La période de la musique de la Renaissance couvre la période allant de 1400 à 1600.
Nous allons examiner les principales caractéristiques de la musique de la Renaissance, y compris ses compositeurs, les instruments typiques utilisés, les formes sacrées et profanes et comment il a jeté les bases du changement pour les périodes musicales qui ont suivi.
La Renaissance
Le Le mot «Renaissance» est un terme français signifiant «renaissance».
Il est utilisé pour décrire une ère de nouvelles découvertes et d’exploration de 1400 à 1600 environ.
Cette période a été une période de grands bouleversements politiques et sociaux – des événements tels que la Réforme protestante ont eu un impact énorme sur la vie dans le monde occidental.
Il y a eu également une augmentation de la pensée humaniste, qui a remis en question la suprématie de l’Église.
C’était aussi une période de grand développement en la musique et les arts. De nouveaux styles et techniques se sont développés, tandis qu’il y avait aussi une «renaissance» de l’intérêt pour la culture ancienne, car les artistes et les compositeurs s’inspiraient souvent de la Grèce et de la Rome antiques.
Musique séculière et sacrée de la Renaissance
Vous verrez souvent la musique de la Renaissance divisée en «sacrée» et «séculière».
Si cette division a ses limites, elle est assez une manière utile d’avoir un aperçu de la période.
Musique sacrée
La musique de la première Renaissance était dominée par la messe latine en raison de la suprématie de l’église catholique.
En tant que résultat, la musique sacrée était principalement des messes polyphoniques et des motets en latin pour une utilisation à l’église.
Le contrepoint modal était la technique de composition dominante (probablement en raison de sa relation étroite avec le plain-chant liturgique).
Écoutez à ces 2 exemples de musique sacrée de la Renaissance:
Lamentations I de Thomas Tallis
(Réalisé par The Tudor Consort (www.tudor-consort.org.nz) CC BY 2.5 via Wikimedia Commons)
Credo de masse en 4 parties par William Byrd
(Interprété par l’Ensemble Morales (MusOpen.org) CC BY 3.0 via Wikimedia Commons)
Bien qu’il y ait eu un mouvement constant loin de l’église à mesure que la pensée humaniste augmentait, les églises sont restées des lieux très importants pour la formation des musiciens et des chanteurs.
Alors que la période avançait et que la Réforme protestante prenait de l’ampleur, la musique a été écrite pour être utilisée en protestant les églises – c’est-à-dire pas en latin et non déterminé par la structure de la messe catholique.
Musique profane
La musique profane au début de la Renaissance était très dépendante des tribunaux, qui pouvaient financer et soutenir les musiciens.
Chansons profanes, comme les chans sur, le madrigal et le Lied allemand (prononcé « Leed ») étaient très populaires.
Écoutez ce madrigal de Monteverdi:
Cruda Amarilli by Monteverdi
(Du Cinquième Livre de Madrigals, 1ère pièce: Cruda Amarilli. Interprété par MIT Chamber Chorus, Cutter. CC BY 2.5 via Wikimedia Commons)
Au fur et à mesure que la période avançait, la musique profane repoussa un peu plus les limites et jeta les bases de l’harmonie fonctionnelle (majeure et mineure clés). Les compositeurs ont essayé de susciter une émotion croissante dans les morceaux.
La musique séculière de la Renaissance était principalement de la musique vocale, mais la musique instrumentale s’est développée à part entière (au lieu d’être simplement un accompagnement pour le chant ou un accompagnement de danse). par exemple. fantaisie et variations.
Les genres vocaux populaires ont également influencé les compositeurs qui ont utilisé des lignes de basse simplifiées mettant en évidence un plus petit nombre d’harmonies étroitement liées. Cela a jeté les bases des progressions d’accords plus complexes de l’ère baroque.
Écoutez cette pièce de Josquin Des Prez intitulée Mille Regretz.
Vous pouvez voir à partir des paroles à quel point le sujet est émotif et à quel point cette profondeur a été capturé dans la musique:
Mille Regretz de Josquin Des Prez
Original français:
Mille regret de vous abandonner
Et d’eslonger vostre facce amoureuse
Jay si grand dueil et paine douloureuse
Quon me verra brief mes jours definer
Traduction française:
Mille regrets de t’avoir abandonné,
et de laisser derrière toi ton visage aimant,
Je ressens tellement de tristesse et de détresse douloureuse,
cela me semble que mes jours vont bientôt diminuer.
utilisé sous Licence Creative Commons 3.0)
Compositeurs de la Renaissance
Les compositeurs de la première Renaissance venaient pour la plupart du nord de la France ou des Pays-Bas en raison du système judiciaire fort, qui soutenait les musiciens dans ces régions ..
À la fin de la Renaissance, l’Italie est devenue un centre musical de plus en plus important.
Voici quelques-uns des compositeurs de la Renaissance les plus connus:
Compositeurs de la première Renaissance:
Guillaume Du Fay (1397-1474) – a écrit de la musique pour l’église à partir du chant grégorien existant.
John Taverner (1490-1545)
Thomas Tallis (1505-1585) – a composé de la musique sous les règnes de 4 monarques! ! (Henry VIII, Édouard VI, Mary I et Elizabeth I). Son chef-d’œuvre est Spem in Alium – « Sing and Glorify », qui compte 40 parties distinctes.
Compositeurs de la Renaissance ultérieurs:
Allegri (1582-1652) et Palestrina (1525-1594) – ont tous deux produit de vastes oeuvres chorales.
William Byrd (1543-1623)
Monteverdi (1567-1643) – ses oeuvres d’opéra ont été inspirées par le monde classique, liant étroitement la poésie et la musique et utilisant la musique pour susciter des émotions.
Instruments de la Renaissance
La Renaissance a été une époque de grande invention et cela a eu un impact majeur sur la musique sous la forme de nouveaux instruments.
Les principaux instruments associés à la musique de la Renaissance sont:
Sackbut (un instrument de type trombone)
Luth
Viol da gamba
Instruments à clavier tels que clavecin et orgue
Caractéristiques typiques de la musique de la Renaissance
Il y a un certain nombre de caractéristiques typiques à écouter dans la musique de la Renaissance:
- Modes – La musique de la Renaissance a conservé le système médiéval de modes
- Polyphonie – différentes lignes mélodiques jouées par différents instruments / voix en même temps
- Un fort sens de la structure et de l’intégration texturale.
- Écriture de partie imitative (mais s’éloignant des règles strictes du canon) .
Partitions de la Renaissance
L’invention de l’imprimerie vers 1440 a eu un impact énorme sur le monde musical occidental (et la société en général!). Cela a permis de copier la musique beaucoup plus facilement et les partitions sont devenues plus courantes.
La notation Renaissance présente quelques similitudes avec les partitions modernes.
Jetez un œil à cet exemple:
Cependant, vous pouvez voir que il y avait des différences notables dans les partitions de la Renaissance:
- pas de barres de mesure,
- principalement utilisé des demi-fibres,
- seulement des lignes simples de polyphonie sur la partition (pas de partitions combinant différentes parties).
La distribution de partitions à travers l’utilisation de l’imprimerie a permis de jouer plus largement les pièces et d’étudier les techniques.
J’espère que cela vous a donné un aperçu de base de la période et quelques recommandations d’écoute utiles.
