hans første store forsøg på at udtrykke sin kunstneriske teori skriftligt. Mondrians bedste og hyppigst citerede udtryk for denne teori kommer imidlertid fra et brev, han skrev til HP Bremmer i 1914:

Jeg konstruerer linjer og farvekombinationer på en plan overflade, i for at udtrykke generel skønhed med den største bevidsthed. Naturen (eller det, som jeg ser) inspirerer mig, sætter mig som en hvilken som helst maler i en følelsesmæssig tilstand, så en trang kommer til at skabe noget, men jeg vil komme så tæt på sandheden som muligt og abstrakte alt fra at indtil jeg når fundamentet (stadig kun et eksternt fundament!) af tingene … Jeg tror, det er muligt, gennem vandrette og lodrette linjer konstrueret med bevidsthed, men ikke med beregning, ledet af høj intuition og bragt til harmoni og rytme , disse grundlæggende former for skønhed, suppleret om nødvendigt af andre direkte linjer eller kurver, kan blive et kunstværk, så stærkt som det er sandt.

Paris (1918–1938) Rediger

a første verdenskrig sluttede i 1918, vendte Mondrian tilbage til Frankrig, hvor han ville forblive indtil 1938. Fordybet i Paris-efterkrigstidens kultur af kunstnerisk innovation blomstrede han og omfavnede fuldt ud kunsten til ren abstraktion resten af sit liv. Mondrian begyndte at producere gitterbaserede malerier i slutningen af 1919, og i 1920 begyndte den stil, som han blev kendt for, at dukke op.

I de tidlige malerier af denne stil er linjerne, der afgrænser de rektangulære former, relativt tynde, og de er grå, ikke sorte. Linjerne har også tendens til at være t o falmer, når de nærmer sig kanten af maleriet, snarere end at stoppe brat. Selve formene, mindre og mere talrige end i senere malerier, er fyldt med primære farver, sort eller grå, og næsten alle er farvede; kun få er tilbage hvide.

I slutningen af 1920 og 1921 når Mondrians malerier frem til det, der er for afslappede observatører, deres definitive og modne form. Tykke sorte linjer adskiller nu formerne, som er større og færre i antal, og flere af formularerne er hvide.Dette var dog ikke kulminationen på hans kunstneriske udvikling. Selvom forbedringerne blev subtilere, fortsatte Mondrians arbejde med at udvikle sig i løbet af sine år i Paris.

I 1921-malerierne stopper mange, men ikke alle, de sorte linjer kort i en tilsyneladende vilkårlig afstand fra kanten af lærredet, skønt inddelingen mellem de rektangulære former forbliver intakte. Også her forbliver de rektangulære former for det meste farvede. Efterhånden som årene gik og Mondrians arbejde udviklede sig yderligere, begyndte han at udvide alle linjerne til kanterne af lærred, og han begyndte at bruge færre og færre farvede former og foretrak i stedet hvid.

Disse tendenser er især tydelige i de “pastill” -værker, som Mondrian begyndte at producere med regelmæssighed i midten af 1920’erne. Malerierne af “pastill” er firkantede lærred, der er skråtstillet 45 grader, så de får en diamantform. Typisk for disse er Schilderij nr. 1: pastill med to linjer og blå (1926). Et af de mest minimale af Mondrians lærred, dette maleri består kun af to sorte, vinkelrette linjer og en lille blå trekantet form. Linjerne strækker sig helt til kanterne på lærredet og giver næsten indtryk af, at maleriet er et fragment af et større værk.

Selvom man ser på maleriet, er det hæmmet af glasset, der beskytter det, og af den vejafgift, som alder og håndtering naturligvis har taget på lærredet, en nøje undersøgelse af dette maleri begynder at afsløre noget af kunstnerens metode. Maleriet er ikke sammensat af perfekt flade farveplaner, som man kunne forvente. Subtile penselstrøg er tydelige overalt. Kunstneren ser ud til at have brugt forskellige teknikker til de forskellige elementer. Den sorte linjer er de fladeste elementer med mindst mulig dybde. De farvede former har de mest åbenlyse penselstrøg, der alle kører i en retning. Mest interessant er dog de hvide former, som tydeligt er malet i lag ved hjælp af penselstr. ok løber i forskellige retninger. Dette skaber en større følelse af dybde i de hvide former, så de ser ud til at overvælde linjerne og farverne, som de faktisk gjorde, da Mondrians malerier i denne periode i stigende grad blev domineret af det hvide rum.

I 1926 besøgte Katherine Dreier, medstifter af New York Citys Society of Independent Artists (sammen med Marcel Duchamp og Man Ray) Piet Mondrians atelier i Paris og erhvervede en af hans diamantkompositioner, Painting I Dette blev derefter vist under en udstilling organiseret af Society of Independent Artists i Brooklyn Museum – den første store udstilling med moderne kunst i Amerika siden Armory Show. Hun sagde i kataloget, at “Holland har produceret tre store malere, der, skønt et logisk udtryk for deres eget land steg over det gennem deres personlighedskraft – den første var Rembrandt, den anden var Van Gogh, og den tredje er Mondrian. “

Efterhånden som årene gik, var der linjer begyndte at have forrang over former i Mo ndrians malerier. I 1930’erne begyndte han at bruge tyndere linjer og dobbeltlinjer oftere, punkteret med et par små farvede former, hvis nogen overhovedet. Dobbeltlinier ophidsede især Mondrian, for han mente, at de tilbød hans malerier en ny dynamik, som han var ivrig efter at udforske. Introduktionen af dobbeltlinjen i hans værker var påvirket af hans ven og nutidens Marlow Moss.

Fra 1934 til 1935 blev tre af Mondrians malerier udstillet som en del af “Abstrakt og konkret” “udstillinger i Storbritannien i Oxford, London og Liverpool.

London og New York (1938–1944) Rediger

I september 1938 forlod Mondrian Paris i lyset af den fremadskridende fascisme og flyttede til London. Efter Holland blev invaderet og Paris faldt i 1940, forlod han London til Manhattan i New York City, hvor han ville blive indtil sin død. Nogle af Mondrians senere værker er svære at placere med hensyn til hans kunstneriske udvikling, fordi der var en hel del lærreder, som han startede i Paris eller London og kun afsluttet måneder eller år senere på Manhattan. De færdige værker fra denne senere periode er visuelt optaget med flere linjer end noget af hans arbejde siden 1920’erne, placeret i et overlappende arrangement, der næsten er kartografisk i udseende. Han tilbragte mange lange timer med at male alene, indtil hans hænder blev blærede, og han græd undertiden eller gjorde sig syg.

Mondrian producerede sugetablets komposition med fire gule linjer (1933), et simpelt maleri, der fornyede tykke, farvede linjer i stedet for sorte. Efter det ene maleri forblev denne praksis sovende i Mondrians arbejde, indtil han ankom til Manhattan, på hvilket tidspunkt han begyndte at omfavne det med opgivelse.I nogle eksempler på denne nye retning, såsom Composition (1938) / Place de la Concorde (1943), ser han ud til at have taget ufærdige sorte linjemalerier fra Paris og færdiggjort dem i New York ved at tilføje korte vinkelrette linjer i forskellige farver, løber mellem de længere sorte linjer eller fra en sort linje til lærredets kant. De nyfarvede områder er tykke og næsten bro over kløften mellem linjer og former, og det er forbløffende at se farve i et Mondrian-maleri, der er ubegrænset af sort. Andre værker blander lange linjer med rødt midt i de velkendte sorte linjer, hvilket skaber en ny dybdefølelse ved at tilføje et farvet lag oven på den sorte. Hans maleri Komposition nr. 10, 1939–1942, kendetegnet ved primære farver, hvid grund og sorte gitterlinjer definerede klart Mondrians radikale men klassiske tilgang til rektanglet.

Den 23. september 1940 forlod Mondrian Europa for at New York ombord på skibet RMS Samaria fra Cunard White Star Lines, der afgår fra Liverpool. De nye lærreder, som Mondrian startede på Manhattan, er endnu mere overraskende og indikerer begyndelsen på et nyt udtryk, der blev afskåret af kunstnerens død. New York City (1942) er et komplekst gitter med røde, blå og gule linjer, som lejlighedsvis sammenfletter for at skabe en større følelse af dybde end hans tidligere værker. En ufærdig 1941-version af dette arbejde bruger strimler af malet papirbånd, som kunstneren kunne omarrangere efter ønske for at eksperimentere med forskellige designs.

Hans maleri Broadway Boogie-Woogie (1942–43) på Museum of Modern Art på Manhattan var meget indflydelsesrig i skolen for abstrakt geometrisk maleri. Stykket består af et antal skinnende firkanter i lys farve, der springer fra lærredet og derefter ser ud til at skimre og trækker seeren ind i disse neonlys. I dette maleri og den ufærdige Victory Boogie Woogie (1942–1944) erstattede Mondrian tidligere faste linjer med linjer skabt af små tilstødende rektangler af farve, delvist skabt ved hjælp af små stykker papirbånd i forskellige farver. Større ubegrænsede rektangler i farve punkterer designet, nogle med mindre koncentriske rektangler inde i dem. Mens Mondrians værker fra 1920’erne og 1930’erne har en næsten videnskabelig besparelse omkring dem, er disse lyse, livlige malerier, der afspejler den optimistiske musik, der inspirerede dem og byen, hvor de blev lavet.

I disse sidste værker har formene faktisk overgået linjernes rolle og åbnet endnu en ny dør for Mondrians udvikling som abstraktionist. Boogie-Woogie-malerierne var tydeligvis mere af en revolutionerende forandring end en evolutionær, der repræsenterede den mest dybe udvikling i Mondrians arbejde, siden han opgav repræsentationskunsten i 1913.

I 2008 det hollandske tv-program Andere Tijden fandt den eneste kendte filmoptagelse med Mondrian. Opdagelsen af filmoptagelserne blev annonceret i slutningen af et to-årigt forskningsprogram om Victory Boogie Woogie. Undersøgelsen viste, at maleriet var i meget god stand, og at Mondrian malede komposition i en session. Det blev også konstateret, at kompositionen blev ændret radikalt af Mondrian kort før hans død ved hjælp af små stykker farvet tape.

Wall worksEdit

When the 47-year -gamle Piet Mondrian forlod Holland for uindskrænket Paris for anden og sidste gang i 1919, satte han straks i gang med at gøre sit studie til et nærende miljø for malerier, han havde i tankerne, og som i stigende grad ville udtrykke principperne for neoplas ticisme, som han havde skrevet om i to år. For at skjule atelierets strukturelle mangler hurtigt og billigt lagde han store rektangulære plakater, hver i en enkelt farve eller neutral farve. Mindre farvede papirkvadrater og rektangler, sammensat sammen, accenterede væggene. Så kom en intens periode med maling. Igen henvendte han sig til væggene, omplacerede de farvede udskæringer, tilføjede deres antal, ændrede dynamikken i farve og rum, producerede nye spændinger og ligevægt. Inden længe havde han fastlagt en kreativ tidsplan, hvor en periode med maling skiftede med en periode af eksperimentelt at omgruppere de mindre papirer på væggene, en proces, der direkte fodrede den næste maleperiode. Det var et mønster, han fulgte resten af sit liv gennem krigstid fra Paris til Londons Hampstead i 1938 og 1940 på tværs af Atlanterhavet til Manhattan.

I en alder af 71 i efteråret 1943 flyttede Mondrian ind i sit andet og sidste Manhattan-studie på East 59th Street 15 og satte sig for at genskabe miljøet h jeg havde lært gennem årene var mest behagelig for hans beskedne livsstil og mest stimulerende for hans kunst.Han malede de høje mure den samme off-white, som han brugte på sit staffeli og på de sæder, borde og opbevaringssager, som han designede og formede omhyggeligt fra kasserede appelsinkasser og æblekasser. Han glansede toppen af en hvid metalskammel i den samme strålende primære røde farve, som han påførte papskeden, som han lavede til radiografografen, der spredte sin elskede jazz fra vellagte plader. Besøgende i dette sidste studie så sjældent mere end et eller to nye lærreder, men fandt ofte til deres forbavselse, at otte store kompositioner af farvede papirstykker, han havde klæbet og genstukket til væggene i stadigt skiftende forhold, udgjorde sammen en miljø, der paradoksalt og samtidigt var både kinetisk og roligt, stimulerende og afslappende. Det var det bedste sted, sagde Mondrian, at han havde beboet. Han var der kun i et par måneder, da han døde i februar 1944.

Efter hans død dokumenterede Mondrians ven og sponsor på Manhattan kunstneren Harry Holtzman og en anden malerven, Fritz Glarner, omhyggeligt. studiet på film og på stillbilleder, før det åbnede det for offentligheden til en seks-ugers udstilling. Inden demontering af studiet spores Holtzman (som også var Mondrians arving) vægkompositionerne nøjagtigt, forberedte nøjagtige bærbare faxer af rummet hver havde besat og fastgjort til hver den originale overlevende udskæringsdel. Disse bærbare Mondrian-kompositioner er blevet kendt som “The Wall Works”. Siden Mondrians død er de blevet udstillet to gange på Manhattans Museum of Modern Art (1983 og 1995–96), en gang i SoHo på Carpenter + Hochman Gallery (1984), en gang hver på Galerie Tokoro i Tokyo, Japan (1993), XXII-biienalen i Sao Paulo (1994), University of Michigan (1995), og – første gang vist i Europa – på Akademie der Künste (Academy of the Arts) i Berlin (22. februar – 22. April 2007).