Il periodo della musica rinascimentale copre il periodo dal 1400 al 1600 circa.
Vedremo le caratteristiche principali della musica rinascimentale, compresi i suoi compositori, gli strumenti tipici utilizzati, le forme sacre e secolari e come ha gettato le basi del cambiamento per i periodi musicali successivi.
Il Rinascimento
Il la parola “Rinascimento” è un termine francese che significa “rinascita”.
È usato per descrivere un’epoca di nuove scoperte ed esplorazioni dal 1400 al 1600 circa.
Questo periodo fu un periodo di grandi sconvolgimenti politici e sociali – eventi come la Riforma protestante ebbero un enorme impatto sulla vita nel mondo occidentale.
Ci fu anche un aumento del pensiero umanistico, che mise in discussione la supremazia della chiesa.
Fu anche un periodo di grande sviluppo in musica e arte. Nuovi stili e tecniche si svilupparono, mentre ci fu anche una “rinascita” di interesse per la cultura antica, poiché artisti e compositori spesso si ispiravano all’antica Grecia e a Roma.
Musica secolare e sacra del Rinascimento
Vedrai spesso la musica del periodo rinascimentale divisa in “Sacra” e “Secolare”.
Sebbene questa divisione abbia i suoi limiti, è abbastanza un modo utile per avere una panoramica del periodo.
Musica sacra
La musica del primo Rinascimento era dominata dalla messa latina a causa della supremazia della chiesa cattolica.
risultato, la musica sacra consisteva principalmente in messe polifoniche e mottetti in latino per l’uso in chiesa.
Il contrappunto modale era la tecnica di composizione dominante (probabilmente a causa della sua stretta relazione con il pianto liturgico).
Ascolta a questi 2 esempi di musica sacra rinascimentale:
Lamentations I di Thomas Tallis
(eseguita da The Tudor Consort (www.tudor-consort.org.nz) CC BY 2.5 tramite Wikimedia Commons)
Credo dalla messa in 4 parti di William Byrd
(eseguita da Ensemble Morales (MusOpen.org) CC BY 3.0 tramite Wikimedia Commons)
Sebbene ci fosse un costante allontanamento dalla chiesa con l’aumento del pensiero umanistico, le chiese rimasero luoghi molto importanti per la formazione di musicisti e cantanti.
Con il passare del periodo e la Riforma protestante aumentò, la musica fu scritta per l’uso in protestante chiese – cioè non in latino e non determinato dalla struttura della Messa cattolica.
Musica secolare
La musica secolare nel primo Rinascimento dipendeva molto dalle corti, che potevano finanziare e sostenere i musicisti.
Canzoni secolari, come i chans on, il madrigale e il tedesco Lied (pronunciato “Leed”) erano molto popolari.
Ascolta questo madrigale di Monteverdi:
Cruda Amarilli di Monteverdi
(Dal Quinto Libro dei Madrigali, 1 ° brano: Cruda Amarilli. Eseguito dal coro da camera del MIT, Cutter. CC BY 2.5 tramite Wikimedia Commons)
Con il passare del periodo, la musica secolare ha allargato un po ‘i confini e ha gettato le basi per l’armonia funzionale (maggiore e minore chiavi). I compositori hanno cercato di ottenere una crescente emozione nei pezzi.
La musica secolare del Rinascimento era principalmente musica vocale, ma la musica strumentale a sé stante si sviluppò (invece di essere solo accompagnamento per la voce o l’accompagnamento di danza). per esempio. fantasia e variazioni.
I generi vocali popolari influenzarono anche i compositori che usavano linee di basso semplificate che evidenziavano un numero minore di armonie strettamente correlate. Questo ha gettato le basi per le progressioni di accordi più complesse dell’era barocca.
Ascolta questo pezzo di Josquin Des Prez chiamato Mille Regretz.
Puoi vedere dal testo quanto sia emotivo il soggetto e quanto sia profonda questa profondità stato catturato nella musica:
Mille Regretz di Josquin Des Prez
Originale francese:
Mille regret de vous abbandonatore
Et d’eslonger vostre facce amoureuse
Jay si grand dueil et paine douloureuse
Quon me verra brief mes jours definer
Traduzione inglese:
Mille rimpianti per averti abbandonato
e aver lasciato il tuo volto amorevole,
Sento così tanta tristezza e così dolorosa angoscia,
mi sembra che i miei giorni presto svaniranno.
usato sotto Licenza Creative Commons 3.0)
Compositori del Rinascimento
I compositori del primo Rinascimento provenivano principalmente dalla Francia settentrionale o dai Paesi Bassi a causa del forte sistema giudiziario, che supportava i musicisti in questi regioni ..
Nel tardo Rinascimento, l’Italia divenne un centro musicale sempre più importante.
Ecco alcuni dei più famosi compositori del Rinascimento:
Compositori del primo Rinascimento:
Guillaume Du Fay (1397-1474) – ha scritto musica per la chiesa sulla base di un canto gregoriano esistente.
John Taverner (1490-1545)
Thomas Tallis (1505-1585) – ha composto musica durante il regno di 4 monarchi! ! (Enrico VIII, Edoardo VI, Maria I ed Elisabetta I). Il suo capolavoro è Spem in Alium – “Canta e glorifica”, che ha 40 parti separate.
Compositori del Rinascimento successivo:
Allegri (1582-1652) e Palestrina (1525-1594) – entrambi prodotti opere corali.
William Byrd (1543-1623)
Monteverdi (1567-1643) – le sue opere liriche erano ispirate al mondo classico, mettendo in stretto rapporto poesia e musica e usando la musica per suscitare emozioni.
Strumenti del Rinascimento
Il Rinascimento è stato un periodo di grandi invenzioni e questo ha avuto un grande impatto sulla musica sotto forma di nuovi strumenti.
I principali strumenti associati alla musica rinascimentale sono:
Sackbut (uno strumento simile a un trombone)
Liuto
Viol da gamba
Strumenti a tastiera come clavicembalo e organo
Caratteristiche tipiche della musica rinascimentale
Ci sono una serie di caratteristiche tipiche da ascoltare nella musica rinascimentale:
- Modalità – La musica rinascimentale ha mantenuto il sistema medievale di modalità
- Polifonia – diverse linee melodiche suonate da diversi strumenti / voci contemporaneamente
- Un forte senso di struttura e integrazione materica.
- Scrittura di parti imitative (ma allontanandosi dalle rigide regole del canone) .
Spartiti rinascimentali
L’invenzione della stampa nel 1440 circa ebbe un enorme impatto sul mondo musicale occidentale (e sulla società in generale!). Ha permesso di copiare la musica molto più facilmente e così gli spartiti sono diventati più comuni.
La notazione rinascimentale ha alcune somiglianze con le partiture moderne.
Dai un’occhiata a questo esempio:
Tuttavia, puoi vederlo c’erano alcune differenze notevoli negli spartiti rinascimentali:
- nessuna stanghetta,
- semibreve usate per lo più,
- solo singole righe di polifonia mostrate sullo spartito (nessuna partiture che combinano parti diverse).
La distribuzione di spartiti attraverso l’uso della macchina da stampa significava che i brani potevano essere eseguiti più ampiamente e le tecniche potevano essere studiate.
Spero che questo ti abbia fornito una panoramica di base del periodo e alcuni utili ascolti consigliati.
